por fin: Boredoms en Radar

Para nadie es noticia que desde la década pasada la cartelera de conciertos en la Ciudad de México no sólo ha aumentado exponencialmente, sino que ha cambiado verdaderamente de raíz hasta el grado de poder ver en vivo a artistas que durante la década de los 90 o antes se antojaba mucho muy difícil de ver. Los nombres de músicos y bandas que han pasado por el Distrito Federal (la mayoría de ellos por primera vez) son demasiados, pero quizá se pueda resumir este cambio en la cartelera con un par: por un lado bandas como Pearl Jam y Radiohead, que fueron esperadas por miles de fans durante mucho tiempo, generando una expectativa enorme y llenando foros gigantescos; por otro lado, Sonic Youth (con una alineación que todavía incluía a Jim O’Rourke), una banda que a pesar de haber jugado un papel sumamente importante no sólo en la historia del rock sino de la música en general y que nadie pensó que llegaría a ver por aquí, tocó por primera vez en 2004, en un escenario más bien modesto y ante un público afortunado. Este concierto fue, para el tipo de música que nos concierne, quizá aun más significativo, ya que se trataba de una banda que pese a su importancia resultaba difícil ver, pues no representaba la taquilla monumental que otras bandas aportaban para los organizadores de eventos en México. Quienes asistimos esa noche del 21 de octubre del 2004 al Circo Volador, recordamos bien cuando Thurston Moore abrió el concierto con un increíblemente emotivo: Thanks for waiting us for 23 years. Hoy, algunos años después, es posible que se dé un momento muy –pero muy- parecido en el Lunario del Auditorio Nacional.

Boredoms

Boredoms se presenta -por fin- por primera vez en México dentro de Radar, y se trata de un momento importante dentro del Festival: éste ha sido uno de los conciertos más solicitados por todos sus asistentes incondicionales y melómanos en general. Una de las constantes del festival es la afluencia de japoneses en cada una de sus emisiones (originalmente en las jornadas de Decibel), y es cierto también que ya Radar ha logrado traer a otras leyendas japonesas (Otomo Yoshihide y Keiji Haino por ejemplo), sin embargo, Boredoms es un punto y aparte, se trata de una de las bandas japonesas más importantes y que mayor influencia ha tenido internacionalmente. Una infinitud de proyectos se han desarrollado a partir de todos los integrantes que han pasado por sus filas, y sus álbumes han probado el éxito en todos los campos por los que han pasado: desde el underground más duro de sus comienzos (con ep’s y discos como Anal by Anal u Osorezan no Stooges Kyo), el mercado estadounidense y el ‘alternativo’ (Chocolate Synthesizer o Pop Tatari) y más recientemente, el de la música electrónica, minimal y ‘tribal’ (Vision Creation Newsun, Super Ae). Pero, con todo y el cuidadosísimo trabajo de edición de sus discos de estudio, la experiencia de ver en vivo a Boredoms siempre ha supuesto la parte más interesante de su trabajo, pues no sólo su música es demandante para casi cualquier escucha, sino que desde el principio su presencia en el escenario suele bordear algo muy cercano al performance y danza, principalmente por su integrante más conocido, Yamantaka Eye, lo más cercano que tiene la banda a un frontman y cuyo repertorio incluye una amplia variedad de gritos, chillidos, efectos electrónicos y saltos de varios metros de altura. Para muestra, recuerden el proyecto de Yamantaka & Taeji Sawai, AEO, presentado en Radar 2008, que mezclaba dispositivos lumínico/electrónicos, el movimiento del cuerpo y momentos de gritos verdaderamente sordos alternados por susurros.

Yamantaka en pleno vuelo

A este respecto, uno de los proyectos previos más citados para comprender de dónde viene buena parte del estilo performático de Boredoms es Hanatarash, de 1985, banda de Yamantaka que se hizo legendaria (o infame) por sus presentaciones tipo Dadá llenas de performance y ruido en las que a menudo destruían todo en el escenario, sin importarles en lo absoluto la seguridad del público. Para una muestra bastante amplia, click abajo:

Mp3: Hanatarash / Hanatarashi, 1985 (8 tracks)

Originarios de Osaka alrededor de 1986, Boredoms empieza como una banda de punk rock bastante ruidoso y violento; acercándose a finales de los 80, con una alineación un poco más estable (que ya incluía a una de sus integrantes más longevas, Yoshimi P-We), este sonido se va volviendo más y más disonante, lo suficiente como para empezar a marcar distancias e irritar a la crítica local, que lo califica como gratuito y nihilista.

Mp3: B for Boredoms, del disco Chocolate Synthesizer, una muestra del sonido de Boredoms a principios y mediados de los noventa

Importante para este periodo es el álbum Soul DIscharge, con cambios de ritmo abruptos, canciones totalmente fragmentarias, momentos burlones y vocalizaciones fuera de lugar casi todo el tiempo. Este disco, que fue la carta de presentación de Boredoms en Estados Unidos, fue el inicio de una popularidad que los llevó a tocar a lado de Sonic Youth o Nirvana, y a Yamantaka a colaborar en Naked City de John Zorn. El sonido de esta época de Boredoms (que abarca el Soul Discharge, además del Chocolate Synthesizer y Pop Tatari) no cede ni un poco, y sigue siendo desconcertante y difícil, aunque con una gran aceptación del público; es, además de arriesgado y abrasivo, sumamente voluble: en un momento puedes escuchar tracks llenos de distorsión y gritos y en otros puede parecer que estás escuchando una canción más o menos cercana a algo parecido al rock, pero en cualquier momento se desata una capa muy densa de efectos y cambios en el ritmo que hace que en un par de segundos te olvides lo que estabas escuchando y tengas que aceptar lo que estás oyendo tal como viene. Esta es una característica importante del Boredoms de esta época: los discos pueden llegar a ser complicados para el escucha no tanto por todos los elementos “no-comerciales” que incluyen (los gritos y la distorsión que tanto menciono), sino porque la composición misma es sumamente inflexible y poco complaciente, no te permite esperar nada, uno tiene que dejarse introducir en una corriente muy espesa de sonido y sobre todo de tiempos. Aunque en un nivel distinto, podemos comparar esta escucha con las Sonatas and interludes for prepared piano de John Cage: uno puede pensar que lo más complicado de ellas es la alteración del sonido, el que las teclas del piano no suenen como suelen sonar y que uno tenga, durante más o menos una hora, que ‘acostumbrarse’ a este sonido nuevo, sin embargo, lo verdaderamente difícil de las sonatas son sus tiempos. Predecir una línea o una frase dentro de la música se torna muy complicado, existe un interés en el silencio y el tiempo sumamente personal o, por decirlo de una manera más llana, que es más difícil seguir el ritmo. De la misma manera, desde el principio la composición de Boredoms ha estado alejada del rock o punk típico; la idea de narrativa, tan poco complicada en el rock en general, en Boredoms está viciada y es muy maliciosa. Esto es quizá lo que puede distinguir a una banda de punk-noise caótico de una banda como Boredoms, tienen esa manera de entender la música tan particular de muchos músicos japoneses.

Mp3: Heart, de Vision Creation Newsun

Hacia finales de los noventa, con discos como Super Ae y Vision Creation Newsun, el sonido de Boredoms se empieza a mover lentamente del rock ruidoso y sin sentido a una amalgama de electrónica, soundscapes, psicodelia, sintetizadores, percusiones y un trabajo de post-producción aun más pesado.

Mp3: Super Are y Super Shine, del álbum Super Ae

Estos dos discos fueron alabados por la crítica como joyas del avantgarde y son una buena manera de entrar a lo que hace Boredoms hoy día:

Mp3: Relerer (Del disco Live at Sunflancisco, 2007) (un ejemplo de lo que hace actualmente Boredoms)

Recientemente, el sonido de Boredoms se ha centrado en piezas interminables para percusión que incluso han sido etiquetadas como tribales. Uno de los discos más significativos de esta etapa es Seadrum/House of Sun de 2004, en primer lugar porque significó el regreso de Boredoms a los estudios después de 4 años, y en segundo porque aunque no obtuvo la atención de sus discos anteriores, recibió críticas muy positivas. Seadrum/House of Sun consta de dos piezas de alrededor de 23 minutos, la primera de ellas, Seadrum, es una pieza para percusiones acompañadas de vocalizaciones y arreglos para piano. Lo interesante de la pieza es que corre el rumor que las baterías fueron grabadas en la playa, con la marea subiendo poco a poco, modificando así su sonido. La segunda, House of Sun es una pieza marcadamente oriental y densa. Quizá es una mezcla entre estas dos piezas lo que caracteriza más el sonido actual de la banda: lo tribal de las percusiones en Seadrum y este aspecto aparentemente espiritual o de trance de House of Sun.

Mp3: Seadrum, del disco Seadrum/House of Sun del 2004

77 Boadrum, NY, 7-Julio-2007

Quizá el punto culminante de esta etapa de Boredoms centrada en la percusión sea la serie de conciertos Boadrum. El 7 de Julio del 2007 en Brooklyn Bridge Park, en Nueva York, se presentaron con un ensamble de 77 bateristas dispuestos en una formación de espiral, con Boredoms en el centro dirigiendo las acciones. Posteriormente, el 8 de Agosto del 2008 se repitió, esta vez de manera simultánea en Los Ángeles y Nueva York.

Fragmentos en video y mp3 de Boadrum 77

Una guitarra modificada, parte del equipo que Boredoms traerá a México

Mp3: Jungle Taitei, del sampler de la serie Super Roots

Para terminar el post, hay un punto interesante a destacar en esta etapa percusiva de Boredoms: siempre será muy interesante ver a una banda que hace el tipo de música que hacen en vivo, por el nivel de concentración y el estado mental al que se puede llegar, pero, aunado a eso, ver a Boredoms en trance no es sólo ver a un grupo de músicos haciendo su trabajo, sino que transforman este trance en un acto performático (por usar una palabra más o menos adecuada). Un ejemplo a la mano: quienes asistieron a la presentación de Thurston Moore, William Winant y Tom Surgal en Radar 5 recordarán que los 90 minutos que duró el concierto Thurston los pasó con los ojos cerrados. Aunque fue impresionante ver a este sujeto de casi dos metros destrozando su guitarra (y provocando un caos en el escenario hacia el final, usando a camarógrafo y público para seguir tocando), el papel de Thurston sobre el escenario se limitaba a verlo hacer su trabajo de afuera hacia adentro, literalmente metido en lo que hacía. Un ejemplo diametralmente opuesto -pero igual de intenso- fue Daniel Menche el año pasado en el Palacio de Medicina, que a partir de un estado casi de meditación dejó todo sobre la mesa en la que se subió. Puede parecer irrelevante hacer este comentario, sin embargo el ‘trance’ de Boredoms es definitivamente de otro tipo, de adentro hacia fuera, que mueve -más que transformar- estos arrestos hacia un acto que no deja indiferente a nadie: ni a los fanáticos de una de las bandas de rock más importantes e influyentes en la historia, ni a los que irán al concierto por el aspecto experimental de su música, ni a los que aprecian el aspecto escénico de verlos o a quien asista por la mera curiosidad. Boredoms puede conjuntar la concentración extrema de una interpretación mucho muy intensa con un despliegue físico sorprendente. Eso sin repetir con lo que comencé: la noche del 20 de marzo del 2010 en el Lunario del Auditorio Nacional, cuando Boredoms se suba al escenario no sólo será una de las más emotivas en toda la historia de Radar, sino que definitivamente será el primer gran concierto de la década que apenas comienza

Boredoms en Verona, Italia, 2007

Más videos: Boredoms en vivo en Verona 2007, en Philadelphia 2006 y en Terminal 5 Nueva York y ATP en New York, 2009

Boredoms -Fat Mariachi –KK Null / Sábado 20 de Marzo 2010, 20:30 hrs. / Lunario del Auditorio Nacional / $400

sin mayor presentación, damas y caballeros: KK NULL en Radar

Como si no fuera suficiente con la presencia de Boredoms dentro de su novena edición, el festival Radar se ha encargado de traer a otra figura que ayudó a forjar lo que entendemos como Japanoise y la escena de música experimental de los últimos 25 años. Sin más presentación, señoras y señores: KK NULL

KK Null

Originario de Tokyo, Japón, Kazuyuki Kishino, mejor conocido como KK Null, inició su carrera en los años ochenta en bandas de ‘progresivo duro’ como Ybo2, Absolute Null Punkt o su proyecto más conocido, Zeni Geva. Null es un músico multi-instrumentalista (su repertorio de instrumentos incluyen guitarra, electrónica, batería y voz), que además de tener una discografía abarca más de 100 producciones, se ha dedicado a producir álbumes para otros artistas. Por este lado, las colaboraciones de KK Null con otros artistas no sólo son numerosas, sino que incluyen a algunos de los nombres más influyentes que se puedan imaginar: Boredoms, John Zorn, Otomo Yoshihide, Fred Frith, Keiji Haino, Merzbow, Jim O’Rourke o Koji Tano. KK Null no es nada más un músico japonés con una discografía abultada, se trata de una figura que ha hecho del rock y la música experimental japonesas lo que conocemos ahora (tan sólo pensemos en su trabajo con Merzbow). Null fue decisivo en el desarrollo de algunos de los proyectos más ambiciosos de Japón, como músico tanto como productor, y uno no puede escuchar su trabajo sin pensar precisamente en esto, en que se trata de un músico, y que creo que es la característica más importante de Null: mientras que muchos proyectos japoneses han tenido gran parte de su atractivo en la implementación de muchos elementos aparentemente extra musicales, lo que ha hecho Null siempre se ha basado en una idea de composición muy sólida. Para ejemplo, click abajo:

Mp3: Radio-Anima 1

Mp3: 5:20, del disco Atomik Disorder

KK Null no es un artista al que le baste con sostener un par de sonidos durante horas, haciéndolos más y más pesados, o por el contrario, depurándolos hasta hacer que se fundan con el ambiente: no, Null hace cambios, muchos, y con mucha frecuencia; de hecho, si quisiéramos decir que lo que KK Null hace son soundscapes tendríamos que dejar a un lado esta homogeneidad placentera que solemos asociar con ellos, este estado casi de relajación y el sonido difuso. En este caso el escucha se encuentra ante una avalancha de decisiones, y para cuando un sonido empieza a generar espacios y a hacer que nos acostumbremos a ellos, de inmediato llega otro que necesariamente modifica el espacio que ocupaba el sonido anterior, y en vez de hablar de un flujo en el que los sonidos se van disolviendo en el siguiente más bien hablamos de un entramado, como un tapiz, que genera un espacio nada uniforme, y el único territorio que puede ocupar el escucha es uno más fragmentario que el del sounscape usual, y quizá un poco más incómodo, pero este orden con el que KK Null ‘compone’ logra que el oyente no baje la guardia y se mantenga en un constante estado de atención con todos los sonidos que Kishino procesa en vivo. Y esto sin contar aún el trabajo de voz de KK Null, que añade otra capa a toda esta maraña de sonidos sobrepuestos. Y es que recientemente mucho del sonido de KK Null, la manera en que logra generar estas capas espesas de sonido, radica en el Nullsonic, un ‘instrumento’ utilizado en vivo y creado por Null que consta de un arduo trabajo de archivo de sonidos (sintetizadores y efectos de pedal) en mini discs ejecutados en vivo, relativamente a la manera de un dj.

Aunque este instrumento es una solución a un problema relativamente simple (es difícil cargar con todo el equipo en cada presentación), la idea que el Nullsonic puede darnos del trabajo de KK Null radica en el hecho de que esta disponibilidad de un registro tan amplio de sonidos y efectos, este bagaje tan grande de posibilidades con el que tiene que arreglárselas, habla de una manera de ordenar el sonido en tiempo real, es decir, una manera de componer no con instrumentos, sino con sonido, y esta idea de composición puede manejar grandes cantidades de recursos sonoros, voz y silencios u otro tipo de recursos porque entiende todos estos elementos como parte de comprender y abarcar el sonido. Un ejemplo: lo que hace interesante a muchas bandas que incorporan en sus presentaciones elementos como vestuario, performance o video es que todos estos componentes se entienden en una idea amplia de insertarse en el acto de generar sonido, de ‘tocar en vivo’. KK Null, por su parte, no hace video ni performance en sus presentaciones, y me parece interesante apuntarlo porque lo que vamos a ver es a un músico poniendo toda su concentración en todos los recursos de sonido que tiene, que no son pocos, de manera que lo que podemos esperar de Kazuyuki Kishino cuando se suba al escenario del Lunario del Auditorio Nacional es que ‘se limite’ a desplegar todo lo que trae en su equipo (aunque sencillo y quizá visualmente poco impresionante) y genere esta atmósfera abrasiva que desde hace más de veinte años le ha caracterizado. El mismo escucha en verdad se enfrenta a un problema: cómo seguirle el paso a un artista que procesa más cosas de las que uno mismo puede escuchar. Antes de que se dé cuenta, el escucha ya lleva mucho tiempo escuchando, y tiene que enfocarse tanto en todo lo que se le viene encima que sesenta u ochenta minutos pasan más rápido de lo que parecen. El año pasado, justo al terminar la presentación de Keiji Haino en el Lunario, alcancé a escuchar a un asistente completamente extasiado decir que el tiempo se le había pasado rapidísimo (y Haino tocó unos noventa minutos más o menos). Ya es algo que podemos esperar de un músico japonés, y en el caso de KK Null es sólo una de las muchas cosas que podemos esperar. Aquí más ejemplos:

Mp3: Con Daniel Menche, del disco Raijin

Mp3: Track del disco Oxygen Flash

KK Null en vivo, Octubre 2009

Video: KK Null, Improvisación en 1991, Tokyo

Video: En vivo en Extrapool Nijmegen, Holanda, Octubre 2009

Click aquí para leer una Entrevista de Abril, 2006, antes de una presentación en Budapest (scroll abajo para la versión en inglés)

Además, y para terminar, hay que agregar que el trabajo de KK Null es tan rico y diverso precisamente por esta manera que tiene de abordar la música, desde la perspectiva tanto de un músico experimentado como de un archivista de sonido obsesivo que sabe hacer con una cosa lo que a veces resulta demasiado difícil hacer con la otra: no se trata de ruido, sino de un músico que va más allá de este tipo de definiciones. Por todo esto, el cierre de esta, la novena edición de Radar, no puede antojarse mejor: KK Null y Boredoms, dos de las más importantes figuras del Japanoise de los últimos años, a lado de Fat Mariachi, y todo por un mismo boleto.

KK Null - Fat Mariachi - Boredoms / Sábado 20 de marzo 2010, 20:30 Hrs. / Lunario del Auditorio Nacional / $400

Arte acción y mariachis transgénicos directo desde la colonia Del Valle en Radar: Fat Mariachi en el Lunario

Uno de los poquísimos momentos que recuerdo de Sábado Gigante (un programa de televisión de variedad latino-estadounidense que se transmitía por canal 2 a principios de los noventa), fue de una de sus secciones, el concurso de talentos, que era básicamente una competencia de canto para aficionados; en este, un sujeto vestido de mariachi era enérgicamente regañado por Alberto Ángel ‘El Cuervo’ (toda una institución de la música vernácula). Le reprendía en general su mala afinación y sus ademanes sobre el escenario. Sin embargo, y esto es lo que hace que recuerde el incidente, pasó una cantidad ridícula de tiempo sermoneando al pobre concursante por portar el moño de mariachi de manera irrespetuosa (al parecer no le parecía ni el material ni el color, de un rosa metálico brillante). Estaba verdaderamente furioso, llegó incluso a decirle que portar el traje era una vergüenza en él, y que no lo volviera a hacer por respeto a la tradición del mariachi. Aunque burda y anodina, esta anécdota televisiva fue lo primero que me vino a la cabeza cuando me enteré de la existencia de Fat Mariachi.

Fat Mariachi, los hijos pródigos de la Del Valle

Fat Mariachi reprobaría todos los estándares de calidad para un mariachi, lo único que comparten con ellos son sus trajes (en una versión aun más libre) y las alusiones a mujeres y mucho alcohol en sus canciones. Fat Mariachi -y esta me parece la mejor manera de comenzar un post sobre ellos- es un absoluto desmadre.

Por donde se quiera empezar, todo lo que conforma a Fat Mariachi es sumamente extravagante y atraerá al primer incauto: su ‘vestuario’, sus instrumentos, su ‘estilo’ musical (si es que tienen algo que se pueda llamar así), su presencia en el escenario (o fuera de él). Fat Mariachi es un proyecto mexicano-alemán que pasa por la música ruidosa y el performance sin despeinarse y está integrado por Edgar Aarón en la batería, Kai Kraatz en el bajo y Daniel Lara en los samples. Lo primero que llama la atención es su indumentaria, que es la de un mariachi no muy folclórico con tenis Converse y Puma, y aunque no usan el traje de una manera particularmente irreverente, ver a un mariachi alemán pidiéndole al público que le ayude a tocar el bajo es suficiente para que esta versión maligna del mariachi comience a escandalizar al público. Por otro lado, además del bajo y la batería, su mesa de instrumentos electrónicos llama más la atención por lo aparentemente anticuados que se ven: amplificadores naranjas sin marca aparente y lo que parecería ser una maquinita de esas con las que jugabas en la farmacia (algunos de estos instrumentos son creados por ellos mismos). Sin embargo, todo esto no es menos caótico que lo que tocan: por pretencioso que pueda sonar, definir a lo que suena Fat Mariachi siempre les quedará corto: batacazos duros, lineas de bajo fuertes, a veces desesperadamente lentos, otras veces casi simplones, un ruidero eléctrico-electrónico y letras que no hacen las cosas más fáciles. A Fat Mariachi les tiene sin cuidado si su música está de un lado o de otro, y esta desfachatez en cuanto a lo que tocan les permite probar un sin fin de posibilidades que hacen precisamente que su trabajo provoque una enorme curiosidad. Si acaso podríamos decir que bordean una cosa con ecos más o menos cercanos al jazz, el country y la música ranchera. Además, es difícil entender lo que suena si no se toma en cuenta lo que se ve en sus presentaciones: la manera en que se comportan en el escenario es quizá lo más notorio de la banda, y es que ellos son los primeros en recalcar el carácter performático-desquiciante de sus presentaciones: ¡No es Música, es Performance! Como si no fuera suficiente con escucharlos y verlos hacer su disturbio, los integrantes de Fat mariachi, principalmente Kai Kraatz, de repente se salen de su sitio y empiezan a invitar al público a que se involucren con ellos, que toquen sus instrumentos y sean parte de toda esta puesta en escena. En pocas palabras, la sola experiencia de estar en sus presentaciones ya implica un nivel de involucramiento exigente: a nivel musical, a nivel artístico y a nivel físico. Sin embargo, este involucramiento se da, de una u otra manera pero se da, pues se trata de un espectáculo muy abierto y nada excluyente. No importa si es una mezcla de estilos o es rock o música experimental, al final se trata de una tocada en la que todos mueven la cabeza, y el performance, que dicho así puede sonar demasiado serio, termina siendo un relajo en toda la extensión de la palabra.

Fat Mariachi dentro del elevador del MUAC

Para escuchar música de Fat Mariachi, click aquí para ir a su Myspace

Este aspecto de sus presentaciones ha permitido que Fat Mariachi se presente en varios espacios más dedicados al arte que al rock; han tocado en toda la Ciudad de México, y si no los has visto por lo menos seguro te has enterado de sus presentaciones. Los sitios en los que han montado su escándalo van desde el under (el Centro Cutural Border por ejemplo), espacios de arte más serios (la Sala de Arte Público Siqueiros, el Museo Universitario Arte Contemporáneo o recientemente el festival Open Art, en Beijing, China) hasta en su propio estudio, en el corazón de la colonia Del Valle, en fiestas que incluyen colaboraciones con artistas de graffiti. Fat Mariachi ya se adueñó de la atención de muchos en el Distrito Federal, por lo que el próximo 20 de Marzo su presentación en el Lunario (a lado de KK NULL y Boredoms) será su primera vez en un escenario más grande y comercial, tipo rock, y con todo y que este escenario esté más alejado de la gente, definitivamente el escenario no les quedará grande, así que la sola idea de todo lo que se les ocurrirá hacer ya es suficiente motivo de curiosidad para asistir al cierre de Radar 9.

Una prueba de lo que puede hacer Fat Mariachi

también pueden encontrar más videos en el perfil de Vimeo de Fat Mariachi

Si ya les parecía suficiente con ver a dos verdaderas leyendas del japanoise (de quienes hablaremos en esta semana), agréguenle a los mariachis consentidos de la Colonia Del Valle y todo por un mismo boleto en el Lunario. ¡Radar está a la vuelta de la esquina, dejen de dudarlo y asistan al Lunario!

Fat Mariachi - KK Null - Boredoms / Sábado 20 de Marzo 2010, 20:30 Hrs. / Lunario del Auditorio Nacional / $400

Y se acabó Radar, sniff

Anoche, en un Lunario en el que no cabía un alma, Radar 8 concluyó sus actividades en este 25 Festival de México en el Centro Histórico con las presentaciones de Keiji Haino y Mike Patton con el trío italiano Zu. El evento era un completo sold out desde mediados de esta semana, mucha gente comenzó a sudar días antes por la falta de boletos, y, había gente formada desde más de dos horas antes del evento y, sin más, quien entró entró, y quien no, pues no.

¿Querías japoneses? Pues tómala.

En un escenario apenas iluminado con unas luces violeta y azules muy débiles (se pidió al público abstenerse de usar flash en sus fotos), un Keiji Haino imponente y monumental se subió al escenario y pateó a todo el mundo hasta que no pudo más, y cuando todos pensaron que ya era suficiente, apenas era la mitad. Me reservaré mi comentario por ahora para extenderme cuando hagamos las crónicas detalladas de los eventos (a partir de esta semana), pero, para resumir, Keiji Haino fue el too much de todo Radar 8: fue el qué más tocó (hora y media), fue el que más se movió (del suelo pasaba a saltos frenéticos con su guitarra o a movimientos de brazos violentos ante su theremin), fue el que más fuerte gritó (más aún que Patton o Csihar). Keiji Haino está loco, nos dijimos todos cuando acabó en el suelo manipulando sus gritos electrónicamente. Algunos simplemente no lo aguantaron (un "gracias a dios" se alzó detrás mío cuando parecía que ya terminaba, cosa que pasó unas tres o cuatro veces), y otros nada más esperaban a Patton.

Cuando Mike Patton, Luca Mai, Massimo Pupilo y Jacopo Battaglia se subieron al escenario con máscaras de luchador (Patton era el Santo), fue por momentos complicado escuchar la impecable y emotiva apertura de la voz de Patton por tanta gente que gritaba completamente emocionada. El hasta ahora sumamente correcto público de Radar se volvió loco. Patton y Zu -ya sin máscaras-, sin más preámbulo, se decidieron a destruir el lugar, el saxofón de Mai marcaba los compases con muchísima fuerza, el bajo de Battaglia no descansaba un segundo y Pupilo tocó con una fuerza muy difícil de ver en un baterista que tiene un bajo y un saxofón por compañeros. Patton simplemente no se calló en toda la noche. Pasó de gritos a gárgaras, se paseó por todo el escenario. El público hizo lo propio, que de repente se desenvolvió en el más puro slam de un concierto de rock (cosa que no se veía desde Melt Banana el año pasado). Aunque no tocaron mucho tiempo (alrededor de una hora), la gente se fue del todo satisfecha, y es que la energía que desplegaron en el tiempo que estuvieron sobre el escenario fue tanta (además de lo que hizo Haino antes) que nadie pensó en nada más. Patton y Zu salieron del escenario y todo el mundo terminó contento (menos los que no consiguieron boleto). No sé qué más decir, ya Sirako escribirá al respecto.



Y con esto se acabó Radar 8. Aún queda una semana de Festival, así que vayan al blog a enterarse.



En esta semana postearemos las reseñas de los conciertos con pelos y señales, con grandes momentos (la mayoría) y descalabros (que hubo un par cuando mucho), fotos y youtubes, estén pendientes.



Nos vemos en Radar 9, en el 2010.

Sunn O))) dejó sordo al 50% del público del Lunario anoche, el otro 50% que todavía escucha, nos vemos hoy a las 7 en el Espacio Escultórico en Grisey

El concierto de Sunn O))) acabó hace casi nueve horas y todavía no se va el zumbido de los oídos. Jazkamer estuvo increíblemente atascado desde que comenzaron, tocaron con una alineación que llamaba la atención por sencilla (guitarra-guitarra-batería) pero eso no impidió que todos se pararan de puntitas para ver de dónde diablos salía todo el ruidero de Lasse Marhaug y John Hegre. Nils Are Drønen fue la gran sorpresa en la batería, que desde que comenzó tocó con toda la fuerza de quien hace un solo de 2 o 3 minutos pero prolongado por más de cuarenta minutos (se tuvo que salir del escenario, muerto de cansancio). Pero si se puede decir que Marhaug y Hegre estuvieron atascados, se tendría que redefinir el término con Sunn O))). Sin dudarlo un segundo, fue el concierto más física y mentalmente demandante de todo Radar 8. Si uno escucha los discos o ve los youtubes de Sunn O))) uno igual y dice que son "soundscapes" o "sonidos prolongados y distorsionados". Esto, en vivo, es una burda y absoluta mentira. Algunos términos que se me venían a la cabeza anoche mientras O'Malley y Anderson hacian zimbrar los cimientos del Lunario (cosa que nunca cedió ni un poco) fueron: trombosis sonora, bulldozer auditivo. Cuando escribí que sería una atmósfera abrasante no sabía de lo que hablaba. La idea de 'Muralla de Sonido' definitivamente aplicaba, pero siempre y cuando uno fuera emparedado vivo entre ampllificadores que antes de sonar, temblaban, entre toneladas de humo (era verdaderamente difícil verlos). Esto del sonido, de la atmósfera hablamos en otro post, fue exactamente lo que se esperaba y un poco más (fue sumamente emotivo ver a O'Malley abrazar a Marhaug, Ambarchi y Anderson repetidas veces). Csihar hizo lo que haría Csihar. Basta con decir que, para algunos, Radar empezó y terminó anoche.


Pero hoy es domingo y es otra cosa, hoy es Le Noir de L'Etoile de Gérard Grisey en el Espacio Escultórico con el legendario ensamble Les Percussions de Strasbourg en primera y única presentación (mañana darán una master class en la Escuela Nacional de Música), hoy es el sonido de los pulsares integrado al sonido de los seis percusionistas en vivo y sin modificación, justo al anochecer, con el público rodeado por los músicos, sentado en la roca volcánica del espacio que este año celebra treinta años. Hoy es entrada libre y definitivamente uno de los conciertos que más expectativa han causado de todo el programa de Radar.
Nos vemos hoy a las 7 en el Espacio Escultórico de Ciudad Universitaria.



Ya dijimos que es Entrada Libre.



Ciclo Gérard Grisey 1: Le Noir de L'Etoile, Les Percussions de Strasbourg, Espacio Escultórico del Centro Cultural Universitario, Domingo 15 de Marzo, 19:00 horas. Entrada Libre.

Mike Patton, tres romanos y una leyenda japonesa de 56 años cierran Radar 8, no hagan preguntas, sólo vayan

Sin más presentación, que Radar inicia actividades este viernes -o sea ya-, señoras y señores, esto es Mike Patton+Zu







Mike Patton, el camaleónico vocalista (capaz de cambiar de estilo y/o proyecto con una versatilidad sobresaliente) de grupos como Faith No More, Mr. Bungle o Fantômas (con quien ya se presentó hace cuatro años en Radar), con una discografía grosera, se lanza al escenario con el trío de romanos Luca Mai, Massimo Pupilo y Jacopo Bataglia, que conforman la agrupación de avant jazz Zu.

Este proyecto italiano, cuya principal característica es saltar de un colaborador a otro, lleva ya diez años y catorce discos de borrar las fronteras del rock, el metal, el noise y el punk jazz con un conjunto de instrumentos bastante poco común (batería, saxofón barítono y bajo eléctrico). Así, sin mayor explicación, Patton y Zu decidieron crear un ensamble para jugar juntos con las posibilidades del sonido.

Y básicamente, sin querer mejorar la expectativa de su presentación (que de por sí ya es enorme, siendo el concierto más esperado de esta edición de Radar 8), podemos decir que cuando se suban al escenario, un trío que logra sacar hasta el último sonido de sus instrumentos y una voz con un nulo sentido de la palabra límites se juntarán para darle una definición a las palabras rasposo y catártico.

Y es que, cada uno por su parte, Patton y Zu han logrado, en su carrera, llevar tan al extremo el sonido de sus propios estilos e instrumentos, que lo han rebasado hasta dejarlo irreconocible, difícil, áspero y rijoso; la palabra “vocalista” suena anticuada cuando uno escucha lo que Patton ha logrado redimensionar en su trabajo, y la idea de un trío de jazz necesariamente se queda corta, casi a la altura de una banda de bar, cuando uno escucha lo que este trío de romanos es capaz de hacer con sus instrumentos semiacústicos.

La primera vez que escuché a Patton solo, fuera de sus proyectos más populares como Faith No More o Fantômas, recuerdo que de inmediato pensé: “¿cómo coños hace eso?”. Aún con el procesamiento electrónico necesario para hacer los portentos que hace con su voz, me parecía increíble que pudiera llevar tan al límite un instrumento como es la propia voz de esa manera. Uno podía encontrar todo tipo de registros en su trabajo, me pareció sorprendente que hiciera todo lo que hacía sólo con su garganta, es decir, que pudiera, por decirlo de una manera, ‘componer’ para voz de esa forma. Patton ha manejado su instrumento a tales niveles en toda su labor como vocalista que su música y sus interpretaciones son verdaderamente una invención novedosa, que a primera oída suele desconcertar por su complejidad.



Por el otro lado, Zu, con un conjunto de instrumentos tan nobles y humildes como son el bajo, el saxofón y la batería, han logrado expandir su campo de acción sonora a tal grado que su energía y brusquedad (sobre todo cuando uno los mira pensando en un conjunto de jazz) resultan verdaderamente notorias. Más que emotivo, como han sido los cierres de Radar de los últimos años (acuérdense de Music For Airports de Brian Eno en un Palacio de Bellas Artes a reventar cerrando Radar 5 o un soberbio Anthony Braxton el año pasado en el Teatro de la Ciudad), el de este año promete ser catártico, hosco, algo que muy probablemente va a pasar un tiempo antes de que vuelva a acontecer. Es una fórmula simple: un trío capaz de acelerar y violentar a sus instrumentos de maneras tan sutiles como descorteses, junto a un vocalista con un repertorio de gorjeos, gritos, gárgaras, arias, sonidos electrónicos y modulaciones de voz esquizofrénicas que darán, forzosamente, una presentación brutal y despiadada.



Pero antes…


Cierto, este año, Radar no incluye a la turba de japoneses (casi siempre iracundos) que suele traer (Yamantaka Eye, Atsuhiro Ito, Otomo Yoshihide, Taeji Sawai, Ikue Mori, por decir algunos), sin embargo, abriendo este concierto en el Lunario, Radar trae a uno de los japs más importantes en la historia de la escena:


El trabajo del músico experimental japonés Keiji Haino (Chiba, 1952) ha recorrido el rock, la improvisación, el noise, las percusiones, la psicodelia, el minimalismo y el drone en sus más de treinta años de carrera; de él se pueden decir infinidad de cosas, como que ha colaborado con las mentes más disímiles y reconocidas, desde John Zorn, Yamataka Eye, Magical Power Mako, el difunto Derek Bailey, Bill Laswell, John Duncan, Peter Brotzman, Fred Frith, Jim O’Rourke hasta Toru Takemitsu. Que cita como sus influencias a artistas como Syd Barret, Marlene Dietrich, Iannis Xenakis, Charlie Parker o Blind Lemon Jefferson. Que desde hace mucho tiempo se ha dedicado a explorar los límites de la guitarra eléctrica y la voz, aunque suele implementar una multitud de instrumentos en su trabajo.

Pero toda esa información deja de ser útil cuando se tiene a Keiji encima del escenario.




Keiji Haino en el No Fun Fest, 2007


Sus exploraciones con el sonido suelen ser sumamente largas, muy intensas. A diferencia de lo que ya habremos visto para ese entonces en las jornadas de Electrónica Experimental unos días antes, con sonidos más refinados o preparados, lo que Haino hace conlleva una energía originalmente adquirida en el rock, en la crudeza de manejar un instrumento como es la guitarra.

Haino puede pasar por momentos declaradamente drone, con prolongaciones de sonidos extremadamente distorsionados, y exceder esos límites hasta llegar a una atmósfera de silencios (no obstante el inmenso ruido) y de repeticiones más propia del minimalismo, sólo para usarlo como antesala de una interpretación con la voz mucho más cercana al rock o a un acto teatral (sitio de origen de Haino), todo esto con capas y capas de grabaciones desconcertantes (riffs de guitarras muy agudos que de pronto se convierten en voces, distorsiones cuya fuente no logras identificar, o ni siquiera sabes si realmente estás escuchando ese sonido como tal o es sólo un efecto del otro montón de ruido que está sonando en ese mismo momento).

Las improvisaciones de Keiji Haino suelen ser verdaderamente transformadoras precisamente por esta mezcla en vivo de tiempos, timbres y maneras o estructuras de abordar el sonido. Al final no sabes qué fue lo que pasó, no tuviste tiempo de hacerte a la idea de un solo sonido, porque lo que pasó fue una amalgama de soluciones sonoras sumamente viva, en movimiento. Lo que de repente parecía un paisaje sonoro se convierte en un bloque macizo de sonido, sólo para metamorfosearse en un único sonido prolongado hasta que ya no es posible sostenerlo más sin descomponerlo y volver al principio.

Keiji Haino, como todos los músicos noise/experimentales japoneses, cuenta, con sus cincuenta y tantos años, de esa energía feroz y peligrosa que suelen mostrar los nipones en el escenario, sin embargo en su caso vale la pena recordar esa pose, ese desgarbo y crudeza que vienen más del mundo del rock, que hace que sus presentaciones, pese a lo complejo de su sonido sean, no obstante, dinámicas y llenas de vitalidad.




Keiji Haino con Otomo Yoshihide

Keiji Haino+Yamataka Eye+John Zorn




Próximo post: Radar inaugura sus actividades el viernes. ¡Todos al Laboratorio de Arte Alameda a las 20:30!



Keiji Haino, Mike Patton+Zu // Sábado 21 de Marzo 22:00 hrs. // Lunario del Auditorio Nacional // $400

Jazkamer en el Lunario // Sábado 14 Marzo, 22:00 hrs.

Cuando Jazkamer se suba al escenario del Lunario el sábado 14 de Marzo, como abridores de Sunn O))), va a empezar una prueba de fuego para los espectadores. Y una pesada.

A diferencia de la atmósfera lenta y espesa –y controlada– de Sunn O))), Jazkamer trae una amalgama de ruidos (procesados y en crudo), mezclados rápido, nada refinados. El sonido del proyecto de Lasse Marhaug mezcla chirridos, sonidos distorsionados y/o originalmente desde una computadora y dispositivos electrónicos, guitarras eléctricas, toda clase de efectos para dejar irreconocible su timbre particular, loops de fragmentos mínimos que, una vez extendidos, generan "campos" gigantescos extremadamente simples.

El hecho de que estos sonidos, sin mayor referente músical, se puedan mezclar en capas y capas de ruido por varios minutos en varios loops hacen que todo se junte en la cabeza. Uno se queda literalmente estancado en ese segmento de uno o dos segundos como si fuera algo mucho más amplio que un sonido repetido, mucho más. Como cuando haces zapping escuchando el AM tan rápido que no escuchas nada de las estaciones que vas pasando, todos esos sonidos–voces, efectos, música, etcétera- se sobreponen y puedes quedarte horas escuchando sólo la estática.

Hay algo en el hecho de trabajar, en vivo, con elementos que son, por propia fuente, tan difíciles de manejar. El en caso de Jazkamer, estos sonidos no se mezclan "naturalmente", como si fuera por azar que se juntan (como en el AM), no es una exploración pasiva ni contemplativa. Para nada. Son ejecutados con bastante violencia y rapidez, casi no tienes tiempo de acostumbrarte a tal o cual tema o sonido, antes de que te des cuenta, otro se encima, más ruidoso que el anterior (por eso lo de los loops: al final sólo tienes esos sonidos como "base", es lo único más o menos fijo de lo que estás escuchando).

Por ejemplo, click aquí para escuchar un sample:

Jazkamer // Sound of Music

Cuando escuchas este ejercicio de capas y capas de sonido, más que un muro, en este caso se teje una especie de entramado. Lo interesante es poder concentrarte lo suficiente como para poder, ya que estás "escuchando" lo mismo que el que lo genera, meterte en esa especie de trance muy personal. En este caso, el de Lasse Marhaug.

El sonido que promete traer Jazkamer se antoja intimista pero no por eso menos estridente, atascado, rápido, pero especialmente rudo. Ver en vivo a Marhaug y compañía destripando a sus instrumentos es otra escena que vale la pena. Además, el mismo boleto luego sigue Sunn O))), que es más o menos lo contrario. O sea que aquellos que pasen la prueba de ver en vivo a Jazkamer no pueden pensar en un mejor escenario para después clavarse en Sunn O))): de lo rápido y atascado a otra cosa mucho más lenta, controlada, más "envolvente".

Si no estaban seguros de ir a comprar su boleto, pues como que para luego es tarde.



Otro ejemplo:

Jazkamer en Praga en noviembre del año pasado

Próximo post: por qué deberían de no ir a Radiohead y mejor caerle al Espacio Escultórico del CCU.

Jazkamer y Sunn O))) // Sábado 14 de marzo 2009 // Lunario // 22:00 hrs. // $250. Boletos a la venta en las oficinas del Festival.

Sunn O))) (Lunario, sábado 14 de marzo, 22 hrs.)

Para quien no esté familiarizado con el término drone o drone metal, empiezo con una anécdota que no tiene que ver directamente con Sun O))), pero que igual sirve para ir abriendo los oídos:

¿Recuerdan el filme Kurt & Courtney, del documentalista Nick Bromfield? A pesar de que versa sobre Nirvana y su difunto líder, no hubo posibilidad de entrevistar a personajes importantes en la historia de la banda (como los propios Chris Novoselic y Dave Grohl) por los acosos y amenazas de Courtney Love y el control de los ejecutivos de MTV. Pero entre los que sí aparecen en el documental se encuentra Dylan Carlson, quien era nada más y nada menos que el mejor amigo de Kurt.

Si vieron la película lo recordarán por estar en las nubes mientras –insoportablemente– trata de contestar las preguntas de Bromfield. El tipo está absolutamente pasado, tiene los ojos desorbitados y sus respuestas contienen minutos enteros de silencio. Él fue, por cierto, quien le facilitó el rifle a Kurt.

Si no se pudo entrevistar a los famosos, mucho menos se pudieron utilizar canciones de Nirvana en la película. Por eso Bromfield utiliza tomas de "la banda del mejor amigo de Kurt: Earth". Su música es el fondo del paisaje post-industrial de Seattle, también de Washington (un paisaje descrito mucho más crudamente en la novela –recomendación al margen– Shampoo Planet, de Douglas Coupland, escrita en esos mismos tiempos). Son guitarras que llamar la atención por su distorsión tan controlada, pero especialmente por lo prolongado del sonido.

Mientras la escena en Seattle se caracterizaba por un conjunto de ímpetus adolescentes y/o post adolescentes, gritones y desaforados, Earth sonaba quedo, lento, repetitivo, lánguidamente abrasador. No era algo relacionarla a las bandas grunge locales, sino a fuentes más lejanas, incluso con "música de concierto", como La Monte Young o incluso Steve Reich.

Dylan Carlson, de Earth, en los noventa

Earth creó el drone o drone metal: sonido propio de una región casi inhabitable como la de las ciudades plenamente industriales de Seattle. Después de bandas como Melvins o Nirvana (que también tuvieron canciones experimentales como "Endless nameless" o "Gallons of rubbing alcohol..."), las primeras referencias a Earth son, sin pensarlo mucho, Sunn O))).

Esta banda, lidereada por Stephen O'Malley, tomó su nombre de la marca de amplificadores que utilizaba Earth (Sunn), pues son fieles devotos de la agrupación de Carlson. Sunn O))) combina la idea de prolongar el sonido con otras características mucho más asociadas a la escena del metal: capuchas, humo, oscuridad, y una atmósfera sumamente densa. Me imagino que lo extraordinario de ver en vivo a Sunn O))), a diferencia de escuchar sus grabaciones, es ser parte de su puesta en escena, integrarse a la atmósfera que crean a través no sólo del sonido sino con el vestuario, la luz y los elementos de dark metal y doom.

Será algo equiparable a, no sé, la primera vez que miles de fans con lágrimas en los ojos vimos a Sonic Youth ejecutar improvisaciones de 30 minutos en el circo volador. Más que piezas, lo que nos espera son soundscapes, escenarios larguísimos en los que te olvidas de qué o cuál sonido estás escuchando y terminas metiéndote (casi sin darte cuenta) en esa atmósfera más oscura. Que no te sorprensa que el tiempo empiece a pasar más lentamente. No por nada el New York Times los etiqueta como 'heady metal' .

Las piezas de Sunn O))), además de oscuras y quizá algo tétricas, son también increíblemente abiertas. Es música en la que, por no usar un término todavía más cursi, te puedes 'sumergir' y permanecer horas escuchando atentamente.

Ya, vayan.

Sunn O)))

Si no les gustan los discos de bandas de metal que se pintan de panditas (gracias por el término, Plaqueta), si sólo van a la sala Neza los domingos en las mañanas y a uno que otro concierto de contemporánea en Radar y sólo leen las reseñas de Juan Arturo Brennan, aún así, vayan. Ya saben, siempre termina Radar y siempre hay alguien que dice "futs, se me pasó (inserte nombre de concierto al que no fue), no mames..."

Por si fuera poco, antes de Sunn O))), abre el trío noruego Jazkamer (de quien nos ocuparemos en otro post), cuyo miembro Lasse Marhaug ya ha colaborado antes con la banda –y se espera un palomazo esta vez también–; y aún más, en esta ocasión, Sunn O))) viene con el vocalista de Mayhem, el húngaro Attila Csihar.

Va a ser una noche pero así durísima y pesadísima y no se cuenteén ni se predispongan, vayan y ya. Si les gustaron anteriores conciertos de Radar como Otomo Yoshihide, Thurston Moore, Fantômas, seguro van a buscar con quién platicar de Sunn O))) al día siguiente.

Links de interés:

myspace de Sun O)))

myspace de Earth

Entrevista con Dylan Carlson, líder de Earth

(Sunn O))) en Berlín en el 2006)

SunnO))) / Jazkamer (Estados Unidos, Noruega), Lunario del Auditorio Nacional, Sábado 14 de Marzo del 2009, 22:00 hrs. $250

(Boletos a la venta en las oficinas del Festival de México en el Centro Histórico)

Zu - Mike Patton Quartet.

Definitivamente, lo que más está causando expectativa de Radar, es éste conchertazo. Se nos viene encima Mike Patton, uno de los geniecillos contemporáneos que no paran de hacer música rockstar, guapo y lleno de carisma, imposible parar de escucharlo, lo hemos visto vestido de redneck y con rastas, los redhot lo envidiaron y odiaron a morir, lo escuchamos haciendo ska, tiene todo tipo de proyectos musicales, el tipo no para de hacer música, la gente normal tiene hobbies, mujeres, vacaciones, Mike Patton tiene música, hace música, vive en la música, y en marzo nos trae uno de sus mejores proyectos.
Zu Trio es una bandota, que con batería, sax bajo y ruiditos electrosos, se mueven libremente adentro de atmósferas llenas de un freepunkmetaljazz pegajoso, pesado, negro y divertidísimo. 14 discos de experiencia juntos, 11 años, siempre han incluído músicos para refrescarse y explorar juntos con las inquietudes ajenas. Y una banda como ellos no necesita un vocalista que cante covers de nirvana, necesitan a mi primo hermano y ex novio de mi ex novia, el buen Mike.

Patton y Zu tenían que estar juntos, la fiesta, el derroche y la elegancia del trío italiano se complementa perfecto con la elegancia el poder y los gritos conmovedores de Mike. Si esto fuera poco, el telonero es uno de mis japoneses favoritos Keiji Haino, alguna vez guitarrista de Naked City, la mítica banda de John Zorn que nos partió a todos la cabeza y nos ayudó a reconstruirla. Para los que no tienen ni idea, ésto es lo que traen Zu y Mike:

y probablemente algo derivado de ésto será lo con lo que viene Keiji Haino (es de hace más o menos un año)

Simplemente hermoso. Tendremos en el escenario del Lunario lleno de experiencia, de locura. Compren sus boletos ya, salen mañana a la venta.

Pronto: más babeamiento por Patton, babeamiento extra por Cohen y Ribot, Oren Ambarchi y Gerard Grisey interpretado por mis tíos-hermanos Cort Circuit.

el myspace de Zu trío
para que los escuchen y los vean y así.
enamórense pues.