radar ::: espacio de exploración sonora

Tras un festival memorable, Radar cerró sus actividades ayer

2010-03-22T13:57:00.000-07:00

Ayer, con la quinta y última presentación del proyecto Huey Mecatl en Ciudad Universitaria en un lleno total (al grado que tuvo que abrirse una media presentación extra), Radar clausuró sus actividades dentro del fmx Festival de México. Para todos los que asistimos, Radar fue memorable este año, hubo toda clase de momentos: la abrasión del sonido de Huey Mecatl, la insistencia insana de Tony Conrad y su violín, el taladro sonoro que resultó ser Charles Gayle, el espacio nuevo y abrumador que de repente creo Metamkine, la avalancha de sonidos que quién sabe de dónde provocaron Burkhard Stangl y Angélica Castelló, el vaudeville que resultó la presentación de Wilhelm Bruck y Theodor Ross, la presencia entrañable de Eva Zöllner, las atmósferas electrónicas de Jorge Haro, el performance fuera de control de Fat Mariachi, la brutal contundencia de KK Null y lo simplemente indescriptible que fue Boredoms.

¡Ahora les toca a ustedes, queremos saber qué les pareció; dígannos qué fue lo que más les gustó de Radar, qué evento cumplió o no sus expectativas, qué aspectos sugieren para futuras presentaciones y qué artistas les gustaría ver en Radar 10!

Pero esto no ha terminado del todo. Estén pendientes de este blog, así como del Twitter y el Facebook de Radar para enterarse de posibles actualizaciones (videos, fotografías, noticias). Si subieron videos o fotografías de los conciertos que quieran compartir, manden sus links a este blog.

¡Seguimos en contacto!

No tienes ni idea, en serio, ni siquiera algo cercano a una idea de lo que fue Boredoms en el Lunario

2010-03-21T10:36:00.000-07:00

Que Boredoms, KK Null y Fat Mariachi fue el evento más ansiado de todo Radar no es noticia, incluso que era de los eventos más importantes de todo el Festival de México y que toda la comunidad asidua de la música experimental iba a estar allí o que iba a ser un lleno total, todo eso ya se sabía mucho antes. Pero, simplemente, nadie sabía a ciencia cierta lo que iba a pasar, nadie sabía cómo es que todo lo que se dijo de los artistas que se iban a presentar se iba a materializar en un acto en el escenario, y nadie sabía de la variedad que nos esperaba. La gente que compró su boleto esperó mucho, y no sólo nadie se iba a decepcionar, sino que nadie iba a saber cómo reaccionar ante una descarga tan enorme y tan diversa de propuestas como las que se sucedieron hace unas horas en el Lunario.

En un espacio de menos de cinco metros cuadrados, y con más props e instrumentos que los que podían manejar, Fat Mariachi soltó un performance tan extravagante que parecía que el público nunca se iba a animar a seguirles la corriente. Kai Kraatz, Daniel Lara y Carlos González llegaron, se plantaron en una esquina del escenario y le dieron serenata a aquellos que se atrevieron a acercárseles. Kraatz entró y le pidió a un miembro del público que le ayudara a manipular una especie de caja de ritmos que generaba un ulular sobre el que los mariachis tocaban, pero cuando notó que no tocaba al mismo ritmo que ellos (y luego de reprenderlo diciéndole “¡Hey, tú también!”) se lo dio a alguien más. Daniel Lara hizo gala de todo su armamento de juguetes y cachivaches sacados de la mente de un niño genio hiperactivo, haciendo ruidos con una especie de teclado hecho con Lego y una palanca de maquinitas. Kraatz cambiaba de bajo a guitarra a bajo a guitarra otra vez por tantas veces que nada parecía tenerlo contento. Fue entonces cuando Fat Mariachi decidió cantar una canción en la que escenificaba una trágica historia de amor entre un cerdo y una piña. Así, Kraatz, con máscara de cerdo hecha a mano, le cantaba a una piña de papel como de fiesta infantil, que gritaba y rogaba por el amor del cerdo en una voz en off, al tiempo que, Daniel Lara, con delantal de carnicero, se dedicaba a hacer pedazos a la piña y de paso al cerdo, mientras Carlos González repartía cilantro a manojos para el público, todo esto para llegar al momento cumbre de la noche, en que Lara destruiría también la tabla sobre la que asesinó a la pareja protagonista. Cabe decir que la tabla era una laptop Mac, misma que, una vez hecha pedazos, fue repartida entre el público como si se tratara de una iniciación un culto satánico (¿qué cosa hay más satánica que alguien que destruye una Mac vestido de mariachi con ruido como fondo?). Daniel Lara se lució, por cierto, regalando también el mandil del sacrificio. Posteriormente, una mariachi güera entró para provocar al público, arremetiendo con un poco patriótico “¡Viva México Cabrones!” a un público que palidecía en comparación. Tras cerrar con algo que parecía una balada a gritos, Fat Mariachi, habiendo quemado absolutamente todas sus naves en menos de treinta minutos, se salió del escenario sin llevarse nada, dejando la primera fila hecha un desastre de circuitos, pedazos de piña de papel y cilantro.

Kazuyuki Kishino, también conocido como KK Null, tuvo en sus manos al público durante todo el tiempo que tocó, a quien bombardeó con sonidos sumamente duros, otros más espaciados, loops que marcaban ritmos que encendían al público de golpe. Null desplegó todo su arsenal, absolutamente todo, y cualquier sonido que generaba era seguido con atención por el público. Una cosa a notar de Null es que era muy difícil seguirle la pista, todos los sonidos que procesaba iban y venían y uno tenía que estar al tanto. Ya de por sí es muy difícil seguir con detenimiento un disco de KK Null, pues a su trabajo hay que agregar el refinado proceso de producción, y en este caso las cosas no se hacían más sencillas. Null se presentó como un bloque muy duro y muy sólido imposible traspasar, y uno, desde el nivel del público, tenía que ver cómo este bloque iba pasando por diferentes fases, haciéndose todavía más fuerte. Y mientras Null se engrandecía, se iba haciendo más y más grande, el público veía como este monstruo de la música iba llenando más y más el Lunario con una marejada de sonido perfectamente nítido, que en su limpieza ponía una verdadera prueba de fuego a los asistentes, que no pensaron, con muchos discos y videos que hayan podido ver de KK Null, que esta avalancha de cambios de sonido, ritmos, volumen y gritos pudieran ser tan avasallantes. KK Null nubló el ambiente de todo el Lunario, lo lleno de sonido, lo movió con sonido, hizo flotar y fluir al público, lo paralizó, le inyectó energía a borbotones y luego le obligó a detener el flujo. Así como Null hacía una serie de decisiones tan enérgicas en su presentación, manipulando el sonido, el público era movido por Null al mismo tiempo. Detrás de su mesa, con tan sólo dispositivos electrónicos y un micrófono, Null manejó a todo el Lunario, con algunos movimientos de manos y perillas, y cuando terminó dejó que todo se fuera apagando casi por sí sólo, para así retirarse en medio de una ovación gigantesca, pero lo mejor todavía estaba por venir, y nadie sabía de qué iba a tratarse.

Piensen en los discos de Boredoms que han escuchado, en los videos de Youtube que han visto, con mejor o peor definición de imagen y sonido, piensen en lo que han leído sobre aquellos proyectos un poco más difíciles de absorber vía video o mp3, como el proyecto Boadrum, piensen en la presentación de Yamataka en Radar en el 2008, piensen en todos los rumores que circulan acerca de la dinámica de esta banda en el escenario, piensen en lo que debe ser una presentación de Boredoms a juzgar tan sólo por lo que pueden hacer sus integrantes en solitario, piensen en todas las reseñas de conciertos de Boredoms que han leído en internet, tomen todo lo bueno que saben o han escuchado de ellos, multiplíquenlo todas las veces que crean necesario y no van a estar ni siquiera cerca de lo que fue la experiencia de Boredoms en el Lunario del Auditorio Nacional. Ni siquiera los que estuvimos ahí tenemos mucha idea de lo que realmente ocurrió. Boredoms, una de las bandas más solicitadas de Radar desde que se comenzó a traer artistas de avant-rock (Fantômas, Thurston Moore, Melt Banana), fue una experiencia tan abrumadora, tan físicamente demandante, que incluso escribir al respecto parece fútil. Cuando Yamataka Eye, Yoshimi P-We, Hisham y Butchy salieron al escenario, nadie sospechaba lo que se venía. Empezando con Yamataka tocando las Sevenas, que son un par de guitarras de siete cuellos (una de ellas de Telecaster) que se tocan como instrumentos de percusión, los tres bateristas empezaron un golpeteo brutal, pero quedaba una batería libre, demasiado lejos de la zona de acción de Yamataka como para que fuera suya, fue entonces cuando, por un extremo detrás del Lunario, entró Yojiro Tatekawa, tocando la batería ¡sobre una tarima cargada por cuatro personas!, que dio vueltas entre el público hasta quedar frente a Eye, con quien intercambiaba palabras a gritos mientras tocaba la batería fuerte, rápido, como a zancadas. Entonces, una vez cerca del escenario, Yojiro saltó y se incorporó al círculo de cuatro baterías que seguiría, por no menos de dos horas, las instrucciones de Yamataka, las cuales daba a través de los palos con los que tocaba la sevena (verde para tocar y naranja para marcar cambios), mediante movimientos de las manos, todo el cuerpo. Esto es lo más claro de lo que puede decirse que hizo Boredoms en el escenario durante el enorme rato que tocaron. Dentro de todo eso, quienes se lo hayan perdido (literalmente, perdido), tendrán que usar la imaginación mezclando a cuatro bateristas a los que los adjetivos les quedaron cortos, una serie de gritos, chillidos, canto, coros (tanto de Yamataka como de Yoshimi P-We), guitarrazos, saltos, cambios de ritmo súbitos, mucho procesamiento electrónico de voz y efectos pero sobre todo, una sincronización per-fec-ta, todo esto, repito, por no menos de dos horas. El sonido de Boredoms fue tan perfecto que había momentos, tras horas de estar moviendo la cabeza, el cuello o las piernas, en que uno simplemente se quedaba inmóvil. Tras salir a tocar un encore, su sonido fue mucho más delicado y sutil, en donde las baquetas se cambiaron por unas más suaves, en el que se tocó sobre una base sonora que simulaba lluvia, en el que los platillos apenas se sugerían. En todos los conciertos de avant-rock de Radar en los que he estado, pienso en la gente armándole bronca a Melt Banana, al público convertido en ola cuando Thurston Moore reclamaba a alguien para ser lanzado a la batería de Wiliam Winant, a un coro de fanáticos enloquecidos de Mike Patton y créanme, en serio, créanme, nadie ha armado lo que armó Boredoms hace unas cuantas horas, nadie ha hecho a la gene gritar como gritó, saltar como saltó, emocionarse tantas veces como lo hicieron a través de todas las pausas y cambios de ritmo. En todo este párrafo realmente no he dicho gran cosa, y si hay que resumir la presentación de Boredoms dentro de Radar, con todas las reservas, creo que podría definirse como “algo que, definitivamente, no va a volver a pasar”, y quienes estuvieron allí, lo saben.

Y para la clausura de Radar, Huey Mecatl se presenta por quinta y última vez en Ciudad Universitaria, así que quienes se lo hayan perdido, quienes no hayan podido entrar o simplemente para quienes no se hayan decidido aún, es la última oportunidad de experimentar uno de los proyectos sonoros más serios y ambiciosos que se han podido ver dentro de Radar en últimos años. No se lo pueden perder, si ya se perdieron de todo lo demás no tienen excusa para dejarlo pasar.

Conferencia Huey Mecatl / Domingo 21 de marzo, 12:00 hrs. / Auditorio Gustavo Baz del Antiguo Palacio de Medicina / Entrada Libre

Huey Mecatl / Domingo 21 de marzo, 16:00 hrs. / Zona de Islas, Ciudad Universitaria / Entrada Libre, Cupo Limitado

decisión, ebullición, minimalismo, sinestesia: cuatro horas de electrónica experimental en radar

2010-03-20T12:04:00.000-07:00

Esta noche de Electrónica Experimental de Radar fue, por mucho, la más intensa de las muchas que hemos visto pasar. Pudimos ver proyecciones del tamaño de un muro acompañando sonidos electrónicos, instrumentos pasados por un proceso muy denso, una leyenda convulsionarse con su violín en el escenario y a un trío de franceses generando un espacio completamente nuevo. Duró 4 horas, y no fue fácil soportar tantas experiencias de un solo golpe (algunos sólo se quedaron a tres de las cuatro presentaciones). Una cosa sí es definitiva: el boleto valió cada peso pagado.

En una pantalla gigante (que llegaba hasta el segundo piso del Palacio de Medicina), Jorge Haro presentó una sesión de video y sonidos electrónicos generados al mismo tiempo. Una línea roja al centro de la pantalla se iba deshebrando conforme el sonido iba abriendo espacios más y más grandes, posteriormente veíamos vistas de ciudades (Lisboa, Huelva), formas geométricas que se iban agitando con el sonido. Con la responsabilidad de maniobrar en vivo un sonido que responde al video y viceversa, lo que más llamó la atención de la presentación de Jorge Haro fue cómo, mediante una serie de decisiones, construyó su set de una forma poco usual para un artista tan electrónico como él. Un lugar común para algunos músicos que basan su trabajo en sonidos electrónicos, con o sin video, es que suelen abusar de la naturaleza de estos sonidos y en sus presentaciones los extienden durante horas, nunca hay silencios propiamente dichos porque no están componiendo como tal, sino improvisando a partir de una idea más ligada a las herramientas que usan, de lo que se puede hacer, que a una idea musical, así, en este tipo de artistas solemos escuchar un sonido continuo matizado por varios minutos. En el caso de anoche, mientras Jorge Haro tocaba, si necesitaba detener de tajo lo que estaba sonando y pasar a otra cosa, lo hacía, dejando un gran espacio de silencio entre partes, cediendo lugar para lo que seguía; muchas veces uno podía pensar que había terminado, sólo para verlo regresar a un bloque de sonido totalmente distinto de lo que estaba haciendo. Este tipo de decisiones tan sólidas son raras en la música electrónica, Jorge Haro no trataba de matizar, de hacer que un sonido sonara más interesante, sino que generaba lo que estábamos escuchando allí mismo; uno esperaría de un músico tan fuertemente electrónico un concierto difuso y sutil, pero Jorge Haro presentó un conjunto de decisiones que, de hecho, no necesariamente facilitaban la escucha, sino que la hacía algo más pausado, profundo.

De las cuatro, la presentación de Burkhard Stangl y Angélica Castelló fue, definitivamente, la más espesa y difícil de escuchar. Con guitarras, una flauta de pico de casi dos metros y mucho –pero mucho- procesamiento eléctrico, escuchar a Castelló y Stangl fue como estar dentro de una cacerola que hervía tan lentamente que nadie se dio cuenta de en qué momento todo entró en ebullición. Y lo que más facilitó esta sensación fue lo complicado de descifrar la fuente de toda la avalancha de sonido que provocaron. Aunque eran visibles las guitarras de Stangl y la flauta de Castelló, la variedad de sonidos que generaban a partir de sus instrumentos se multiplicaban a la ene potencia cuando pasaban por pedales, switches y cables. Mientras el sonido iba creciendo como bola de nieve, uno volteaba a ver lo que estaban haciendo y, al no encontrar un referente más o menos claro (uno sólo veía a Stangl, sentado con su guitarra en las piernas manipulando dispositivos en la mesa y a Castelló abrazando su flauta), el sonido, desprovisto de una imagen obvia, se hacía más difícil de sostener. Por un lado, las guitarras de Stangl llegaban a sonar un par de veces, sólo para llegar a los oídos del público como una bruma que nadie sabía en qué momento se volvió tan concentrada; a veces uno podía ver a Stangl actuar rápidamente sobre su guitarra, yendo de un lado a otro de la mesa y uno simplemente no sabía si le estábamos siguiendo el ritmo o si él ya estaba en otra cosa, mucho más adelantado. Aunque quizá lo más complicado de seguir fue a Castelló, quien hacía todo tipo de ademanes sobre su flauta, susurrando sobre ella, envolviéndola con masking tape, tocando su base con un arco de violín, marcando ritmos con la voz, que poco a poco se iban haciendo parte del entramado y se iban perdiendo, sumándose a una experiencia de sonido que, por momentos, se hacía verdaderamente abrumadora, envolvente. Creo que fue de lo más memorable de esta presentación: ver a Angélica Castelló tratar tan sutilmente a su flauta y provocando un alud que nadie se imaginaba. Cuando terminaron, Stangl y Castelló fueron aplaudidos y ovacionados por un público que, simplemente, no supo qué lo golpeó tan fuerte sin que siquiera se diera cuenta.

Tony Conrad, como bien apunta Carlos Prieto Acevedo en el programa de mano, “bien podría ser una institución de la experimentación minimalista norteamericana si no fuera por el hecho de que a sus 70 años de edad continúa desbordando, con la ingobernable potencia de su violín, los límites del espacio, de la audición y de las categorías musicales”. A Conrad le bastó armar un escenario sencillo y modesto para sacudirnos a todos: un foco en el piso como única fuente de iluminación y una manta blanca que cruzaba de extremo a extremo el Palacio de Medicina sobre la que se proyectaba su silueta, con una maleta pequeña en la que seguro cabrían su violín, su pedal y lo que parecía ser un discman con el que reproducía una base sobre la que tocó. Eso era todo lo que esta leyenda de la música de los últimos 40 años necesitó para volver loco a todo el público. Conrad, con pantalón blanco, camiseta y sombrero, prendió su discman (escuchábamos el beep del aparato mientras arreglaba algunos detalles antes de empezar), tomó su violín y comenzó. Conrad prolongaba notas de su violín mientras casi bailaba sobre el escenario, revoloteando sobre el foco que había colocado. Sólo podíamos ver su silueta, sin embargo, por algunos momentos (muy pocos), se podía ver la cara de Conrad, que esbozaba una sonrisa como de poseso, aterradora, mientras hacía los movimientos más extraños al tocar su violín. De repente, se acercaba a su pedalera, la accionaba y trabajaba sobre un loop de violín grabado en el momento, así fue construyendo su presentación por poco más de treinta minutos, con violín en vivo sobre loop sobre una grabación, con movimientos que pondrían nervioso a cualquiera, con un pequeño salto que apenas se alejó del suelo. Conrad, cuando terminó, lo hizo de golpe, apagó su discman, apagó el loop y dejó de tocar. Ante el aplauso y los gritos interminables del público, Tony volvió al escenario y se limitó a decir: “Minimalism, minimalism”. Si se perdieron de esta presentación tan espectacular, se pueden hacer hacer una pequeña idea de lo que vino a hacer Tony Conrad y de por qué se ganó a todo el público, escuchando este mp3 en loop tanto tiempo como puedan.

Todos aquellos que desconfían de las presentaciones de música experimental que utilizan el video o que recurren al trillado pretexto de “explorar la relación entre la imagen en movimiento y el sonido”, vieron (y escucharon) como la Cellule d’Intervention Metamkine vino a cerrarle la boca a todo el mundo. En una oscuridad total, cerca de la medianoche, Metamkine, con Auger, Noetinger y Querel, generaron una atmósfera de la que todos nos enteramos por videos o mp3’s, de la que todos leímos, pero que sin duda ninguno de los asistentes nos esperábamos. Era fácil imaginarse un montón de proyectores diseminados por el patio del Palacio de Medicina, pero la experiencia real de ver estas imágenes en filme de 8 y 16 mm fue gigantesca, desde la textura, el movimiento del proyector. Con una experiencia del tipo que resultó Metamkine resulta irrelevante describir las imágenes que usaron, los sonidos que escuchamos. Si vimos imágenes semi-abstractas (que por momentos recordaban células, mapas, líquidos en vista microscópica, paisajes apenas sugeridos), proyecciones de sombras del público y sus integrantes, refracciones de luz o la mano puesta frente al proyector, eso no importaba. O si la cantidad de sonidos que escuchamos, provenientes de Jérôme Noetinger, sentado en el piso, era infinitamente mayor a la que nos hubiéramos imaginado cuando vimos los aparatos que utilizó: discmans, cassettes, un pequeño teclado análogo, cables; en resumen, dispositivos de procesamiento sonoro absolutamente análogos ( nadie vio una sola computadora durante su presentación), y no obstante, eso tampoco fue lo más relevante; lo increíble, lo verdaderamente sobresaliente de Metamkine era la precisión con la que unían estos dos elementos, sonido y cine, en una idea más que clara de la palabra sinestesia. Focos que parecían estallar, momentos en que todo se iluminaba en el escenario a nivel de suelo, sólo para regresarnos a la oscuridad de repente, sonidos muy muy fuertes, imágenes que se adecuaban al ritmo cambiante del sonido, todo eso mientras las tres proyecciones se sincronizaban. No estamos hablando de adecuar los tiempos de tres videos, no, sino de editar, de entender la construcción de sonido e imagen como una sola cosa, y cuando eso ocurre, y definitivamente ocurrió anoche, no se necesita “sincronizar” tiempos, sino maneras de construcción. Mientras parecía estallar una bocina (literalmente), la imagen parecía incendiarse lentamente, mientras el sonido se iba apagando, la imagen se iba apagando. Cuando terminaron, con un silencio y una oscuridad sepulcral, regresamos a la realidad (con las voces del público y la iluminación del Palacio de Medicina), y pocos lo creímos. Anoche, sin pensarlo mucho, Metamkine construyó todo un escenario distinto, en el que muchos flotaron o se sintieron abrumados, en el que nadie pensó que iba a entrar.

Y hoy en Radar hay jornada no doble, sino triple: Huey Mecatl hace su cuarta aparición en Radar a las 4pm en Ciudad Universitaria, Tony Conrad dará una conferencia en el MUAC y, por fin, para todos los que los han esperado por años, Boredoms, la leyenda del japanoise y la música experimental en todos sus campos, a lado de otra leyenda, KK Null y de Fat Mariachi, los mariachis-performanceros-músicos más extravagantes del festival, se presentan en el Lunario del Auditorio Nacional en la que es, definitivamente, la noche que más expectativa ha causado en Radar. Es ahora o nunca, si van a ir, es hora de buscar boleto de una buena vez, y quienes se queden fuera definitivamente se estarán perdiendo de un concierto memorable, uno de los que definitivamente serán de los más recordados de todo el año. Vayan a ver a mariachis transgénero destrozar el escenario con toda clase de suertes, a un japonés procesando infinidad de sonidos en vivo y a una leyenda de la música japonesa de los últimos años tocando en una alineación por demás particular: cuatro baterías y una guitarra modificada de 7 mangos. Nos vemos todos en el Lunario en la noche!

Huey Mecatl / Sábado 20 de marzo, 16:00 hrs. / Zona de Islas, Ciudad Universitaria / Entrada Libre, Cupo Limitado

Conferencia Tony Conrad / Sábado 20 de marzo, 18:00 hrs. / MUAC / Entrada Libre, Cupo Limitado

Boredoms | KK Null | Fat Mariachi / Sábado 20 de marzo, 20:30 hrs. / Lunario / $400

Eva Zöllner en el Anfiteatro Simón Bolívar

2010-03-19T11:13:00.000-07:00

Se terminó el ciclo Kagel, y lo que más debemos señalar de la entrañable presentación de Eva Zöllner en el Anfiteatro Simón Bolívar es el programa. De nuevo, como en el Ciclo Kagel 1, se trató de un rango muy amplio de piezas. Para empezar, la obra de Kagel. Episoden, Figuren, para acordeón solo, muy probablemente la obra de Kagel que más llamaba la atención, sobre todo por poderla escuchar de manos de Zöllner, fue una pieza que la mayor parte del tiempo podríamos considerar, como bien anota el programa de mano, como una de sus obras puras. A través de momentos bien diferenciados entre sí, Episoden, Figuren se construía como una serie de bloques que, pese a su solidez, se iban entretejiendo entre sí (a veces parecía que la pieza se cortaba y que se iba a terminar ahí, sólo para ser retomada de repente y continuar el fluir de la pieza). Por otro lado, General Bass, para cualquier instrumento bajo y sonidos instrumentales continuos en la versión de acordeón de Eva Zöllner nos presentó al Mauricio Kagel que se tomaba el tiempo de preparar cambios mínimos que, no obstante, cambian radicalmente nuestra concepción del sonido. En su primera versión, Zöllner se sentó con su acordeón detrás de un biombo negro, en donde producía todo tipo de sonidos de viento de los que no podíamos identificar su fuente. Posteriormente, la única diferencia sustancial que mantenía la segunda versión con la primera era la ausencia del biombo y el poder ver a Zöllner manipular todo tipo de juguetes, como armónicas de plástico, flautas, mini saxofones, silbatos, matracas o armónicas miniatura. Esta capa aparentemente fútil e irrelevante, la de poder ver o no al intérprete e identificar las fuentes que producen el sonido, produce, como ya mencioné en posts anteriores, una redimensión de la experiencia musical (y eventualmente sonora).

Cuando Zöllner terminó de tocar la segunda versión de General Bass se me ocurrió algo que, de hecho, ya se había mencionado en la proyección de Ludwig van de boca del propio Kagel: aunque en este ciclo se contó con intérpretes sobresalientes, capaces de llevarse la noche tan sólo con su trabajo en el escenario, mientras aplaudíamos a Zöllner después de General Bass realmente estábamos aplaudiéndole a Kagel. Esto suena burdamente obvio, lo sé (y no se trata en lo absoluto de aminorar el trabajo de Zöllner), sin embargo, creo que lo increíble con Kagel es que todo su trabajo está hecho para que hable sólo, para que el sonido y su caos se muevan por sí solos. El énfasis tan especial e insistente que ponía a la interpretación como una capa que también debía leerse para comprender la pieza, realmente no hacía más que acentuar esta casi independencia del sonido del intérprete; cuando el lego ve a Theodor Ross tirando piedras en una cubeta llena de agua o a Eva Zöllner tocando un saxofón de juguete comprado en Waldo’s, lo primero que uno piensa, erróneamente, es que cualquiera, incluso uno mismo, puede hacerlo. Kagel vulneraba a grados casi ridículos el papel del intérprete. Con Kagel, podemos pensar en el sonido como algo que tiene vida propia. Solemos decir que el intérprete es algo así como el canal a través del cual se mueve el compositor, pero cuando uno escucha, ve y lee sobre las obras de Kagel, uno más bien podría acotar estos filtros y decir que el compositor argentino era el mediador para domar al caos del sonido cotidiano, y que el intérprete, aquel que se comprometía con una obra tan intelectualmente exigente, lo facilitaba al escucha, se comprometía a hacerlo aparecer una vez más. En Ludwig van, Kagel dice que Herbert von Karajan dirige a los músicos, no a la partitura, y creo que ese es el tipo de anotación que solamente Kagel podría haber subrayado, porque era uno de los muy pocos músicos que tenían esa necesidad.

Por otro lado, La Suplicante, de la compositora mexicana Ana Lara, casi se robó la noche. Sin electrónica, objetos, expresiones faciales ni nada de lo que distinguió esta segunda parte del Ciclo Kagel, la pieza de Lara, de movimientos lentos y muy pausados, como una especie de proceso de respiración amplificada, abrió espacios de una manera muy sólida; para ejemplo, recuerden las piezas del segundo concierto del Ciclo Grisey el año pasado, que generaban espacios igual de amplios pero que por su increíble levedad parecían estar al borde del desmoronamiento, como cuando uno estira un hilo y no sabe en qué momento se va a deshacer. Con esta solidez del sonido, en la que creo tuvo mucho que ver el instrumento, la pieza de Ana Lara simplemente nos devolvió a la tierra lentamente. Cosa contraria a la pieza de Gordon Kampe, Das Barcklay Syndrom oder der rote Kreis, en la que episodios contrastantes se movían a ritmos poco predecibles, sólo para separarse más cuando Zöllner pisaba unos objetos en el suelo que emitían chillidos como de juguete de perro. Y es que, el programa en general fue particularmente pausado y meditativo, de manera que la obra de Kampe vino como para volver a generar el caos que la pieza de Lara había controlado por un momento.

Para terminar, Ludwig van, pieza independiente de la película proyectada un día antes, incorporaba pedazos de partituras de Beethoven dobladas y desordenadas, en esta versión con Zöllner en el acordeón, Alexander Bruck en al viola y Juan José Bárcenas en la electrónica. Por momentos, pareciera que reconocemos al ídolo de Bonn, sin embargo, rápidamente se torna un pastiche rebuscado en el que la figura del compositor alemán se va haciendo más y más floja, hasta el grado de caerse (por momentos, escuchamos animales sobre su música). Si bien Ludwig van es independiente de la película del mismo nombre, es difícil no ver los mismos objetivos que Kagel se había propuesto en ella: cuestionar el uso de la música de Beethoven, la pertinencia de la música en el mundo y el condicionamiento de los escuchas.

Y con esto se termina el Ciclo dedicado a Mauricio Kagel y empezamos con las presentaciones de electrónica experimental, avant-rock y proyectos multimedia. Y hoy, a las 20:30 hrs. en el patio de la Antigua Escuela de Medicina tendremos la que, para muchos, es la noche más esperada de todo Radar. Se trata de una noche con cinco músicos que abarcará todos los campos. Por un lado, Jorge Haro y su trabajo completamente electrónico, que incorpora video y un trabajo sumamente cuidadoso de ubicación y procesamiento del sonido (quien dará una conferencia unas horas antes); posteriormente, Angélica Cstelló y Burkhard Stangl, quienes en una sesión de flauta de pico, guitarra eléctrica y procesamiento electrónico darán prueba de por qué son dos de los nombres más mencionados de la escena experimental austriaca. Después, el mítico Tony Conrad, una figura clave para comprender la música experimental estadounidense desde los años sesenta a la fecha, y para terminar, la Cellule d’Intervention Metamkine, un proyecto que ha levantado toda clase de expectativas por su trabajo de edición de filme y sonido en vivo, generando, literalmente, una película nueva en cada emisión. Si no se enteraron de cada uno de los artistas que se presentarán esta noche, den click abajo para más información, videos y mp3’s:

Jorge Haro

Angélica Castelló & Burkhard Stangl

Tony Conrad

Cellule d’Intervention Metamkine

Todavía quedan boletos media hora antes del evento directamente en la Antigua Escuela de Medicina; ¡no se pierdan de una noche que, sin más, prometemos será impresionante y que no dejará indiferente a ninguno de los asistentes! Trabajo totalmente electrónico, improvisación para guitarra, flauta y electrónica, un laboratorio de sonido y posteriormente todo un set de edición y proyección. ¡Nos vemos hoy en la noche!

Conferencia: Jorge Haro y Javier Piñango / Viernes 19 de marzo, 17:00 hrs. / Arteria / Entrada Libre, cupo limitado

Cellule d’Intervention Metamkine | Tony Conrad | Burkhard Stangl & Angélica Castelló | Jorge Haro / Viernes 19 de Marzo, 20:30 hrs. / Patio de la Antigua Escuela de Medicina / $200

Charles Gayle: “Cuando toco, lo hago como si quisiera atravesar el muro. Si el edificio sigue en pie cuando termino, quiere decir que hemos fallado”

2010-03-18T00:35:00.000-07:00

Hoy Radar estuvo increíble. Sonará simplón, pero es muy cierto, y recuerden que hoy tocaba jornada doble: por un lado, la proyección de Ludwig van, la película más importante de Mauricio Kagel, y al finalizar, Charles Gayle en el Teatro de la Ciudad a dos cuadras de allí.

Ludwig van fue increíble, para todos aquellos que no la habíamos visto completa simplemente fue increíble, así. Como todavía pueden hacer algo al respecto si no llegaron (como buscarla en internet o pedirla en Amazon dando click aquí), resumo: en Ludwig van vemos a Beethoven, desde su propia vista, llegando a la estación de tren de Bonn, entrando a una tienda de discos viendo las ediciones de su música, entrando a su casa-museo y pagando su entrada, visitando los cuartos, revisando una bañera llena de bustos de él, entrando a un cuarto plateado, viendo cómo Joseph Beuys se pasea en el patio con un vaciado de su rostro, revisando discos de músicos posteriores a él (entre ellos, un disco de Karl Marx), viendo su imagen en objetos, persiguiendo a músicos en un barco. Hasta la primera mitad, la película parece estar bajo control, sin embargo, poco a poco todo se vuelve un caos gigantesco: vemos al único descendiente de la familia Beethoven clamando autenticidad por su parecido con los bustos de yeso, vemos una reconstrucción de su cráneo y sus costillas, vemos animales, pero eso es lo de menos: la banda sonora, una versión posesa de Beethoven que oscila entre la carcajada y el miedo, suena –y fuerte- durante toda la película. Quizá el momento más interesante de la película es la mesa redonda en la que se discute si con las conmemoraciones se está haciendo daño a Beethoven, si el mundo le debe algo a Beethoven o viceversa, si es posible apreciar su música aun después de un aniversario como ese. Con esta sección de teoría (aparentemente trivial pero muy densa) se revisa a fondo el meollo de toda la película: el uso, pertinente o no, de la música en la sociedad. Mientras vemos las escenas de todo tipo, la música de Beethoven suena ridícula, totalmente fuera de lugar, lo que no es distinto de escuchar toda clase de situaciones acompañadas de música para suavizar esos silencios (ya Erik Satie había denunciado la necesidad de una música hecha específicamente para llenar esos huecos). Beethoven llega a Bonn sólo para encontrar que él es la figura turística y comercial más importante de su ciudad natal. Compositor importantísimo, sí, pero en Bonn, Ludwig van Beethoven no era más que un souvenir, en forma de busto de yeso, de cuchara, de broche, de disco, de monumento, de casa-museo, de cualquier cosa. Lamentablemente, todo esto no sirve de nada si no pudieron ver la película, y por eso corto aquí. Para los que, para variar, no llegaron a tiempo, aún pueden ver fragmentos de Ludwig van y otras películas de Kagel haciendo click aquí.

Pero Charles Gayle…

Michael Wimberly, Charles Gayle y Larry Roland

Charles Gayle, simple y sencillamente, se dedicó a derrumbar, piedra por piedra, el Teatro de la Ciudad. Un sencillo y aparentemente endeble Charles Gayle, acompañados de Gary Roland y Michael Wimberly, entró al escenario y lo agarró a golpes, para delicia del público (que, como siempre, dejó muchos asiento vacios). Empiezo por lo que más recuerdo de todo el concierto: Charles Gayle logra una fluidez en música que simplemente es difícil de encontrar en otros músicos de free jazz. Lo que Gayle hace, sí, como ya habíamos dicho, es monstruosamente áspero, rasposo, sin embargo, Gayle es capaz de ponerle frac y un moño a un sonido tan frenético y hacer que pase por dandy. Aunque su sonido es absolutamente agresivo y difícil de tragar, la naturalidad con la que toca hace que el tiempo pase rápida y elegantemente hasta para aquellos a los que no les gusta el free jazz. Gayle, en su saxofón, tocó rápida y arrebatadamente, terminando cada pieza como si de repente se les hubiera dado la gana dejar de tocar y entrar en otra cosa, así, de golpe, en seco. Y aunque Gayle le robó el corazón a todos sin excepción, el público se encontró con un Larry Roland tocando el contrabajo a veces casi con guantes y otras veces completamente desenfrenado y con un Michael Wimberly imponente, brutal, pesado, hosco, maravilloso en la batería. Cuando uno se sentía avasallado por el sonido que provenía del escenario, uno podía dedicarse simplemente a ver a Gayle tocar y no era menos impresionante: con sus más de 70 años, Gayle tocaba frente al micrófono a veces, otras alejándose, a veces totalmente inmóvil, otras subiendo y bajando, caminando por todo el escenario, como inspeccionando la construcción de algo, sin soltar para nada su saxofón, caminando muy lentamente. Tuvo que pasar casi una hora para que tomara el micrófono y nos hablara. Aunque esto sonará sumamente cursi, en la voz de Gayle uno notaba, de inmediato, un amor por lo que hacía del tamaño de todo el teatro (Gayle, a la fecha, todavía sale de repente a tocar a la calle). Hablaba entrecortadamente, con pausas, como si no supiera que todos estábamos entendiendo de lo que hablaba. Disfrutaba de estar aquí. Pero eso no es todo: un músico puede regresar al escenario y tocar un encore y dar por terminado su show, sin embargo, los encores de Gayle, para ser exactos los dos encores de Gayle, duraron una eternidad. El concierto estaba programado para durar ochenta o noventa minutos, y salimos a las dos horas, aún aplaudiendo para que se animara a salir una vez más: “No sé si vayamos a tocar otra, sólo sabemos tocar cinco canciones, no nos sabemos más”. Por momentos, incluso parecía que Roland y Wimberly estaban más cansados que el propio Gayle. Y lo mejor de los encores es que, como todo jazzista que toca un encore, Gayle aparentemente se limitaría a tocar un standard, Giant steps, sin embargo, en menos de lo que uno esperaría, las melodías reconocibles empezaban a dar vueltas y se transformaban en cualquier otra cosa, hasta que nadie recordaba cómo empezó. Como todas las sesiones de improvisación de Radar, esta fue memorable, emotiva y monumental al mismo tiempo (recuerden años anteriores). Y, como siempre terminamos diciendo, se lo perdieron.

Pero bueno…

Pero hoy jueves es la última parte del ciclo dedicado a Mauricio Kagel, el concierto de la acordeonista alemana Eva Zöllner, en el que interpretará piezas de Mauricio Kagel, Rodrigo Sigal, Ana Lara y Gordon Kampe. El concierto del domingo fue espectacular, así, fuera de todo lo que esperábamos, y muchos se lo perdieron. No se vayan a perder de la última oportunidad de escuchar piezas de un compositor poco programado por estas geografías, y en manos de una intérprete excepcional en el Anfiteatro Simón Bolívar. Aún quedan boletos a la venta media hora antes del evento, ¡nos vemos allá!

Para ver el post de Eva Zöllner, con información, videos y mp3’s, den click aquí.

¡Ah, y no olviden, para los que se quedaron fuera, que la tercera presentación de Huey Mecatl será este jueves a las 2 de la tarde en Ciudad Universitaria!

Huey Mecatl / Jueves 18 de Marzo, 14:00 Hrs. / Zona de Islas, Ciudad Universitaria / Entrada Libre, Cupo aproximado de 250 Personas

Ciclo Kagel 2: Eva Zöllner / Jueves 18 de marzo, 20:30 Hrs. / Anfiteatro Simón Bolívar / $150

Con un concierto como el de Wilhelm Bruck y Theodor Ross muchos pensamos que Radar ya había terminado y eso que apenas está comenzando

2010-03-14T21:30:00.000-07:00

Ok, es muy simple: si no asistieron hoy al primer concierto del ciclo Kagel en el anfiteatro Simón Bolívar, entonces lo echaron todo a perder y ya se les fue un recital que valió por lo menos la mitad de todo Radar. En serio, el concierto de hoy fue simplemente increíble, Wilhelm Bruck y Theodor Ross (con Alexander Bruck como músico invitado en las piezas de Kagel) desarrollaron un programa que, sin exagerar, fue uno de los más sólidos y completos de todos los recitales que ha habido en Radar (que en lo particular me recordó el de Christopher Redgate en 2005, que incluía obras de Stockhausen, Baca Lobera, Holliger y también Kagel). Quiero empezar precisamente por ahí: una de las cosas que más me llamaba la atención antes del concierto era el programa, todas las piezas resultaban sumamente atractivas. Primero: poder ver una obra para guitarra de Scelsi (a quien se le dedicó uno de los ciclos más intensos de todo Radar hace unos años) ya prometía y mucho. Segundo: el interés por escuchar Salut für Caudwell de Helmut Lachenmann no sólo radicaba en que se trata de una pieza monumental, una de las más importantes para guitarra del siglo XX, sino que la grabación de Bruck y Ross, sus dedicatarios, ha recibido cantidad de reconocimientos; con esto, no se trataba de escuchar una pieza interesante interpretada por dos grandes ejecutantes, sino de la única y mejor interpretación que se podía obtener de esa obra. Y lo mismo podía decirse de las piezas de Mauricio Kagel, con quien los guitarristas trabajaron de cerca y a quienes dedicó varias de sus obras. Todas y cada una de las piezas ya eran pretexto suficiente para asistir.

La pieza de Giacinto Scelsi, Ko-Tha (I & II), ejecutada por Wilhelm Bruck, utilizaba a la guitarra como instrumento de percusión. Lo más increíble de esta pieza es que a pesar de tratarse de un instrumento remoto en Scelsi (o precisamente por) y de ser interpretado como fue, mantenía los elementos más característicos del compositor italiano. Las disonancias, lo intenso de alternar momentos en que se sostienen sonidos casi sordos con una insistencia extraña (con esa terquedad constante que por momentos pareciera ceder sólo para regresar con más obstinación) con otros más dispersos y violentos, todo eso estaba en Ko-Tha. Uno podía preguntarse cómo se resolvería una pieza de Scelsi en un instrumento como la guitarra, y la respuesta fue un Wilhelm Bruck que, al verlo interpretar, parecía como si pasara por las cuerdas sólo de paso, en un momento sobrante entre golpe y golpe a la madera, pero en un estado de concentración como el que todas las piezas de Scelsi exigen.

Wilhelm Bruck interpretando Salut für Caudwell, de Helmut Lachenmann

Salut für Caudwell de Lachenmann representaba uno de los momentos más intensos de todo el programa. La pieza, que incorpora elementos no musicales de la interpretación de la guitarra mezclados con la lectura de fragmentos de un texto reducido a fonemas, abarca todo el rango imaginable para tocar una guitarra. No se trataba de utilizarla como medio de percusión precisamente, pero la pieza sí pasaba por partes tan delicadas que lo más con lo que uno se quedaba era con el rasgueo en todas las direcciones de las cuerdas, un ritmo tan fuera de lugar que hacía pensar en una pieza por momentos más bien percusiva. Siendo la única pieza a dos guitarras del programa, está de más hablar de lo que implica ver a los dos guitarristas al mismo tiempo. Más que recurrir al lugar común de la expresión diálogo entre músicos, al ver a Bruck y Ross ejecutando a Lachenmann uno más bien pensaba que se interrumpían con tanta precisión que ese ritmo complicado era lo que forjaba el flujo de la pieza. La pieza no permitió bajar la guardia ni un segundo, y en esta firmeza uno notaba a Salut für Caudwell como lo que era: un bloque tan sólido que requería pasar detenidamente por él para ir más allá de lo musical y entrar justo en el campo en el que Bruck y Ross se movían. Lo más increíble de este tipo de piezas (y esto aplica por igual a las de Kagel) es que a través de ellas uno logra entender y escuchar cosas que rebasan lo estético y lo musical y se insertan más en el territorio de lo artístico, y esto quedaría perfectamente ilustrado en la segunda parte del recital.

Mauricio Kagel tiene un enorme don para pensar en términos musicales elementos extramusicales

Karl H. Wörner, Stockhausen Life and Work, 1963

Wilhelm Bruck, Theodor Ross y Alexander Bruck interpretando Montage, de Mauricio Kagel

Sobre la interpretación de Soli aus exotica y Montage de Mauricio Kagel no hay mucho que decir salvo describir lo que pasó sobre el escenario. Piensen en cualquier cosa que pueda hacerse sobre un escenario para obtener sonido de alguna forma y Wilhelm Bruck, Theodor Ross y Alexander Bruck las hicieron todas. Soli aus exotica, escrita para instrumentos no occidentales, trajo al escenario todo tipo de instrumentos del mundo, sin embargo la tarde la hizo la ejecución de Montage: durante más de media hora sobre el escenario cayeron piedras, se pasaron maderas de mano a mano y después se lanzaron a un cajón (y las que no entraron fueron observadas hasta que se detuvieron completamente), se frotaron, inflaron y desinflaron globos, se golpearon bancos con sandalias de madera, se frotó un palo con guantes de cuero sobre un cajón de madera, se talló una partitura con la rotación de un motor, se habló a través de papel, se tocó un peine, se amplificó el sonido de un disco con una punta pegada a un cono de papel, se tocó una especie de perchero o rack con un arco de cello, se tocó un pandero con canicas, se tocó un acetato con un cepillo de metal, se golpearon tablas asidas a la mesa con prensas, se tiraron piedras a una cubeta de aluminio con agua, se giraron pajaritos amarrados a un palo, se tocó una guitarra con la hélice de un motor, se soplaron mangueras como gaitas, se giró una madera que generó sonido al rotar en el aire, se estiró un resorte con una lata, se tocó un clarinete. Ya desde que notamos todos los props al entrar al Anfiteatro Simón Bolívar sabíamos lo que se vendría. Bajo las indicaciones de la pieza de Kagel, Wilhelm Bruck y Theodor Ross montaron todo un laboratorio sobre el escenario que, con objetos ridículamente simples, nos abrieron los oídos y la cabeza al mostrarnos tantas maneras de producir sonido. Aunque de hecho, el sonido tenía que compartir créditos con el proceso que los generaba. En Kagel, los objetos y su uso sobre el escenario son igualmente importantes y deben ser leídos y escuchados como partes de un mismo resultado.

El ciclo dedicado este año a Mauricio Kagel apenas empieza, y continúa el próximo miércoles con la proyección de Ludwig van en Arteria. Al grano: por ningún motivo pueden perderse de Ludwig van. Si quieren, pueden olvidar que se trata de una faceta igualmente importante de la obra de Kagel, incluso se puede dejar de lado su escenografía o su reparto tan ecléctico (que incluye a gente como Robert Filliou, Joseph Beuys o Dieter Roth), pero, como tal, sea o no la película más importante de Mauricio Kagel, Ludwig van es un coctel increíblemente extravagante. Todos los interesados en el cine, la música o el arte que asistan se encontrarán con una obra absolutamente radical y novedosa que no dejará indiferente a nadie. Ya es difícil encontrar, en los lugares de costumbre, proyecciones de videoarte o de cine experimental de cualquier tipo, y la oportunidad de ver la película más significativa de un autor tan genial como lo fue Mauricio Kagel debe ser motivo suficiente para asistir.

Para ver fragmentos de Ludwig van y otros videos y filmes de Mauricio Kagel, click aquí.

Y eso no es todo para el miércoles: ¡toca la presentación del trio de Charles Gayle en el Teatro de la Ciudad! Sobre Gayle no diremos ya gran cosa, desde que se anunció su visita a la Ciudad de México en Radar la expectativa que se ha generado para los incondicionales de Radar o los devotos del free jazz ha sido inmensa. Sin embargo, sí es importante repetir lo mismo de cada año: las sesiones de improvisación y free jazz de Radar en el Teatro de la Ciudad siempre son de lo más memorable y desconcertantes (léase Bennink, Braxton, Frith o Lauren Newton), y en todas esas ocasiones muchos indecisos se quedan fuera por mera incertidumbre y se pierden de la oportunidad de ver a artistas raramente programados en México. Aún quedan boletos para ver a Charles Gayle en el Teatro de la Ciudad, no lo piensen más y vayan todos el miércoles.

Para quienes no se enteraron, lean más sobre Gayle, además de mp3’s y videos dando click aquí.

¡Y no olviden, para los que se quedaron fuera, que la segunda presentación de Huey Mecatl será el próximo martes a las 3 de la tarde!

Ciclo Kagel 3, Ludwig van / Miércoles 17 de Marzo, 18:00 Hrs. / Arteria / Entrada Libre, Cupo Limitado

Charles Gayle Trio / Miércoles 17 de marzo 2010, 20:30 Hrs. / Teatro de la Ciudad / $250, $200, $150, $100

Huey Mecatl / Martes 16 de Marzo, 15:00 Hrs. / Zona de Islas, Ciudad Universitaria / Entrada Libre, Cupo aproximado de 250 Personas

Huey Mecatl inauguró Radar en un concierto monumental pero íntimo, delicado pero también lleno de golpeteos y martilleos

2010-03-12T23:56:00.000-08:00

Huey Mecatl abrió la novena edición de Radar hace unas horas en Ciudad Universitaria con una presentación tan fuerte, en serio, tan tan fuerte, que ya queremos que sea la siguiente. Primero, hay que anotar el enorme poder de convocatoria de esta pieza, se formó una cola kilométrica, de la que tal vez habrá pasado menos de la mitad (desde el jardín de la Facultad de Medicina hasta un costado de la Torre de Humanidades), la cantidad de gente que asistió, entre asiduos de Radar y curiosos que salían de clases, fue gigantesca, pocos eventos de Radar y de todo el Festival de México han generado tanta expectativa como este; por sus dimensiones, cierto, y también por que se trataba de un evento necesariamente de entrada libre. Pero calma, para los que no pudieron entrar o llegar, aún habrá otras presentaciones en la semana.

Ok, ¿qué fue Huey Mecatl? Se trató de una instalación de 10 contenedores dispuestos en dos pentágonos. El piso de abajo, con agujeros de casi dos metros de diámetro, servía como caja de resonancia, y el de arriba, como campo de acción donde se tensaban las cuerdas y estaban los 10 intérpretes, además de una soprano y un director extraordinario al centro de la pieza. En cada contenedor había una cuerda tensada de extremo a extremo, un intérprete frotaba la cuerda y el otro la tensaba en cierto punto para generar el sonido necesario. Se valió de todo tipo de recursos: cuerda frotada, pulsada, golpes directos al contenedor, martilleos, saltos, incluso voz. Todos estos recursos le agregaban varias capas a la pieza, hacían de la experiencia algo mucho más amplio de lo que pudiera parecer. Por ejemplo, el director al centro hace todo tipo de indicaciones, pero uno difícilmente las relaciona con lo que ve y escucha. Las piezas escritas para el Huey Mecatl son tan leves y tan profundas, tan concienzudas, que a uno le cuesta trabajo hacerse a la idea de todas estas capas, de cómo van construyendo la pieza, ¿recuerdan lo que decíamos en el post de Huey Mecatl, de que a pesar de tratarse de una pieza tan impresionante sus dimensiones no eran un factor gratuito sino que venían como una alternativa a una investigación sonora muy seria? Bueno, con todo y lo tremendamente lúdico que es, uno se da cuenta de hacia dónde va esta investigación desde el principio.

Un gran –pero gran- punto a recalcar del concierto de hace unas horas es que el público ahora sí se comportó a la altura. Quienes hayan ido a Les Percussions de Estrasbourg el año pasado recordarán que la gente de plano se puso a hablar por celular o que sacaron a pasear al niño en domingo (o un pequeño grupo en la entrada trató de dar portazo). La gente entró, los que no pudieron se quedaron afuera a ver el concierto por las proyecciones de video que se colocaron, nada de gritos ni desajustes., bien por eso.

Una cosa increíble de Huey Mecatl es que pasó por muchas cosas, se trata de un espectáculo que pudo convencer a muchos públicos. Por momentos uno escuchaba una marejada de cuerdas por todos lados, martilleos, pasos sobre la lámina, golpes con palos sobre el contenedor, sonidos que se iban agudizando poco a poco, en una cosa completamente (y aparentemente) lúdica, experimental, pero en otros la coordinación de las cuerdas en los contenedores y los tiempos te hacían olvidar que te encontrabas en medio de toda esta instalación monumental y que estabas escuchando una obra para cuerdas como cualquier otra. Huey Mecatl pasó de momentos de percusión totalmente caóticos a momentos de sonidos continuos a otros más musicales. Y no hemos hablado de la experiencia de estar dentro de la instalación. A diferencia de, por ejemplo, el concierto de Las Percusiones de Estrasburgo, el sonido no iba rodeando al espectador, como en 5.1 aquella vez, no: aquí lo envolvía, uno simplemente se sentía dentro de él, si uno giraba la cabeza era para identificar las fuentes, pero el sonido simplemente estaba en todas partes. Entre el metal que transmitía el sonido, la piedra del piso, la noche y el estar sentados a la altura de las cajas de resonancia, la experiencia fue completamente inmersiva.

Huey Mecatl se presentará otras cuatro veces en el transcurso de la semana. Si no pudieron asistir, no vayan a perderse de una experiencia como esta. Lleguen por lo menos una hora antes, piensen que aparte del público interesado de rigor hay que competir con todos los estudiantes que van a entrar. El cupo aproximado es de 250 personas dentro de la pieza. Se puede visitar la instalación aparte de los conciertos: impresos sobre los contenedores, hay mucha información sobre el proceso de construcción y las ideas de las que parte el Huey Mecatl.

Radar 9

Huey Mecatl
México

Zona de islas, ciudad universitaria (entre la Facultad de Medicina y la Torre de Humanidades, Metro Copilco)

Martes 16 marzo, 15:00 hrs.
Jueves 18 marzo, 14:00 hrs.
Sábado 20 de marzo, 16:00 hrs.
Domingo 21 marzo, 16:00 hrs.

ENTRADA LIBRE CUPO LIMITADO

Y mientras tanto, no olviden que este domingo 14 de Marzo inicia el Ciclo que Radar dedica al compositor argentino Mauricio Kagel con el concierto del dúo de guitarras de Wilhelm Bruck y Theodor Ross en el Anfiteatro Simón Bolívar. Se trata no sólo de dos músicos estupendos, sino de dos de los artistas que más se vincularon con Kagel en la elaboración y ejecución de su trabajo, además del enorme atractivo de poder ver en vivo una obra de Scelsi para guitarras y la ejecución de la colosal Salut für Caudwell de Helmut Lachenmann, interpretarán piezas como Soli aus exotica y Montage. Si todavía no se deciden, ya no lo piensen más. Aún quedan boletos y abonos Radar en las oficinas del Festival. Nos vemos en el Ciclo Kagel 1.

Para los que sigan indecisos, pueden consultar información, videos y mp3’s del primer ciclo de Kagel dando click aquí.

Ciclo Kagel 1: Dúo Bruck & Ross / Domingo 14 de Marzo, 13:00 hrs. / Anfiteatro Simón Bolívar / $150

¡Hoy empieza Radar con Huey Mecatl en CU!

2010-03-12T10:00:00.000-08:00

¡Por fin! Después de una larga espera, Radar, el Espacio de Exploración Sonora del Festival de México, inicia sus actividades con la presentación de Huey Mecatl en la zona de islas de Ciudad Universitaria hoy a las 20:30 hrs. Si están leyendo esto aún están a tiempo de organizarse e ir a uno de los eventos que más expectativa han generado no sólo de Radar, sino de todo el Festival de México. La entrada es libre. ¡Nos vemos todos en Ciudad Universitaria!

Si no se enteraron de qué es Huey Mecatl, entérense dando click aquí.

Huey Mecatl
México

Zona de Islas, Ciudad Universitaria
Metrobús Doctor Gálvez, Metro Copilco

Viernes 12 de marzo, 20:30 hrs.
Sábado 20 de marzo, 16:00 hrs.

ENTRADA LIBRE, CUPO LIMITADO

por fin: Boredoms en Radar

2010-03-09T08:31:00.000-08:00

Para nadie es noticia que desde la década pasada la cartelera de conciertos en la Ciudad de México no sólo ha aumentado exponencialmente, sino que ha cambiado verdaderamente de raíz hasta el grado de poder ver en vivo a artistas que durante la década de los 90 o antes se antojaba mucho muy difícil de ver. Los nombres de músicos y bandas que han pasado por el Distrito Federal (la mayoría de ellos por primera vez) son demasiados, pero quizá se pueda resumir este cambio en la cartelera con un par: por un lado bandas como Pearl Jam y Radiohead, que fueron esperadas por miles de fans durante mucho tiempo, generando una expectativa enorme y llenando foros gigantescos; por otro lado, Sonic Youth (con una alineación que todavía incluía a Jim O’Rourke), una banda que a pesar de haber jugado un papel sumamente importante no sólo en la historia del rock sino de la música en general y que nadie pensó que llegaría a ver por aquí, tocó por primera vez en 2004, en un escenario más bien modesto y ante un público afortunado. Este concierto fue, para el tipo de música que nos concierne, quizá aun más significativo, ya que se trataba de una banda que pese a su importancia resultaba difícil ver, pues no representaba la taquilla monumental que otras bandas aportaban para los organizadores de eventos en México. Quienes asistimos esa noche del 21 de octubre del 2004 al Circo Volador, recordamos bien cuando Thurston Moore abrió el concierto con un increíblemente emotivo: Thanks for waiting us for 23 years. Hoy, algunos años después, es posible que se dé un momento muy –pero muy- parecido en el Lunario del Auditorio Nacional.

Boredoms

Boredoms se presenta -por fin- por primera vez en México dentro de Radar, y se trata de un momento importante dentro del Festival: éste ha sido uno de los conciertos más solicitados por todos sus asistentes incondicionales y melómanos en general. Una de las constantes del festival es la afluencia de japoneses en cada una de sus emisiones (originalmente en las jornadas de Decibel), y es cierto también que ya Radar ha logrado traer a otras leyendas japonesas (Otomo Yoshihide y Keiji Haino por ejemplo), sin embargo, Boredoms es un punto y aparte, se trata de una de las bandas japonesas más importantes y que mayor influencia ha tenido internacionalmente. Una infinitud de proyectos se han desarrollado a partir de todos los integrantes que han pasado por sus filas, y sus álbumes han probado el éxito en todos los campos por los que han pasado: desde el underground más duro de sus comienzos (con ep’s y discos como Anal by Anal u Osorezan no Stooges Kyo), el mercado estadounidense y el ‘alternativo’ (Chocolate Synthesizer o Pop Tatari) y más recientemente, el de la música electrónica, minimal y ‘tribal’ (Vision Creation Newsun, Super Ae). Pero, con todo y el cuidadosísimo trabajo de edición de sus discos de estudio, la experiencia de ver en vivo a Boredoms siempre ha supuesto la parte más interesante de su trabajo, pues no sólo su música es demandante para casi cualquier escucha, sino que desde el principio su presencia en el escenario suele bordear algo muy cercano al performance y danza, principalmente por su integrante más conocido, Yamantaka Eye, lo más cercano que tiene la banda a un frontman y cuyo repertorio incluye una amplia variedad de gritos, chillidos, efectos electrónicos y saltos de varios metros de altura. Para muestra, recuerden el proyecto de Yamantaka & Taeji Sawai, AEO, presentado en Radar 2008, que mezclaba dispositivos lumínico/electrónicos, el movimiento del cuerpo y momentos de gritos verdaderamente sordos alternados por susurros.

Yamantaka en pleno vuelo

A este respecto, uno de los proyectos previos más citados para comprender de dónde viene buena parte del estilo performático de Boredoms es Hanatarash, de 1985, banda de Yamantaka que se hizo legendaria (o infame) por sus presentaciones tipo Dadá llenas de performance y ruido en las que a menudo destruían todo en el escenario, sin importarles en lo absoluto la seguridad del público. Para una muestra bastante amplia, click abajo:

Mp3: Hanatarash / Hanatarashi, 1985 (8 tracks)

Originarios de Osaka alrededor de 1986, Boredoms empieza como una banda de punk rock bastante ruidoso y violento; acercándose a finales de los 80, con una alineación un poco más estable (que ya incluía a una de sus integrantes más longevas, Yoshimi P-We), este sonido se va volviendo más y más disonante, lo suficiente como para empezar a marcar distancias e irritar a la crítica local, que lo califica como gratuito y nihilista.

Mp3: B for Boredoms, del disco Chocolate Synthesizer, una muestra del sonido de Boredoms a principios y mediados de los noventa

Importante para este periodo es el álbum Soul DIscharge, con cambios de ritmo abruptos, canciones totalmente fragmentarias, momentos burlones y vocalizaciones fuera de lugar casi todo el tiempo. Este disco, que fue la carta de presentación de Boredoms en Estados Unidos, fue el inicio de una popularidad que los llevó a tocar a lado de Sonic Youth o Nirvana, y a Yamantaka a colaborar en Naked City de John Zorn. El sonido de esta época de Boredoms (que abarca el Soul Discharge, además del Chocolate Synthesizer y Pop Tatari) no cede ni un poco, y sigue siendo desconcertante y difícil, aunque con una gran aceptación del público; es, además de arriesgado y abrasivo, sumamente voluble: en un momento puedes escuchar tracks llenos de distorsión y gritos y en otros puede parecer que estás escuchando una canción más o menos cercana a algo parecido al rock, pero en cualquier momento se desata una capa muy densa de efectos y cambios en el ritmo que hace que en un par de segundos te olvides lo que estabas escuchando y tengas que aceptar lo que estás oyendo tal como viene. Esta es una característica importante del Boredoms de esta época: los discos pueden llegar a ser complicados para el escucha no tanto por todos los elementos “no-comerciales” que incluyen (los gritos y la distorsión que tanto menciono), sino porque la composición misma es sumamente inflexible y poco complaciente, no te permite esperar nada, uno tiene que dejarse introducir en una corriente muy espesa de sonido y sobre todo de tiempos. Aunque en un nivel distinto, podemos comparar esta escucha con las Sonatas and interludes for prepared piano de John Cage: uno puede pensar que lo más complicado de ellas es la alteración del sonido, el que las teclas del piano no suenen como suelen sonar y que uno tenga, durante más o menos una hora, que ‘acostumbrarse’ a este sonido nuevo, sin embargo, lo verdaderamente difícil de las sonatas son sus tiempos. Predecir una línea o una frase dentro de la música se torna muy complicado, existe un interés en el silencio y el tiempo sumamente personal o, por decirlo de una manera más llana, que es más difícil seguir el ritmo. De la misma manera, desde el principio la composición de Boredoms ha estado alejada del rock o punk típico; la idea de narrativa, tan poco complicada en el rock en general, en Boredoms está viciada y es muy maliciosa. Esto es quizá lo que puede distinguir a una banda de punk-noise caótico de una banda como Boredoms, tienen esa manera de entender la música tan particular de muchos músicos japoneses.

Mp3: Heart, de Vision Creation Newsun

Hacia finales de los noventa, con discos como Super Ae y Vision Creation Newsun, el sonido de Boredoms se empieza a mover lentamente del rock ruidoso y sin sentido a una amalgama de electrónica, soundscapes, psicodelia, sintetizadores, percusiones y un trabajo de post-producción aun más pesado.

Mp3: Super Are y Super Shine, del álbum Super Ae

Estos dos discos fueron alabados por la crítica como joyas del avantgarde y son una buena manera de entrar a lo que hace Boredoms hoy día:

Mp3: Relerer (Del disco Live at Sunflancisco, 2007) (un ejemplo de lo que hace actualmente Boredoms)

Recientemente, el sonido de Boredoms se ha centrado en piezas interminables para percusión que incluso han sido etiquetadas como tribales. Uno de los discos más significativos de esta etapa es Seadrum/House of Sun de 2004, en primer lugar porque significó el regreso de Boredoms a los estudios después de 4 años, y en segundo porque aunque no obtuvo la atención de sus discos anteriores, recibió críticas muy positivas. Seadrum/House of Sun consta de dos piezas de alrededor de 23 minutos, la primera de ellas, Seadrum, es una pieza para percusiones acompañadas de vocalizaciones y arreglos para piano. Lo interesante de la pieza es que corre el rumor que las baterías fueron grabadas en la playa, con la marea subiendo poco a poco, modificando así su sonido. La segunda, House of Sun es una pieza marcadamente oriental y densa. Quizá es una mezcla entre estas dos piezas lo que caracteriza más el sonido actual de la banda: lo tribal de las percusiones en Seadrum y este aspecto aparentemente espiritual o de trance de House of Sun.

Mp3: Seadrum, del disco Seadrum/House of Sun del 2004

77 Boadrum, NY, 7-Julio-2007

Quizá el punto culminante de esta etapa de Boredoms centrada en la percusión sea la serie de conciertos Boadrum. El 7 de Julio del 2007 en Brooklyn Bridge Park, en Nueva York, se presentaron con un ensamble de 77 bateristas dispuestos en una formación de espiral, con Boredoms en el centro dirigiendo las acciones. Posteriormente, el 8 de Agosto del 2008 se repitió, esta vez de manera simultánea en Los Ángeles y Nueva York.

Fragmentos en video y mp3 de Boadrum 77

Una guitarra modificada, parte del equipo que Boredoms traerá a México

Mp3: Jungle Taitei, del sampler de la serie Super Roots

Para terminar el post, hay un punto interesante a destacar en esta etapa percusiva de Boredoms: siempre será muy interesante ver a una banda que hace el tipo de música que hacen en vivo, por el nivel de concentración y el estado mental al que se puede llegar, pero, aunado a eso, ver a Boredoms en trance no es sólo ver a un grupo de músicos haciendo su trabajo, sino que transforman este trance en un acto performático (por usar una palabra más o menos adecuada). Un ejemplo a la mano: quienes asistieron a la presentación de Thurston Moore, William Winant y Tom Surgal en Radar 5 recordarán que los 90 minutos que duró el concierto Thurston los pasó con los ojos cerrados. Aunque fue impresionante ver a este sujeto de casi dos metros destrozando su guitarra (y provocando un caos en el escenario hacia el final, usando a camarógrafo y público para seguir tocando), el papel de Thurston sobre el escenario se limitaba a verlo hacer su trabajo de afuera hacia adentro, literalmente metido en lo que hacía. Un ejemplo diametralmente opuesto -pero igual de intenso- fue Daniel Menche el año pasado en el Palacio de Medicina, que a partir de un estado casi de meditación dejó todo sobre la mesa en la que se subió. Puede parecer irrelevante hacer este comentario, sin embargo el ‘trance’ de Boredoms es definitivamente de otro tipo, de adentro hacia fuera, que mueve -más que transformar- estos arrestos hacia un acto que no deja indiferente a nadie: ni a los fanáticos de una de las bandas de rock más importantes e influyentes en la historia, ni a los que irán al concierto por el aspecto experimental de su música, ni a los que aprecian el aspecto escénico de verlos o a quien asista por la mera curiosidad. Boredoms puede conjuntar la concentración extrema de una interpretación mucho muy intensa con un despliegue físico sorprendente. Eso sin repetir con lo que comencé: la noche del 20 de marzo del 2010 en el Lunario del Auditorio Nacional, cuando Boredoms se suba al escenario no sólo será una de las más emotivas en toda la historia de Radar, sino que definitivamente será el primer gran concierto de la década que apenas comienza

Boredoms en Verona, Italia, 2007

Más videos: Boredoms en vivo en Verona 2007, en Philadelphia 2006 y en Terminal 5 Nueva York y ATP en New York, 2009

Boredoms -Fat Mariachi –KK Null / Sábado 20 de Marzo 2010, 20:30 hrs. / Lunario del Auditorio Nacional / $400

sin mayor presentación, damas y caballeros: KK NULL en Radar

2010-03-06T10:07:00.000-08:00

Como si no fuera suficiente con la presencia de Boredoms dentro de su novena edición, el festival Radar se ha encargado de traer a otra figura que ayudó a forjar lo que entendemos como Japanoise y la escena de música experimental de los últimos 25 años. Sin más presentación, señoras y señores: KK NULL

KK Null

Originario de Tokyo, Japón, Kazuyuki Kishino, mejor conocido como KK Null, inició su carrera en los años ochenta en bandas de ‘progresivo duro’ como Ybo2, Absolute Null Punkt o su proyecto más conocido, Zeni Geva. Null es un músico multi-instrumentalista (su repertorio de instrumentos incluyen guitarra, electrónica, batería y voz), que además de tener una discografía abarca más de 100 producciones, se ha dedicado a producir álbumes para otros artistas. Por este lado, las colaboraciones de KK Null con otros artistas no sólo son numerosas, sino que incluyen a algunos de los nombres más influyentes que se puedan imaginar: Boredoms, John Zorn, Otomo Yoshihide, Fred Frith, Keiji Haino, Merzbow, Jim O’Rourke o Koji Tano. KK Null no es nada más un músico japonés con una discografía abultada, se trata de una figura que ha hecho del rock y la música experimental japonesas lo que conocemos ahora (tan sólo pensemos en su trabajo con Merzbow). Null fue decisivo en el desarrollo de algunos de los proyectos más ambiciosos de Japón, como músico tanto como productor, y uno no puede escuchar su trabajo sin pensar precisamente en esto, en que se trata de un músico, y que creo que es la característica más importante de Null: mientras que muchos proyectos japoneses han tenido gran parte de su atractivo en la implementación de muchos elementos aparentemente extra musicales, lo que ha hecho Null siempre se ha basado en una idea de composición muy sólida. Para ejemplo, click abajo:

Mp3: Radio-Anima 1

Mp3: 5:20, del disco Atomik Disorder

KK Null no es un artista al que le baste con sostener un par de sonidos durante horas, haciéndolos más y más pesados, o por el contrario, depurándolos hasta hacer que se fundan con el ambiente: no, Null hace cambios, muchos, y con mucha frecuencia; de hecho, si quisiéramos decir que lo que KK Null hace son soundscapes tendríamos que dejar a un lado esta homogeneidad placentera que solemos asociar con ellos, este estado casi de relajación y el sonido difuso. En este caso el escucha se encuentra ante una avalancha de decisiones, y para cuando un sonido empieza a generar espacios y a hacer que nos acostumbremos a ellos, de inmediato llega otro que necesariamente modifica el espacio que ocupaba el sonido anterior, y en vez de hablar de un flujo en el que los sonidos se van disolviendo en el siguiente más bien hablamos de un entramado, como un tapiz, que genera un espacio nada uniforme, y el único territorio que puede ocupar el escucha es uno más fragmentario que el del sounscape usual, y quizá un poco más incómodo, pero este orden con el que KK Null ‘compone’ logra que el oyente no baje la guardia y se mantenga en un constante estado de atención con todos los sonidos que Kishino procesa en vivo. Y esto sin contar aún el trabajo de voz de KK Null, que añade otra capa a toda esta maraña de sonidos sobrepuestos. Y es que recientemente mucho del sonido de KK Null, la manera en que logra generar estas capas espesas de sonido, radica en el Nullsonic, un ‘instrumento’ utilizado en vivo y creado por Null que consta de un arduo trabajo de archivo de sonidos (sintetizadores y efectos de pedal) en mini discs ejecutados en vivo, relativamente a la manera de un dj.

Aunque este instrumento es una solución a un problema relativamente simple (es difícil cargar con todo el equipo en cada presentación), la idea que el Nullsonic puede darnos del trabajo de KK Null radica en el hecho de que esta disponibilidad de un registro tan amplio de sonidos y efectos, este bagaje tan grande de posibilidades con el que tiene que arreglárselas, habla de una manera de ordenar el sonido en tiempo real, es decir, una manera de componer no con instrumentos, sino con sonido, y esta idea de composición puede manejar grandes cantidades de recursos sonoros, voz y silencios u otro tipo de recursos porque entiende todos estos elementos como parte de comprender y abarcar el sonido. Un ejemplo: lo que hace interesante a muchas bandas que incorporan en sus presentaciones elementos como vestuario, performance o video es que todos estos componentes se entienden en una idea amplia de insertarse en el acto de generar sonido, de ‘tocar en vivo’. KK Null, por su parte, no hace video ni performance en sus presentaciones, y me parece interesante apuntarlo porque lo que vamos a ver es a un músico poniendo toda su concentración en todos los recursos de sonido que tiene, que no son pocos, de manera que lo que podemos esperar de Kazuyuki Kishino cuando se suba al escenario del Lunario del Auditorio Nacional es que ‘se limite’ a desplegar todo lo que trae en su equipo (aunque sencillo y quizá visualmente poco impresionante) y genere esta atmósfera abrasiva que desde hace más de veinte años le ha caracterizado. El mismo escucha en verdad se enfrenta a un problema: cómo seguirle el paso a un artista que procesa más cosas de las que uno mismo puede escuchar. Antes de que se dé cuenta, el escucha ya lleva mucho tiempo escuchando, y tiene que enfocarse tanto en todo lo que se le viene encima que sesenta u ochenta minutos pasan más rápido de lo que parecen. El año pasado, justo al terminar la presentación de Keiji Haino en el Lunario, alcancé a escuchar a un asistente completamente extasiado decir que el tiempo se le había pasado rapidísimo (y Haino tocó unos noventa minutos más o menos). Ya es algo que podemos esperar de un músico japonés, y en el caso de KK Null es sólo una de las muchas cosas que podemos esperar. Aquí más ejemplos:

Mp3: Con Daniel Menche, del disco Raijin

Mp3: Track del disco Oxygen Flash

KK Null en vivo, Octubre 2009

Video: KK Null, Improvisación en 1991, Tokyo

Video: En vivo en Extrapool Nijmegen, Holanda, Octubre 2009

Click aquí para leer una Entrevista de Abril, 2006, antes de una presentación en Budapest (scroll abajo para la versión en inglés)

Además, y para terminar, hay que agregar que el trabajo de KK Null es tan rico y diverso precisamente por esta manera que tiene de abordar la música, desde la perspectiva tanto de un músico experimentado como de un archivista de sonido obsesivo que sabe hacer con una cosa lo que a veces resulta demasiado difícil hacer con la otra: no se trata de ruido, sino de un músico que va más allá de este tipo de definiciones. Por todo esto, el cierre de esta, la novena edición de Radar, no puede antojarse mejor: KK Null y Boredoms, dos de las más importantes figuras del Japanoise de los últimos años, a lado de Fat Mariachi, y todo por un mismo boleto.

KK Null - Fat Mariachi - Boredoms / Sábado 20 de marzo 2010, 20:30 Hrs. / Lunario del Auditorio Nacional / $400

Arte acción y mariachis transgénicos directo desde la colonia Del Valle en Radar: Fat Mariachi en el Lunario

2010-03-03T10:32:00.000-08:00

Uno de los poquísimos momentos que recuerdo de Sábado Gigante (un programa de televisión de variedad latino-estadounidense que se transmitía por canal 2 a principios de los noventa), fue de una de sus secciones, el concurso de talentos, que era básicamente una competencia de canto para aficionados; en este, un sujeto vestido de mariachi era enérgicamente regañado por Alberto Ángel ‘El Cuervo’ (toda una institución de la música vernácula). Le reprendía en general su mala afinación y sus ademanes sobre el escenario. Sin embargo, y esto es lo que hace que recuerde el incidente, pasó una cantidad ridícula de tiempo sermoneando al pobre concursante por portar el moño de mariachi de manera irrespetuosa (al parecer no le parecía ni el material ni el color, de un rosa metálico brillante). Estaba verdaderamente furioso, llegó incluso a decirle que portar el traje era una vergüenza en él, y que no lo volviera a hacer por respeto a la tradición del mariachi. Aunque burda y anodina, esta anécdota televisiva fue lo primero que me vino a la cabeza cuando me enteré de la existencia de Fat Mariachi.

Fat Mariachi, los hijos pródigos de la Del Valle

Fat Mariachi reprobaría todos los estándares de calidad para un mariachi, lo único que comparten con ellos son sus trajes (en una versión aun más libre) y las alusiones a mujeres y mucho alcohol en sus canciones. Fat Mariachi -y esta me parece la mejor manera de comenzar un post sobre ellos- es un absoluto desmadre.

Por donde se quiera empezar, todo lo que conforma a Fat Mariachi es sumamente extravagante y atraerá al primer incauto: su ‘vestuario’, sus instrumentos, su ‘estilo’ musical (si es que tienen algo que se pueda llamar así), su presencia en el escenario (o fuera de él). Fat Mariachi es un proyecto mexicano-alemán que pasa por la música ruidosa y el performance sin despeinarse y está integrado por Edgar Aarón en la batería, Kai Kraatz en el bajo y Daniel Lara en los samples. Lo primero que llama la atención es su indumentaria, que es la de un mariachi no muy folclórico con tenis Converse y Puma, y aunque no usan el traje de una manera particularmente irreverente, ver a un mariachi alemán pidiéndole al público que le ayude a tocar el bajo es suficiente para que esta versión maligna del mariachi comience a escandalizar al público. Por otro lado, además del bajo y la batería, su mesa de instrumentos electrónicos llama más la atención por lo aparentemente anticuados que se ven: amplificadores naranjas sin marca aparente y lo que parecería ser una maquinita de esas con las que jugabas en la farmacia (algunos de estos instrumentos son creados por ellos mismos). Sin embargo, todo esto no es menos caótico que lo que tocan: por pretencioso que pueda sonar, definir a lo que suena Fat Mariachi siempre les quedará corto: batacazos duros, lineas de bajo fuertes, a veces desesperadamente lentos, otras veces casi simplones, un ruidero eléctrico-electrónico y letras que no hacen las cosas más fáciles. A Fat Mariachi les tiene sin cuidado si su música está de un lado o de otro, y esta desfachatez en cuanto a lo que tocan les permite probar un sin fin de posibilidades que hacen precisamente que su trabajo provoque una enorme curiosidad. Si acaso podríamos decir que bordean una cosa con ecos más o menos cercanos al jazz, el country y la música ranchera. Además, es difícil entender lo que suena si no se toma en cuenta lo que se ve en sus presentaciones: la manera en que se comportan en el escenario es quizá lo más notorio de la banda, y es que ellos son los primeros en recalcar el carácter performático-desquiciante de sus presentaciones: ¡No es Música, es Performance! Como si no fuera suficiente con escucharlos y verlos hacer su disturbio, los integrantes de Fat mariachi, principalmente Kai Kraatz, de repente se salen de su sitio y empiezan a invitar al público a que se involucren con ellos, que toquen sus instrumentos y sean parte de toda esta puesta en escena. En pocas palabras, la sola experiencia de estar en sus presentaciones ya implica un nivel de involucramiento exigente: a nivel musical, a nivel artístico y a nivel físico. Sin embargo, este involucramiento se da, de una u otra manera pero se da, pues se trata de un espectáculo muy abierto y nada excluyente. No importa si es una mezcla de estilos o es rock o música experimental, al final se trata de una tocada en la que todos mueven la cabeza, y el performance, que dicho así puede sonar demasiado serio, termina siendo un relajo en toda la extensión de la palabra.

Fat Mariachi dentro del elevador del MUAC

Para escuchar música de Fat Mariachi, click aquí para ir a su Myspace

Este aspecto de sus presentaciones ha permitido que Fat Mariachi se presente en varios espacios más dedicados al arte que al rock; han tocado en toda la Ciudad de México, y si no los has visto por lo menos seguro te has enterado de sus presentaciones. Los sitios en los que han montado su escándalo van desde el under (el Centro Cutural Border por ejemplo), espacios de arte más serios (la Sala de Arte Público Siqueiros, el Museo Universitario Arte Contemporáneo o recientemente el festival Open Art, en Beijing, China) hasta en su propio estudio, en el corazón de la colonia Del Valle, en fiestas que incluyen colaboraciones con artistas de graffiti. Fat Mariachi ya se adueñó de la atención de muchos en el Distrito Federal, por lo que el próximo 20 de Marzo su presentación en el Lunario (a lado de KK NULL y Boredoms) será su primera vez en un escenario más grande y comercial, tipo rock, y con todo y que este escenario esté más alejado de la gente, definitivamente el escenario no les quedará grande, así que la sola idea de todo lo que se les ocurrirá hacer ya es suficiente motivo de curiosidad para asistir al cierre de Radar 9.

Una prueba de lo que puede hacer Fat Mariachi

también pueden encontrar más videos en el perfil de Vimeo de Fat Mariachi

Si ya les parecía suficiente con ver a dos verdaderas leyendas del japanoise (de quienes hablaremos en esta semana), agréguenle a los mariachis consentidos de la Colonia Del Valle y todo por un mismo boleto en el Lunario. ¡Radar está a la vuelta de la esquina, dejen de dudarlo y asistan al Lunario!

Fat Mariachi - KK Null - Boredoms / Sábado 20 de Marzo 2010, 20:30 Hrs. / Lunario del Auditorio Nacional / $400

¿Quién necesita Quicktime y mp3’s cuando tienes proyectores de super 8, 16 mm o grabadoras de carrete? La Cellule d’Intervention Metamkine en Radar

2010-02-28T10:32:00.000-08:00

El año pasado, dentro de Radar 8, una de las presentaciones que más expectativa causó fue la de Nurse With Wound en el Palacio de Medicina: tuvo muchos momentos memorables, sin embargo, tal vez el elemento más impactante (más aún que ver a Steven Stapleton rapear) fueron los videos proyectados detrás de ellos, eran verdaderamente desconcertantes: paredes que secretaban carnes, familias viviendo bajo el agua, maniquíes y colchones cayendo desde muy alto. Se agradecían enormemente: una característica más o menos común de muchos artistas que utilizan video en sus presentaciones es que suelen ‘abusar’ de efectos e imágenes abstractas, o que procesan la imagen de cámaras en vivo con efectos más o menos igual de simples: difuminar la imagen, mezclar sus colores, fragmentarla. La mayoría de las veces no necesariamente se pretende que la imagen sea análoga al sonido, sino otro elemento por derecho propio; el problema es que muchas veces estas proyecciones no son demasiado interesantes, y terminan siendo si acaso un acompañante del sonido con un impacto tan grande como un protector de pantalla de computadora. Este año, Radar 9 trae a un proyecto que va más allá del concepto de “presentación con video en vivo”

Formada en 1987, la Cellule d’Intervention Metamkine es un proyecto de dos cineastas y un músico: los franceses Christophe Auger, Xavier Quérel y Jérôme Noetinger. En verdad que hablamos de cineastas, no de videoastas que proyectan un quicktime durante sus presentaciones, sino de dos sujetos que montan proyectores de 16 mm, que deben estar al pendiente del cambio de carrete, que convierten el escenario en un verdadero laboratorio lleno de bobinas, focos, espejos, pantallas y latas de cinta. Por el lado del sonido, una de las primeras cosas que deben evitarse al hablar de Metamkine es separar el sonido de la imagen, no sólo es difícil tratar de explicar a qué suena Metamkine, también es injusto y parcial, pues todo su proceso para generar sonido responde en gran parte a su proceso para generar imagen. Si uno sólo escucha, encontrará efectos de sonido, distorsiones, sonidos difusos, theremins, instrumentos de cuerda. Quizá lo único que pueda caracterizar a su sonido es que este trabajo de correspondencia en vivo hace que las decisiones sean más lentas y menos formales, por lo que puede sonar abigarrado, casi hosco, pero en cuanto uno parea este sonido con la imagen y con toda la disposición de instrumentos y dispositivos en el escenario entiende que está un paso más allá de ser una relación simple de video y música. Empecemos por un ejemplo:

La Cellule de Intervention Metamkine, Navel, septiembre 2009

Lo más interesante de la Cellule d’Intervention Metamkine no es el simple hecho de utilizar proyectores en vivo, sino su complejo trabajo de edición en vivo. A partir de una idea central comienzan a disparar imágenes que se van transformando en viñetas, y el sonido, generado por sintetizadores análogos, carretes de cinta y objetos amplificados, produce una idea de soundtrack que se mezcla en una manera extraña con la imagen. Aunque no suene mucho más complicado que mezclar archivos .mov o .avi en vivo y hacer otro trabajo de edición de sonido con cualquier programa bajado de internet, hay que pensar que tener que arreglárselas con instrumentos análogos ya implica entender la continuidad de imagen y sonido de manera muy distinta: es más difícil, costoso y complicado tener un archivo de sonidos en cintas que guardar algunos gigabytes de mp3’s en el disco duro de una laptop, tan sólo su almacenaje ya representa un factor importante en lo que se hace en vivo; el tener que encender una grabadora de carrete y escuchar la cinta durante todo el tiempo que dura, sin poder perderla de vista porque eventualmente hay que cambiarla, ya hace que lo que escuchemos sea muy distinto, más involucrado desde la raíz con el sonido. Tendrán que asistir al Palacio de Medicina para poder de lo que estamos hablando pero, mientras tanto, valga decir que se trata de una experiencia de presentación en vivo completamente distinta, y aunque suene más curioso o incluso ‘promocional’ que técnico, lo que hace Metamkine en cada una de sus presentaciones es una película totalmente nueva, y también hace un escenario completamente nuevo para su presentación: tan solo la disposición de todo el equipo de Metamkine es espectacular: mediante espejos que dan la cara al escenario y una puntillosa disposición de los proyectores, la película se dispara hacia el público y es reflejada al escenario.

Video: La Cellule d’Intervention Metamkine en Suiza, marzo 2009

El trabajo de Metamkine no sólo es una acepción verdaderamente abierta del término ‘multimedia’, también es multidireccional: es un proyecto que lo mismo se ha presentado en espacios para el arte contemporáneo, foros más propios del rock, festivales de jazz, salas de concierto, galerías o cines, que ha colaborado por igual con otros proyectos visuales y con otros músicos. Su trabajo, en sus propias palabras, es completamente empírico, y la confrontación de cine y sonido en el escenario nos ofrece una rara experiencia de música liberada de su sumisión al cine, y la de un trabajo de imagen en vivo que es proyectada como si fuera música. Auger, Quérel y Noetinger disfrutan de la espontaneidad de un músico tocando en vivo al mismo tiempo que la responsabilidad de un cineasta que corta, edita y secciona la imagen al tiempo que es generada en el proyector. Con Metamkine el proceso de edición y proyección tienen que entenderse como partes de un mismo proceso muy denso, y sólo viéndolo en vivo puede entenderse.

Audio: un fragmento de una presentación de Metamkine (formato m3u)

Christophe Auger, Xavier Quérel y Jérôme Noetinger

Ahora que, por su parte, el trabajo de Jérôme Noetinger en solitario puede dar una idea de lo que podemos esperar del sonido de Metamkine el próximo 19 de marzo. Aquí algunos ejemplos:

Mp3: Jérôme Noetinger, The Toy Drummer

Mp3: Jérôme Noetinger, Sophie Agnel y Lionel Marchetti, Àpres-midi, del disco Rouge Gris Ruit

Video: Jérôme Noetinger, en vivo en Musica Genera, Varsovia, 2009

Video: fragmento de una presentación de Jérôme Noetinger

Será la noche más larga de todo Radar: cuatro presentaciones que recorren desde la exploración electrónica, la improvisación entre instrumentalistas y el trabajo multimedia. En resumen, que se trata de una presentación que abarca todo el rango de proyectos que se programan dentro de Radar, y lo mejor, todo por un mismo boleto. Ya sea por uno u otro artista, no pueden perderse de un programa completamente inclusivo y ecléctico que asegura hacer la noche de cualquiera que asista.

Cellule d’Intervention Metamkine – Jorge Haro – Burkhard Stangl & Angélica Castelló – Tony Conrad // Viernes 19 de Marzo 2010, 20:30 Hrs. // Palacio de Medicina / $200

afuera del sindicato y por primera vez en México: Tony Conrad en Radar

2010-02-25T10:00:00.000-08:00

Este año, Radar trae a una de las figuras más significativas de Estados Unidos no sólo en el campo de la música, sino también en el del videoarte, el cine experimental, el performance y el arte sonoro, cuyo trabajo se ha presentado en espacios como el MOMA, PS1, The Kitchen de Nueva York o Tate Modern de Londres entre muchos otros, y su presentación dentro de Radar promete juntar muchos de los elementos que hacen de su trabajo uno de los cuerpos de obra más interesantes para un artista multimedia.

Tony Conrad

Tony Conrad (New Hampshire, 1940) es uno de los nombres clave para entender buena parte del camino que ha tomado el video y el arte sonoro estadounidenses de los últimos más de 40 años. La obra de Conrad, que empezó de manera más notoria en el cine (con su filme The Flicker, de 1966), comenzó a trasladar esta estructura hacia el sonido (especialmente el minimalismo de esa época) para crear un trabajo que rebasa los intereses formales para enfocarse en la experiencia directa del sonido y el paso del tiempo. Como músico, el trabajo de Tony Conrad es, aunque no demasiado extenso, de gran importancia; en particular podemos citar dos momentos, el primero data de su incorporación al Theatre of Eternal Music (también conocido como The Dream Syndicate), una agrupación que incluía a Angus MacLise, John Cale, Marian Zazeela y La Monte Young. El Dream Syndicate basaba su trabajo en entonaciones y sonidos sostenidos, los cuales el grupo llamaba dream music (y podría ser lo que hoy día conocemos como drone).

Video: Sample de Day of Niagara, de Inside the Dream Syndicate (Theatre of Eternal Music)

La aportación de Conrad a este tipo de música es muy importante: aunque ya alguien como el mismo La Monte Young había experimentado con esto mucho tiempo antes, el acercamiento de Conrad a la idea de entonación (un proceso que no será explicado aquí) fue una contribución para las generaciones posteriores que basaban su obra en este recurso. Para dar una idea del trabajo del Theatre of Eternal Music, y sobre todo de por qué el estado mental del drone era llamado dream music, vale la pena escuchar esta muestra del trabajo de Young de esa época:

Mp3: La Monte Young, Drift Study, 31-I-69

Mp3: La Monte Young, de The Four Dreams of China

Por otro lado, el segundo momento importante de Conrad en música fue su colaboración con la legendaria banda alemana Faust, referencia obligada del krautrock. Con Faust, grabó Outside the Dream Syndicate en 1972, el cual es, de hecho, el primer disco de Conrad, y a la fecha es conocido como su producción más importante y es considerado un clásico de la música drone y el minimalismo. Aquí algunos ejemplos:

Mp3: Tony Conrad & Faust, del disco Outside The Dream Syndicate: Track 1, Track 2 y The Pyre of Angus was in Kathmandu

Todo este trasfondo nos sirve perfectamente para comprender el sonido de Tony Conrad: su música puede ser una serie de sonidos prolongados no necesariamente distorsionados, pero colocados de manera que el propio sonido del instrumento se comienza a encimar y a generar una especie de ruido limpio, armónico, algo que de hecho no es ruido, sino todo lo contrario: ante una cantidad de sonido tan fino y ordenado, uno ya no puede identificar todas las fuentes, y el espectador se introduce en un flujo homogéneo, casi hipnótico; este sonido es tan extrañamente ‘puro’ que, por ejemplo, el ritmo natural del movimiento del brazo al frotar el arco del violín casi parece ser lo único que marca tiempos al desfasar esta monotonía. A diferencia de una repetición obsesiva de frases y figuras (como en Steve Reich), en donde una escucha atenta permite olvidarse de la música como tal y se empieza a prestar atención al paso del tiempo y al estado de consciencia que esto implica, en este tipo de sonidos prolongados limpios –y recordemos que hablamos de un sonido tan continuo como el del violín-, la consciencia del tiempo permanece, pero el sonido puro se acentúa, y cuando se tienen varias fuentes de sonido es difícil procesarlas todas, generando una cierta confusión auditiva: curiosamente, las maneras más efectivas de depurar el sonido suelen lograrse encimando, acumulando, atiborrando, repitiendo, soportando, y más que ruido limpio, lo que hace Conrad puede ser un ejemplo de drone limpio, lo cual no es necesariamente una contradicción.

Mp3: Tony Conrad, live in Austin, Texas, 1999 (fragmento)

Mp3: Tony Conrad con Angus MacLise, Trance #2

Creo que, dentro de Radar, podemos trazar como referencia directa de este concierto la presentación del año pasado de Nurse With Wound por sus guiños al krautrock, así como la atmósfera lóbrega que ambos comparten; no obstante, lo que hace Conrad es aún más oscuro, específicamente su música suena más oscura. Es cierto que prescinde de los samples o de los efectos de sonido que parecieran tomados de película médica de principios de siglo que Nurse With Wound trajo, sin embargo, lo que Tony Conrad hace suena más lento, abotagado, pero sobre todo, sumamente insistente. Sin embargo, si uno se limita a escuchar lo que Tony Conrad hace se está quedando sólo con la mitad. Si bien puede escucharse como una música sumamente tétrica, al ver cómo se produce este sonido uno se da cuenta que no hay ninguna pretensión sombría ni mucho menos, sino un aspecto bastante lúdico. Para producir este sonido, Conrad utiliza toda una variedad de procesos y objetos que uno no relacionaría con el sonido que generan: utiliza espejos, taladra cosas, proyecta video, convierte la luz en sonido y lo amplifica, enreda cables. Y esto es un enorme plus en sus presentaciones, pues uno no puede dejar de imaginar cómo lo estará consiguiendo. Si uno sólo cuenta con el audio, aunque falte el elemento visual, esta curiosidad de imaginarse todo lo que está detrás agrega una capa extra de información que, no obstante, enriquece la pura experiencia de oír; aquí un ejemplo:

Mp3: Tony Conrad & Stephen Vitello: Mirror/Light
(breve explicación de esta pieza: Conrad refleja una luz con un espejo, esta luz es proyectada sobre un muro y es capturada por Stephen Vitello en celdas fotosensibles, que convierten la luz en sonido, al tiempo que Conrad responde a este sonido frotando el arco de su violín contra el espejo)

Actualmente, lo que Tony Conrad hace se enfoca, como ya mencioné más arriba, en trabajo para violín con todo el respectivo trabajo de amplificación de sonido y video y demás recursos de los que se vale. Lo que haga puede encajar dentro de varias clasificaciones, pero a nivel de presentación en vivo se tratará de una experiencia única que involucra muchos medios por uno de los artistas más importantes de su campo, y definitivamente será una asistencia obligada para los asiduos de esta, la novena edición de Radar.

Para más sobre Tony Conrad, click aquí para leer una entrevista.

Tony Conrad en la sala de turbinas del Tate Modern, Londres, 2009

Video: En vivo en el Swiss Institute de Nueva York, 2007

Video: Tony Conrad con Keiji Haino, en Instal 2006

Video: Interpretación de Ten Years Alive on the Infinite Plain, en Leeds City Art Gallery, 2006

Tony Conrad en Myspace

En resumen: hagan lo que hagan, quieran ahorrar lo que quieran ahorrar, o si sólo tienen curiosidad por lo que será ver a un artista como Conrad entre músicos electrónicos, improvisadores y artistas multimedia, no se vayan a perder de Tony Conrad por primera vez dentro de escenarios mexicanos.

Tony Conrad – Jorge Haro – Burkhard Stangl & Angélica Cstelló – Metamkine // Viernes 19 de Marzo 2010, 20:30 Hrs. // Antigua Escuela de Medicina // $200

una sutil mezcla de guitarras, flautas de pico, procesamiento electrónico e improvisación entre México y Austria: Burkhard Stangl y Angélica Castelló

2010-02-22T10:32:00.000-08:00

En la intensa noche de electrónica experimental y proyectos multimedia en el Palacio de Medicina, Radar junta a dos músicos en una sesión de improvisación que se caracterizará por un tono sutil, casi casi etéreo, en el que dos instrumentos y electrónica se mezclaran para restar en vez de aumentar, para llegar al límite de lo que se puede hacer cuando un par de artistas se entienden tan bien que pareciera que se ponen de acuerdo para hacer más silencios que ruido, o de cómo entender una cosa a través de la otra.

Burkhard Stangl y Angélica Castelló

Burkhard Stangl y Angélica Castelló son los segundos en presentarse dentro del concierto programado en el Patio de la Antigua Escuela de Medicina en la Plaza de Santo Domingo. Ambos residentes en Viena, Stangl y Castelló han tocado a dúo y en numerosos ensambles dentro de la muy productiva y agitada escena de música experimental, contemporánea e improvisación de la capital austriaca, y su interpretación conjunta dentro de Radar representará la reunión de uno de los elementos más interesantes de México con una de las figuras más sólidas de Austria. Por un lado, Burkhard Stangl (Austria, 1960) es compositor, guitarrista y artista sonoro. Ha grabado cerca de cincuenta discos y ha fundado ensambles como ton.art y Extended Heritage. Se ha presentado en festivales en Europa, América, Asia y África y compuesto música de cámara, para coro, piano y cine. Por el otro lado, Angélica Castelló (Ciudad de México, 1972) tiene como instrumento principal la flauta de pico. Realizó estudios en México, Montreal, Ámsterdam y Viena –donde reside- especializándose en la música contemporánea, experimental y electrónica, la improvisación y la composición, además de dedicarse a la organización de la serie de conciertos Neue Musik in St Ruprecht.

Mp3: Angélica Castelló, Billy Roisz y eh (Burkhard Stangl y dieb 13)

Lo que hace Stangl recorre varios rangos: desde un procesamiento muy denso de los sonidos de la guitarra hasta momentos en los que se limita a tocar notas limpias, casi acústicas, en un pareo de sonidos que pudieran recordar el trabajo del Otomo Yoshihide más “moderado”. Aunque hay que señalar que en su trabajo en colaboración con otros artistas Stangl logra manejarse desde el punto en que la guitarra es el elemento principal hasta otros en los que logra ‘pasar desapercibido’, en que todo el proceso electrónico forma capas y capas en las que la guitarra suena como si estuviera haciendo lo posible por sonar lo mínimo necesario. Cuando Stangl maneja todos los dispositivos electrónicos de rigor no esperen soundscapes genéricos o ligeros: sí, se trata de atmósferas o masas de sonido muy leves (que no es lo mismo que ligero), pero esto se debe a un trabajo sumamente cuidado (que puede explicarse por su formación de músico). Mientras que otros artistas que tienen a la guitarra eléctrica como base de la exploración electrónica pueden preferir sostener notas y manipularlas, alguien como Burkhard Stangl va un poco más allá, realmente se compromete con lo que implica ‘tocar’ una guitarra, y uno puede escuchar estos cambios (de notas limpias a masas sonoras, de un manejo más pleno de la guitarra a capas de sonido y más) en sus presentaciones en vivo. Para muestra, un par de ejemplos:

Mp3: Burkhard Stangl, Shameless

Mp3: Burkhard Stangl, Nordrand, con Christof Kurzmann, del proyecto Schnee

Mp3: Burkhard Stangl con Günther Müller, 2002

Por el otro lado, siempre será atractivo ver a Castelló tocar su llamativa flauta de pico. En conjunto con todo el procesamiento, es fascinante escuchar todos los sonidos que puede generar. Aunque poco común, cuando es posible ver instrumentos de viento a través de plataformas electrónicas siempre resulta gratificante porque uno nunca puede esperar nada claro, pueden llegar a ser tan neutrales y maleables que producen cualquier cantidad y calidad de sonidos, como una voz, que es capaz de alcanzar desde bajos ominosos y extendidos hasta notas muy muy altas. Si consideramos que el campo en el que se mueve un instrumento de viento como la flauta de pico es particularmente extenso y a esto agregamos cuánto más se puede extender cuando se pasa a través de otras plataformas, entonces podemos hablar de que la pura idea de ‘improvisación’ con este instrumento ya es suficiente para poder esperar muchas cosas. Para ejemplo de algunas de ellas, click abajo:

Mp3: Angélica Castelló, Pico de Gallo, 2007, con el proyecto Cilantro (Billy Roisz)

Mp3: Angélica Castelló, en Rhiz, Viena, con el proyecto Cilantro (Billy Roisz)

Mp3: Angélica Castelló en el festival Musica Genera, con el proyecto Cilantro (Billy Roisz)

Mp3: Angélica Castelló con el proyecto Subshrubs (Maja Osojnik, Katharina Klement, Billy Roisz), 2006: Track 1, Track 2, Track 3, Track 4

Burkhard Stangl & Angélica Castelló con Mario de Vega, 2008

Lo que creo que une el trabajo de ambos es la sutileza de su interpretación, cómo los sonidos, que no sólo son generados en vivo sino con instrumentos como son la guitarra y la flauta de pico, se entretejen con una levedad increíble. Lo que Castelló y Stangl hacen en conjunto no son, como ya mencioné, soundscapes, pues su manejo de los instrumentos es más decidido y meticuloso, pero cuando uno los escucha juntos se imagina como si estuvieran tocando con la cabeza pegada al instrumento, casi como si se estuvieran susurrando el uno al otro y sólo se alcanzaran a escuchar los siseos. Es fácil generar atmósferas leves, en donde apenas y se nota que existe la mano del artista en ellas, pero es más difícil cuando se están empleando instrumentos como tal y no refinados sonidos electrónicos procesados en plataformas digitales. Un ejemplo de esto puede ser la presentación de Bang on a Can interpretando Music for Airports de Brian Eno en Radar 5: la pieza, originalmente creada por un intenso trabajo de mezcla en el estudio, fue interpretada con tanta o más delicadeza que la versión original: el trabajo de los instrumentos ejecutados en vivo (con todos los márgenes de error y complicaciones de sonido que van implícitos) nunca robó atención sobre el carácter casi hipnótico de la obra de Eno. De la misma manera, en ocasiones uno puede escuchar a este dúo y olvidarse de su presencia detrás del instrumento. Morton Feldman decía que uno no toca el instrumento, el instrumento te toca a ti, y con Stangl y Castelló esto aplica en toda su extensión.

Video: Angélica Castelló & Burkhard Stangl con La Orquesta Silenciosa, 2008

Para escuchar entre varios tracks de Burkhard Stangl, click aquí

Vayan al Myspace de Burkhard Stangl o Angélica Castelló

Esta presentación dentro de la larga noche de Electrónica Experimental en el Palacio de Medicina será doblemente interesante por hablar de la participación de una artista mexicana como Angélica Castelló, a quien no es posible ver por aquí con mucha frecuencia, y para no cortar el lazo que la une con Austria, el lugar en que reside y trabaja, la presencia de Burkhard Stangl asegura importar toda la intensidad y fuerza que ya los caracterizan en Viena.

Burkhard Stangl & Angélica Castelló – Jorge Haro – Tony Conrad – Metamkine // Viernes 19 de Marzo 2010, 20:30 Hrs. // Patio de la Antigua Escuela de Medicina // $200

Soundscapes, laptops con racimos de plugs y sonidos completamente electrónicos: Jorge Haro en la Antigua Escuela de Medicina

2010-02-19T11:25:00.000-08:00

Este año, dentro de sus sesiones de electrónica experimental y proyectos interdisciplinarios, y una vez más en la Antigua Escuela de Medicina, Radar apuesta por un concierto de 5 artistas en una sola noche –y por un sólo boleto- que cubren todos los rangos: la experimentación totalmente electrónica, la totalmente análoga o el uso de instrumentos a través de distintas plataformas eléctricas y digitales. Empezamos entonces con lo electrónico:

Jorge Haro

Jorge Haro, compositor, artista sonoro y audiovisual, es una de las figuras más importantes de la escena de música electrónica y experimental en Argentina en los últimos años. Con cuatro discos grabados (Fin de siècle, Música 200(0), u_2003 y u_xy), su trabajo, además de colaborar con varios artistas y estar incluido en diversas compilaciones internacionales, ha participado en festivales como Sonar, las Jornadas de Arte Digital en Argentina, Sound Site en Estados Unidos o el Internationale Filmmusik Biennale en Alemania. Entre todo esto, y además de ser docente en la Universidad Nacional 3 de Febrero y la Universidad de Palermo, Haro es un elemento importante en Argentina dentro del ámbito del arte digital y el trabajo multimedia; muestra de esto es su participación en diversos sitios web dedicados a su investigación: es co-director del site Fin del mundo y participa en el proyecto LIMb0 (Laboratorio de Investigaciones Multidisciplinarias buenos aires ø).

Para empezar, una muestra:

Mp3: Paisaje Permanente y 200

Lo primero que hay que decir de Jorge Haro es que su trabajo parte, se desarrolla y termina en plataformas completamente electrónicas. Sus sonidos están totalmente procesados, y la manera en que organiza estos sonidos se entiende así, como una construcción muy leve y cuidada; se trata de un paisaje abstracto, lento, pero que mantiene una fluidez que no permite descansar del todo en esta atmósfera: aunque hablamos de que trabaja con una gran variedad de sonidos electrónicos desde la raíz, estos nunca terminan de volverse completamente neutros o genéricos. Hay una cosa que vale la pena anotar sobre estos medios y cómo se percibe su sonido: de todas las formas que hay de experimentar con sonido, y a menos que se trate de un caso desafortunado, siempre resulta interesante ver cómo es que se las arregla un artista que sólo trabaja con medios electrónico-digitales porque, por lo general, su presencia en el escenario suele limitarse a manipular laptops o conectar y desconectar cables, de manera que el espectador tiene que llenar esa parte de la presentación. Para muestra, recuerden la presentación de Möslang, Müller & Kahn en el MIDE en Radar 6: una mesa con tres sujetos picando botones, enchufando plugs y girando perillas. Visualmente, lo único que a uno le queda es imaginarse todo el proceso de la plataforma que estarán usando y es necesario detenerse más en cómo la ejecuta que en cómo se toca un instrumento o cuán impresionante puede verse. Es un proceso distinto, porque, y este es el punto de todo este párrafo, uno empieza a darse cuenta de la forma en que se compone cuando se trabaja desde y a partir de estas plataformas, y es un proceso radicalmente distinto a cuando se usan principalmente como filtros para manipular el sonido. A diferencia de construir el sonido a partir del rango de un instrumento, la aparentemente infinita paleta de sonidos que provee una computadora y distintos programas le dejan una responsabilidad no menos pesada al artista: depurar las opciones, afirmar con mayor concreción. Aunque técnicamente puede decirse que un laptopista siempre improvisa, las decisiones y las estructuras que esta ‘improvisación’ implica son mucho muy distintas. He aquí otra muestra:

Mp3: Crónica y Campos

Y es que, a pesar de lo extremadamente refinado de su trabajo, y de lo propenso que suele ser este tipo de sonido a homogeneizarse precisamente por lo típico que resulta el sonido de estas fuentes en la actualidad, lo que Haro hace se construye como una serie de capas bien diferenciadas, sobre todo con una idea de ritmo muy clara: muchas veces, en la música electrónica o experimental, la idea de ritmo tiende a ser un poco pasada por alto: en unos casos, se compone de cambios abruptos de samples, o una sucesión muy sutil –en ocasiones casi imperceptible- de atmósferas sonoras; en otros casos, se parte de algunos sonidos que se empiezan a dilatar, y el único ritmo que se alcanza a escuchar es de la misma vibración del sonido. Si a menudo suele pensarse en esta música como algo cercano a la música de fondo es precisamente por esto, porque lo abstracto del sonido electrónico permite muy fácilmente que se generen estos bloques de sonido tan suelto. Jorge Haro ordena el sonido de manera distinta, logra que uno siempre esté a la expectativa de los arreglos que va a utilizar o cómo va a articular una figura porque lleva un ritmo que aunque sea construido en su totalidad por medios digitales sabe generar una cierta idea de narrativa que hace que su trabajo sea sumamente discreto y ligero, sí, pero muy fluido y ordenado, en el que se pueden reconocer momentos y cambios claros; esto nos habla de un acercamiento a estas plataformas digitales por una vía más musical que de costumbre, precisamente por el hecho de que viene de una formación de compositor.

Mp3: Dos Naturalezas y Extensión Continua

En sus piezas, Haro no sólo da suficiente tiempo al sonido para que se examine muy detenidamente, provoca una especie de curiosidad sobre cómo entran estos sonidos, cómo se van entretejiendo y formando un ambiente tenue, pues aunque los sonidos que Haro utiliza están bien diferenciados y son capaces de hablar por sí mismos desde el momento en que se introducen, no por eso dejan de crear la posibilidad de una atmósfera de sonido en la que es posible insertarse, sumergirse, y esto es probablemente lo mejor de lo que podemos esperar de esta presentación dentro de las sesiones de Electrónica Experimental de Radar: que se trata de una exploración del sonido tan abierta y móvil que permite distintos espacios en los que el espectador se puede mover: abstracto y casi gaseoso al mismo tiempo que compuesto, ordenado y sólido. Lo que haga Jorge Haro sobre el escenario definitivamente hará que más de uno pueda identificarse: ya sea por lo musical, por lo experimental, por cómo hecha mano de los recursos digitales y electrónicos, y, por supuesto, por el aspecto visual de su presentación, pues el puro hecho de verlo manipular todos los dispositivos de los que se vale para generar estos campos agrega otra capa de experiencia a su sonido.

Video: fragmentos de Zero y Sputnik, del disco Fin de Siécle

Para terminar, dentro de las últimas presentaciones de Jorge Haro hay que prestar especial atención al término 'concierto acusmático', en donde se utiliza un sin fín de elementos para ampliar la experiencia del sonido (varios canales de sonido y video, arreglo del espacio en donde se presenta). Para leer más detenidamente sobre todo lo que Jorge Haro maneja dentro de sus úlitimas presentaciones, click aquí para ver los detalles técnicos (y una selección de mp3's).

Nadie que sea asiduo a las jornadas de Electrónica experimental de Radar puede perderse de esta presentación; aquellos que hayan disfrutado de presentaciones como las de Möslang, Müller & Kahn en el MIDE hace algunos años seguramente encontrarán la de Jorge Haro igual de envolvente e intensa.

Para escuchar más música de Jorge Haro, vayan a su Myspace

Jorge Haro - Angélica Castelló & Burkhard Stangl - Tony Conrad – Metamkine // Viernes 19 de marzo 2010, 20:30 Hrs. // Patio de la Antigua Escuela de Medicina // $200

20 años en las calles, free jazz y una mezcla extraña entre lo áspero y lo elegante: Charles Gayle Trio en el Teatro de la Ciudad

2010-02-16T12:55:00.000-08:00

Este año, dentro de su sección de improvisación, Radar vuelve a traer a una leyenda viviente del free jazz; un músico impecable con una discografía abultada, que puede causar curiosidad por su manera de abordar el jazz, por su estilo tan suelto y apenas ‘correcto’ de tocar o por todas las historias que circulan acerca de su vida.

Charles Gayle

En su novena edición, Radar trae al trio de Charles Gayle, el saxofonista estadounidense que pasó alrededor de 20 años viviendo en la calle, tocando en las esquinas y en el transporte de Nueva York, que no fue sino hasta alrededor de sus 50 años que grabó su primer disco y comenzó a ganar un prestigio que hasta la fecha lo mantiene como una de las figuras más enigmáticas del panorama jazzístico. En esta ocasión, se presenta en el Teatro de la Ciudad en un concierto que promete muchas cosas. Para una muestra de ellas, click abajo:

Mp3: track 1 y track 2, de Live in Zebulon, del 2005

Lo que Charles Gayle hace sobre el escenario ocurre de muchas maneras al mismo tiempo sin que uno pueda -ni necesite- darse cuenta de los cambios: su música es áspera, casi rasposa, como de bar semidesierto de una novela beat, pero manteniendo un nivel de coolness, de elegancia ‘estrictamente amable’; pero no se malinterprete: este carácter a la vez rudo y exquisito no se basa en decisiones de estilo, en hacer sonar un instrumento de un modo u otro, en tocar el saxofón con el estómago una veces y con gracia otras, no: Charles Gayle es un total virtuoso, por supuesto, pero no necesita exagerar, no veremos a un sujeto de 71 años dando muestras de virtuosismo rimbombante, haciendo prestidigitaciones con su saxofón, sencillamente porque el virtuosismo de Charles Gayle es distinto: por sobre muchas cosas, y puede que suene cursi, la música de Gayle es sincera, ejecuta su instrumento (sea el saxofón, el piano o incluso la batería) con una humildad cuya mejor aportación es abrir una especie de espacio en donde el escucha no necesita poner una atención obsesiva a los detalles; que en vez de encarar al escucha plantándosele enfrente con desfachatez (como a veces ocurre con algunos casos del free jazz más frenético y complejo, y es también una gran razón por la que alguna personas simplemente no lo toleran) se limita a presentarse -ofrecerse- sin mayores pretensiones. Ante una tendencia a abigarrar con notas en el menor tiempo posible, Gayle toca como por tirones, como si estuviera tosiendo, pero de una manera tan elegante, tan serena, que uno no se detiene a media escucha a revisar las partes de todo esto, las toca de manera tal que simplemente pasan, fluyen. La música de Charles Gayle, digamos, goes with the flow, pero esto no quiere decir que sea como el jazz que ponen en Gandhi de música de fondo mientras buscas libros, pues aunque Gayle toca como si se le cayeran las notas de las mangas, haciendo tan placentera su escucha, no deja de ser free jazz muy arriesgado y muy complejo. Descrito así, pareciera que estamos hablando de cualquier jazzista que domina su instrumento con esa soltura que el género exige –y con un extra para hacerlo más atractivo-, pero es que, lo que hace Gayle, forjado de tocar 20 años en las calles –y seguirlo haciendo de vez en cuando- crea este tipo de música tan increíble. Por eso, aquí otro ejemplo:

Mp3: What's New? Live at Glenn Miller Café, 2006

Aunque en un sentido distinto, esta humildad que menciono quizá pueda rastrearse en la profunda espiritualidad de Gayle, cuya niñez estuvo fuertemente influida por la religión y que en lo musical parte del Gospel negro. Esta idea de singing to the Lord no está ausente en él, y, de hecho, muchos de sus discos están dedicados explícitamente a Dios, así como a veces, durante sus presentaciones, puede empezar a hablarle al público sobre su posición política y religiosa por mucho tiempo. Sin embargo, que nadie se confunda: la música de Charles Gayle no es Gospel, no es música religiosa ni mucho menos, se trata de free jazz en toda la extensión de la palabra, pero comparte con estas fuentes el goce desinteresado y fluido por hacer música, y el ímpetu discreto que irradia Gayle al tocar, esta ‘aspereza elegante’ que se siente desde la primera escucha, ya sea con el saxofón en free jazz o tocando standards en el piano, es prueba de esto.

Charles Gayle en vivo, 2007

Así como una de las características más atractivas del gospel es esta idea de comunión como celebración, ver a Charles Gayle tocar en vivo con su trío resulta una experiencia no sólo musicalmente única y emocionante, sino que quienes asistan podrán ver cómo esta espiritualidad de la que tanto se habla al respecto de su trabajo se hace presente de las maneras más reservadas a la vez que efusivas: con un sonido a veces crudo, a veces refinado, pero siempre conteniendo una fuerza notable y mucho muy profunda, sin importar si estamos hablando de géneros o estilos. Sin decir más, porque podríamos hablar mucho de cómo suena lo que hace, hablar de Charles Gayle hoy es hablar de los arrestos de un jazzista negro de 71 años que no pierde la capacidad de asombro ante el simple hecho de hacer música, desde los días en que tocaba en las calles hasta ahora, que es una figura obligada dentro del free jazz, y éste será suficiente motivo de celebración para quienes asistan a la sesión de improvisación de este año en el Teatro de la Ciudad. En este blog no nos cansamos de repetírselo: ya hemos podido ver grandes –pero mucho muy grandes- presentaciones dentro de esta sección de Radar, como una Jöelle Léandre imponente a lado de una Lauren Newton que partía su voz –literalmente- en dos; un Fred Frith que le erizó la piel a todo el auditorio; un Anthony Braxton que hizo lo que nadie se imaginaba a lado de una Mary Halvorson y un Taylor Ho Bynum excepcionales; un verdadero monstruo holandés llamado Han Bennink a lado de los dandies Marc Ribot o Greg Cohen, y si enlistamos todos y cada uno de ellos es porque de todos los eventos que hay, es justo en estas sesiones que el público no suele terminar de convencerse y más de uno simplemente se queda fuera de los que han sido los conciertos más sorpresivamente memorables de Radar. No lo piensen: la presentación de Charles Gayle a lado de Larry Roland en el contrabajo y Michael Wimberly en la batería, promete ser una de las más íntimas, rasposas y ‘elegantes’ de esta edición de Radar.

Otro video: (en vivo, 2007, segunda parte)

Para una lectura más detallada de Gayle: Entrevista con James Lindbloom, 2000 y Entrevista con Howard Mandel, de The Wire

Charles Gayle Trio // Miércoles 17 de Marzo 2010, 20:30 Hrs. // Teatro de la Ciudad // $250, $200, $150, $100

Ciclo Mauricio Kagel 3: Ludwig van

2010-02-13T12:05:00.000-08:00

Para cerrar el homenaje que Radar dedica en su novena edición al compositor argentino-alemán Mauricio Kagel, la tercera parte del ciclo se trata de una ocasión muy especial, pues se revisará una de las facetas más desconcertantes e interesantes de su obra: su trabajo cinematográfico. En el Ciclo Kagel 3, se proyectará una pieza que no dejará indiferente a nadie.

Mauricio Kagel

Construida como una serie de escenas aparentemente sin conexión, Ludwig van, la película más importante dentro de la filmografía de Mauricio Kagel, fue estrenada en 1970, año de los festejos por el bicentenario de Ludwig van Beethoven como una especie de homenaje muy poco convencional. Mientras todo el mundo reverenciaba el trabajo de uno de los compositores más importantes en la historia, Mauricio Kagel sorprendió a propios y extraños con un filme que repasa la vida, la figura, la casa y las discusiones alrededor del compositor. Describir la película de manera más general sería simplemente injusto, y es que, por vago que pudiera sonar, Ludwig van es más que una película experimental o una alusión a Beethoven, es, tal cual, demasiadas cosas: una crítica al uso de la música de Beethoven en su bicentenario, antisolemne, desfasada, irrespetuosa, incluso agresiva, demasiado compleja, una meditación sobre la sordera y el volumen muy altos, los tapices musicales, disfraces, y por supuesto, Beethoven. La escenografía no está ahí para hacer las cosas más fáciles: vemos la reconstrucción de la casa de Beethoven como algo extraño, como si algo estuviera pasando ahí que no va a sostenerse por mucho tiempo: como parte de una visita ficticia a su casa en Bonn, accedemos a su estudio: todo está tapizado con partituras de sus obras. La música no es desconcertante por sí misma, pero suena completamente fuera de lugar, y es que todo está fuera de lugar.

Still de Ludwig van, estudio de Beethoven

Sin embargo, aunque todos y cada uno de los elementos que conforman Ludwig van son increíbles por sí mismos (las actuaciones, la reconstrucción de su casa, los props, la fotografía, la música), lo más fascinante de la película es que todo es calmo, lento. Por esto, el tono se mueve constantemente, y pasas mucho tiempo antes de saber si se trata de una biografía, un documental o una puesta en escena. Estos cambios son declaradamente irritantes porque la edición de todo el filme desarma por completo al espectador: es imposible predecir la siguiente escena, y la posibilidad de depositar la interpretación de uno o de sentir alguna especie de empatía con la película y su ‘trama’, es nula: Kagel nos maneja durante los 90 minutos que dura, simplemente se tiene que ceder, no se puede hacer otra cosa.

Fragmento de Ludwig van

Quizá lo que más deba rescatarse de Ludwig van es el marcado interés por parte de Kagel en burlarse de toda la serie de solemnidades y elegancias que suelen acompañar al homenaje: se escuchan parodias de programas de radio o televisión alusivos al natalicio de Beethoven, los presentadores discuten sobre ella, la música, aunque difusa, mantiene claros elementos beethovenianos, se sopesa la posibilidad de analizar su cráneo, los efectos de su música en sus intérpretes, se entrevista a uno de sus descendientes. Si contrastamos el tono general de Ludwig van con todos los actos conmemorativos de su bicentenario, puede incluso parecer una crítica gratuita, pero hay que pensar en lo que implica un homenaje de estas dimensiones, sobre todo porque no hace mucho pasamos por uno: hace un par de años, las salas de conciertos de todo el mundo no vieron nada más que Mozart en sus programas de todo el año por la conmemoración del aniversario 250 de su nacimiento. En medio de todo este escenario reverencioso, la música llega a parecer trivial cuando se habla tanto de ella; cuando un nombre es pronunciado por tantas bocas al mismo tiempo en todo el mundo se empieza a generar una especie de excedente, de ruido, que hace que su vulnerabilidad sea cada vez más visible. Esto es justo lo que vio Kagel: a veces, las conmemoraciones suelen ser perjudiciales para el conmemorado, es, quizá, el momento en el que más vulnerable se vuelve su figura y su obra, suele ser el momento en que las críticas parecieran más oportunas. Con la música de Beethoven sonando en todas las salas, en todos los eventos (incluso los no musicales), en todos lados, podemos poner una situación-ejemplo pertinente: en la adaptación libre de A Clockwork Orange de Anthony Burgess, Stanley Kubrick retrata a un protagonista que enloquece vehementemente con la música de Beethoven; quizá no sea arriesgado ver esto como un caso similar a todo un mundo de músicos y melómanos en pleno condicionamiento al rendir un homenaje a un músico muerto hace dos siglos. Es ahí donde aparece el punto débil que mencionaba: si es necesario preguntarse qué es lo que queda después del caos que logró Kagel no sólo con Ludwig van sino con toda su obra, es ¿cuál es la posición de la música en la sociedad actual?, o por lo menos es una pregunta que muy probablemente se harán muchos de los que asistan a su proyección. Mientras tanto, y para dar una idea del trabajo de Mauricio Kagel como director, he aquí varios de sus filmes y videos:

Anthithese, 1965, sobre la paranoia y los problemas de un ingeniero en un estudio. 16 mm, 19 minutos.

Match, 1966, una competencia entre músicos. 16 mm, 27 minutos.

Solo, 1967, video, 26 minutos.

Duo, 1967-68, video, 41 minutos.

Duo y Solo son psicodramas sobre músicos, pesadillas de los espectadores, escenarios absurdos, solos de guitarra eléctrica en el metro, maniquíes en el baño y conductores perdidos en un ambiente hostil.

Hallelujah, 1969, es una de las principales películas de Kagel, una historia surrealista sobre la boca y sus cambios. Manos, ojos, lenguas en un dilema sin salida. 16 mm, 47 minutos.

Blue's Blue, 1981, con Mauricio Kagel pegado al sillón viviendo en un pequeño cuarto oscuro con otros tres músicos que tratan de sobrevivir. Video, 32 minutos.

MM51 / Nosferatu, 1983, un forcejeo entre una película dentro de otra película. Video, 10 minutos.

Para un fragmento más extenso de Ludwig van (36 minutos), click aquí.

Para ver los videos en la página original, click aquí.

Para terminar, una de las cosas que más llaman la atención al revisar la ficha de Ludwig van es su colosal reparto: se trata de un elenco increíblemente ecléctico, que incluye, entre artistas visuales, músicos e intérpretes, a gente como Dieter Roth, Joseph Beuys o Robert Filliou, así como el propio Kagel. Se trata de una obra que interesará por igual a músicos, artistas, cineastas y público en general. La entrada a la proyección es gratis (cupo limitado), así que nadie tiene pretexto para perderse no sólo de la película más importante de Mauricio Kagel, sino de una obra que servirá, además, para ampliar la visión de la estética y la posición como artista del compositor.

Ludwig van
Alemania, 1970
Mauricio Kagel, autor, arreglos musicales y director.
16 mm, b/n
90 minutos

Reparto en orden de aparición

Joseph Beuys, Günther Boehnert, Carlos Feller, Werner Höfer, Mauricio Kagel, Rudolf Körösi, Linda Klaudius-Mann, Klaus Lindemann, Heinz-Klaus Metzger, José Montes-Bacquer, Dieter Roth, Schuldt, Victor Staub, Otto Tomek, Ferry Waldoff, Stefan Wewerka

Reconstrucción de la casa de Beethoven

Ciclo Kagel 3: Ludwig van // Miércoles 17 de Marzo 2010, 18:00 Hrs. // Arteria // ENTRADA LIBRE, CUPO LIMITADO

Ciclo Mauricio Kagel 2: Eva Zöllner

2010-02-10T10:39:00.000-08:00

Como parte del homenaje que dedica Radar a Mauricio Kagel en su novena edición, en la segunda parte del ciclo tendremos la oportunidad de escuchar a una intérprete totalmente entregada tocar a un compositor ecléctico en un instrumento poco ortodoxo.

Eva Zöllner

Nacida en 1978, la labor de la acordeonista alemana Eva Zöllner es notable no sólo como intérprete sino como promotora de su instrumento: a sus corta edad, ha estrenado más de 70 obras en Alemania, además de colaborar frecuentemente con compositores contemporáneos para impulsar la producción de obras para acordeón e ir expandiendo poco a poco las fronteras interpretativas existentes, pues pese a la sonoridad tan profunda que lo caracteriza, el acordeón no es un instrumento particularmente popular en la música contemporánea (aunque sí lo sea en la música popular-tradicional contemporánea de muchas latitudes). La vinculación de Zöllner con su instrumento tanto a la hora de ejecutar como a la hora de trabajar a lado del compositor es especial, pues exige una cierta especie de doble involucramiento: desde el momento en que uno no sabe exactamente qué esperar de un instrumento como un acordeón en composiciones contemporáneas (si se expande el sonido como en un órgano, se entrecorta y se trabaja a partir de ritmos, como en el uso tradicional del acordeón, o cualquier otra cosa posible), el intérprete tiene que pensar en la manera en la que va a tocar y la manera en que el escucha lo recibirá como dos cosas que pueden ser distintas y que le agregan diferentes texturas a la obra. Y es que, al escuchar a Eva Zöllner tocar el acordeón, uno se da cuenta de inmediato que entiende su instrumento de manera tal que puede pasar de un sonido muy denso a otro muy distinto, casi contrario, sin que uno siquiera se dé cuenta. Los siguientes dos ejemplos dan una idea más clara de esto:

Mp3: Eva Zöllner, fragmento de Ink, colours and gold on paper II, para acordeón solo, de Peter Gahn, 2005

Mp3: Song of the Sausage Creature, de Pete Moss, con Eva Zöllner y Kristján Orri Sigurleifsson en el contrabajo

Esta volatilidad interpretativa es lo que creo que hará tan interesante este segundo concierto del ciclo Kagel. Cuando empecé a escuchar a Eva Zöllner lo que más me llamaba la atención es que movía su instrumento con una fluidez en la que términos como ‘virtuosismo’ o ‘maestría’ se vuelven innecesarios. Los cambios tan sutiles y lentos que hace logran que al escucharla uno se meta en la composición muy rápido; uno puede concentrarse en un sonido, aceptarlo tal y como viene, y poco a poco introducirse en él, y esto es algo que se logra desde el compositor, pero la interpretación de Zöllner está tan entramada con el mismo proceso de composición que logra esto de una manera casi hipnótica. Sin más, he aquí el programa de este recital:

Ciclo Kagel 2. Eva Zöllner

Eva Zöllner acordeón

Programa
Mauricio Kagel General Bass (1972)
Rodrigo Sigal Ser otro* (2010)
Mauricio Kagel Episoden, Figuren (1993)
Ana Lara La suplicante* (2008)
Gordon Kampe Das Barcklay Syndrom oder der rote Kreis
Mauricio Kagel Ludwig van (Alexander Bruck viola, Juan José Bárcenas electrónica)

*Estreno mundial

Eva Zöllner en el Van Abbemuseum

Aunque pudiera parecer fuera de lugar, es importante atender particularmente a este concierto de la obra de Kagel por una razón: el acordeón mantiene una tensión con su país natal como el instrumento de rigor de los grandes músicos populares argentinos. Aunque las piezas para acordeón o versiones para este instrumento dentro de su trabajo no estén cerca del tango ni mucho menos, sí es muy importante escuchar este recital muy cuidadosamente, porque, directa o indirectamente, nos puede hablar, para bien o para mal, de esa línea de tensión casi imaginaria que un músico tiene con su lugar de origen. Los ecos del uso del acordeón de su país de origen que uno pudiera llegar a escuchar en piezas como Episoden, Figuren serán, necesariamente, silenciosos y estruendosos al mismo tiempo: silenciosos porque no se necesita escuchar frases o figuras conocidas para detectar un dejo de algo que no está, de algo de lo que apenas se hace alusión; estruendosos porque cualquier evocación a esta ausencia dentro de una sonoridad como la de Kagel provocará algo totalmente distinto, casi disonante. Si alguien fuera al Anfiteatro Simón Bolívar, esperando escuchar, digamos, algo similar al tango, es obvio que en ese sentido la decepción sería una cosa de estilo, de expectativas, pero en su lugar sí se encontraría con un volumen espeso, tupido, que aunque no suene a, sí contiene esa energía tan discreta –y hasta elegante- de los orígenes del compositor. Lo que se pueda escuchar de la obra Mauricio Kagel para y en acordeón o cualquier otro instrumento en este concierto servirá para apreciar el rango tan amplio de su trabajo y cómo funciona, más que como una cosa escrita y terminada, como un cuerpo de obra en movimiento, como un pretexto para que en cada interpretación la pieza se renueve y se mueva por zonas distintas.

Samples de Kantrimiusik, de Mauricio Kagel, por el Niew Ensemble & Ed Spanjaard: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13, 14, 15

Mauricio Kagel

Para quienes tengan dudas o mera incertidumbre sobre lo que Eva Zöllner vaya a hacer con su instrumento y las piezas de Kagel de esa noche, he aquí algunos fragmentos de las piezas que tocará, ya sea en acordeón o en otros instrumentos para los que fueron escritas. Estos samples no son para saber “como qué” es de lo que va a ser el concierto ni para saber qué esperar de su presentación; si acaso, estas muestras sirven como pistas o pretextos para empezar a imaginar lo que una artista tan móvil y flexible puede hacer a partir de una obra acabada. Como siempre en Kagel, la idea de interpretación va más allá de los parámetros usuales, y esto también quiere decir que el escucha tiene un compromiso por seguirle el paso.

Sample de General Bass, de Mauricio Kagel, en su versión para dos clarinetes bajo

Sample de Episoden, Figuren, de Mauricio Kagel, para acordeón, interpretado por Corrado Rojac

Otro sample de Episoden, Figuren, de Mauricio Kagel, por Teodoro Anzellotti

Samples de Ludwig van, de Mauricio Kagel: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8

Eva Zöllner

Por otro lado, la pieza de Gordon Kampe será otra buena oportunidad de revisar el extensivo trabajo de Zöllner como investigadora e impulsora de la composición para acordeón en Alemania, y respecto a las obras de Rodrigo Sigal y Ana Lara que se estrenarán en esta presentación, podemos decir con absoluta confianza que Eva Zöllner conoce la música contemporánea mexicana bien, ha colaborado con ella, la ha tocado con los mismos músicos e incluso la ha grabado en un disco; no es la primera vez que visita nuestro país. De estas obras, estrenos mundiales, no diremos mucho precisamente para no anticipar una obra cuyo principal atractivo es que se trata de la primera vez que la podremos escuchar. Si acaso, como si fuera necesario, nada más recordar que Ana Lara es ya una de las compositoras mexicanas más importantes y que junto con el trabajo de Rodrigo Sigal se puede esperar un recital lleno de cambios de humor. Mientras tanto, aquí algunos ejemplos del trabajo de Sigal:

Mp3: Rodrigo Sigal, Friction of things in other places, de Cycles

Mp3: Rodrigo Sigal, Fotiop

Video: Eva Zöllner con Juan José Barcenas, San Miguel de Allende, 2009

Ya sean compositores alemanes o mexicanos, lo que es seguro es que ambos son casos que Zöllner conoce perfectamente, y su papel en el escenario, interpretando piezas en cuyo proceso de composición se ha involucrado tanto, es suficiente motivo para asistir a este segundo concierto del homenaje a Mauricio Kagel dentro de Radar.

Ciclo Kagel 2: Eva Zöllner // Jueves 18 de Marzo 2010, 20:30 Hrs. // Anfiteatro Simón Bolívar // $150

Ciclo Mauricio Kagel 1: Dúo Bruck-Ross

2010-02-07T12:52:00.000-08:00

Como parte del homenaje que cada año se le rinde a un compositor contemporáneo, Radar dedica su ciclo del 2010 al recién fallecido Mauricio Kagel (Buenos Aires 1931-Köln 2008), compositor de origen argentino que desarrolló toda su obra en Alemania y que logró consolidarse como el compositor latinoamericano más importante de su generación.

Muy probablemente, la característica más notable de la música de Mauricio Kagel es su interés por desarrollar el aspecto teatral de la interpretación musical hasta llevarlo a límites pocas veces vistos en otros compositores. En varias de sus obras, Kagel hace que sus intérpretes hagan su entrada al escenario de una manera particular, que hagan gestos específicos al tocar o que interactúen con otros intérpretes. Más que reducir este enfoque interpretativo a un carácter meramente ridículo o chusco, lo interesante de él es que incorpora elementos externos para ampliar la experiencia de su música. Kagel implantó actitudes y objetos desconcertantes en sus piezas, como con Staatstheater, de 1971, una especie de opera o ballet en la que se usaban como instrumentos bacinicas y enemas. En esta, lo más importante es que poco a poco toda esta parafernalia deja de ser ‘un implemento de la obra’ para ser el tema y la estructura de la obra misma. Otra pieza, por ejemplo, es Con Voce, en la que los tres intérpretes usan una máscara para fingir que están tocando instrumentos, o Match, una especie de juego de tenis para dos chelistas con un percusionista en medio como juez. En estas obras y muchas otras en las que Kagel incorpora estos elementos, es visible que están colocados ahí para guiar al espectador, para llevarlo de la mano por un camino a través del cual Kagel entendía la música y su experiencia.

Video: Fragmento de Staatstheater

(Wilhelm Bruck y Theodor Ross interpretando Acustica de Mauricio Kagel)

Quizá, aparte de otros contemporáneos suyos como John Cage o La Monte Young, se pueda rastrear un interés más o menos similar en la interpretación en Erik Satie. En casi todas sus obras, los indicadores de carácter de Satie (las indicaciones que se hacen para anotar la forma en que deben tocarse, como presto, andante brioso, teneramente, etcétera) solían llegar al extremo del absurdo con instrucciones que aunque no se esperaba que se siguieran al pie de la letra sí le agregaban una dimensión totalmente nueva a la obra; algunos ejemplos son la cabeza entre las manos, caiga hasta el debilitamiento, esté como encendido, no coma demasiado, retire la mano y métasela en el bolsillo o como un colibrí con dolor de muelas. Lo que sí ocurre de la misma manera que en Kagel es que estas indicaciones, libres y sumamente abiertas, sirven como un detonador sumamente efectivo para despertar en el escucha esta curiosidad y guiarlo en aquello que el compositor encontró y que, por extraño que pueda parecer, le parece la mejor manera de hacer que el escucha lo encuentre también.

Mp3: Der Schall para 5 intérpretes con 54 instrumentos (entre ellos, Wilhelm Bruck)

Mp3: Antithese

Interpretación de Dressur, por el Yale percussion group, 2009

Pero hay algo que señalar: aunque uno de los aspectos más importantes de la obra de Mauricio Kagel es el interés que le daba a la palabra ‘interpretación’, hasta el grado de agregarle otras dimensiones (el paso del tiempo de la composición se hace distinto cuando la pieza exige que los músicos asuman un rol similar al de un actor), es importante notar que al mismo tiempo que Kagel desarrollaba su trabajo, otros músicos como Nam June Paik requería que su pieza One for violin solo de 1962 fuera ‘tocada’ con un violín de buena calidad (que debía ser destrozado contra un piano), o La Monte Young, en sus Composiciones de 1960, le pedía al intérprete que empujara un piano hasta caer de cansancio. Ambos ejemplos, obras más bien Fluxus, son sumamente importantes no sólo para la historia de la música sino para la del arte, específicamente el arte conceptual. Lo que nos interesa de todo esto es que la manera en que extiende el papel del intérprete sobre el escenario en las obras de Kagel está muy lejos de asimilarse a la estética Fluxus: pese que a ver a dos intérpretes en una sala en un diálogo instrumento-actor puede parecer similar, estos roles realmente funcionaban como elementos que agregaban fuerza y estructura a lo musical (mientras que en Fluxus lo musical se dirigía hacia la estructura de lo artístico). En Kagel, las acciones del intérprete no hacen de la composición algo extravagante ni curioso, o más específicamente, no le agregan un factor ‘extra’ (el de lo teatral, por decirlo de alguna manera) a la obra; lo que hacen estas instrucciones (como escribir una obra para instrumentos no-occidentales o pedirle al intérprete que toque frente a un escritorio) es posibilitar que el espectador se sumerja, junto con el intérprete, en un flujo o estado mental al que no se podría llegar sólo con la escucha. Además, uno recuerda obras como las de Paik o Young por esta idea de score, esta decisión que alguien más sigue al pie de la letra sin titubear, es decir, son obras que uno no necesita escuchar necesariamente, que pueden desatar muchas ideas con sólo leer sobre ellas (como 4’33” de John Cage o las Composiciones de Young). La música de Kagel entra por los oídos en primer lugar, y si se vale de otros elementos es para entrar más profundamente, pero en ningún momento dejamos de hablar del trabajo de un músico.

Wilhelm Bruck & Theodor Ross

Y no hemos hablado de los intérpretes de este primer concierto del ciclo, Wilhelm Bruck y Theodor Ross. Se trata de un dúo de guitarristas con más de 35 años de trayectoria, para quienes Kagel escribió varias de sus obras más importantes, como Acustica, Tactil o Exotica. A partir de haber trabajado directamente con Kagel (incluso al compartir estudio con él por mucho tiempo), su involucramiento con sus piezas es total. La pura experiencia de verlos en vivo es increíble: independientemente de su maestría en su instrumento, las obras de Kagel de su repertorio los ponen en situaciones por las que bien vale la pena asistir. He aquí el programa de su presentación:

Ciclo Mauricio Kagel 1

Wilhelm Bruck & Theodor Ross Guitarras

Programa
Giacinto Scelsi / Ko-Tha (I&II)
Helmut Lachenmann / Salut für Caudwell
Mauricio Kagel / Soli aus Exotica
Mauricio Kagel / Montage

Video: Salut fur Caudwell, interpretado por Eugenio Becherucci y Arturo Tallini

Aunque el programa no puede imaginarse mejor, tanto por las obras de Kagel como la de Scelsi, muy probablemente muchos de los asistentes irán principalmente por la titánica Salut für Caudwell de Helmut Lachenmann, una de las obras más interesantes y colosales del repertorio de Bruck y Ross, para quienes está escrita. En definitiva, no sólo se tratará de la presentación de dos de los músicos mejor capacitados para hablar de Kagel, sino de una interpretación sumamente atractiva por sí misma.

Mp3: Acustica, para productores experimentales de sonido y altavoces, Interpretada por el Kölner Ensemble für Neue Musik

Mp3: Anagramme

Para terminar, es importante apuntar que una revisión del trabajo de Kagel dentro de Radar es significativa porque se trata del compositor latinoamericano más destacado en el panorama contemporáneo internacional. Aunque argentino de nacimiento, Kagel residió en Köln desde los 26 años hasta su muerte; los alemanes se lo adjudican y, a decir verdad, con justa razón: los títulos de sus obras están todas en alemán y los intérpretes que este año vienen a interpretar sus obras son todos originarios de Köln, sin embargo, como el compositor de origen latinoamericano que, pese a todo, es, es necesario hacer cuenta de la importancia de su trabajo sobre todo por el hecho de que aunque perteneció a la misma generación de otras figuras como Boulez, Stockhausen o Ligeti, Kagel no tuvo la descomunal “popularidad” de estos, y más allá del lugar común de discutir sobre la jerarquía de su obra, sí es justo decir por lo menos que Kagel se movió por terrenos en los que otros compositores a veces sólo pasaban de momento, como el cine, el radio (no como plataforma solamente, sino como tema y estructura de su obra, como en Ein Aufnahmezustand, de 1969) y varias manifestaciones que, en conjunto, le suelen ubicar –un poco injustamente- en el llamado teatro del absurdo. Por estas razones, la presentación de su obra, paradójicamente menos difundida en estas geografías, dentro de Radar, es la oportunidad perfecta para acercarse al trabajo de uno de las figuras más intrigantes dentro de toda la historia de la música. Además, el concierto está en un horario perfecto: domingo a la una de la tarde, por lo que nadie tiene pretexto para perderse de Wilhelm Bruck y Theodor Ross interpretando al compositor que mejor tocan.

Ciclo Kagel 1: Dúo Wilhelm Bruck & Theodor Ross // Domingo 14 de Marzo 2010, 13:00 Hrs. // Anfiteatro Simón Bolivar // $150

Cómo sobrevivir dentro de un arpa gigante y no morir en el intento: Huey Mecatl inaugura Radar

2010-02-04T14:07:00.000-08:00

Para su construcción, lo primero que una sala de conciertos requiere es una arquitectura que organice el tránsito del sonido, que aproveche cada mínimo recurso para que el sonido se maximice y se difunda independientemente de sus dimensiones. Dentro de esta construcción existen distintos espacios: uno en donde se disponen los instrumentos, otro en el que se pueden colocar bocinas, un espacio en el que se sitúa al público. Se trata de una edificación muy precisa cuyo objetivo es depurar al máximo la experiencia del sonido.

En una acepción sumamente literal de esta idea, Huey Mecatl (gran cuerda en nahuatl), proyecto originario de México desarrollado por Jerónimo García Naranjo y José Isabel Cruz Orozco, utiliza su espacio de presentación como una caja de resonancia monumental, permitiendo que el espectador se encuentre en medio de las fuentes de sonido, justo en el sitio en el que éste ocurre. Huey Mecatl es, en pocas palabras, un proyecto colosal: se trata de un arpa gigantesca formada por diez contenedores de barco en formación pentagonal, de dos pisos de altura. Los containers funcionan como una caja de resonancia enorme para un conjunto de cuerdas de piano de más de veinte metros sujetadas de puentes de madera que difunden el sonido por las paredes del contenedor, que son tocadas por un batallón de artistas en trajes naranjas con arcos de más de un metro de longitud, mediante frotación, percusión y pulsación. En medio de todo este espacio, una especie de Stonehenge sonoro, el público puede circular libremente y es envuelto por el sonido. Jerónimo García lo explica mejor: "la idea es que el público sea libre en el espacio, pueda desplazarse y tenga la oportunidad de estar dentro de un instrumento, quedando envuelto en la sonoridad, que es muy rica".

No sólo se ve, también suena increíble, pero esperen: este proyecto no sólo es producto de una exploración que parte de un espíritu curioso y lúdico: se trata de una investigación seria. Todo este ruidero no es nada más alzar cuerdas y ver la manera de amplificarlas: antes de la presentación se analiza la sonoridad de los contenedores para saber en qué nota se van a afinar las cuerdas, con llaves enormes empotradas sobre la lámina de los contenedores; existe todo un sistema de notación (que por la longitud de las cuerdas se basa en marcar segmentos con colores) y partituras, además de eternas sesiones de ensayo. Según lo explican sus creadores, este montaje "corresponde a una idea que teníamos desde hace mucho, que consiste en encontrar dentro de una cuerda muy larga los armónicos naturales. Es como ver microscópicamente una cuerda y ampliarla".

Aunque Huey Mecatl por supuesto llama la atención por sus dimensiones, estas no son un mero recurso para añadirle espectacularidad a su presentación: surgen como soluciones (quizá no muy sencillas ni accesibles) de una investigación musical. Y es que, ante un proyecto como este uno podría quedarse solamente con la experiencia de estar allí, en medio de esta arpa, pero aunque esta experiencia redimensiona toda la idea de sonido y espacio, es importante notar que el sonido de Huey Mecatl, en una especie de analogía entre forma y contenido, es espacioso, hondo, profundo, con momentos irritantes y cáusticos. Al escuchar un cuarteto de cuerdas, una de las cosas que más intrigan al escucha es tratar de identificar exactamente de qué instrumento viene qué parte o capa de sonido. Imagínense esta curiosidad en un conjunto no de 4 sino de 10 cuerdas, en el que no sólo hay que poner atención a cada parte, sino mover la cabeza, cambiar de posición para escuchar mejor. Así como en el concierto de Les Percussions de Strasbourg en el Espacio Escultórico el año pasado era increíble escuchar el sonido moviéndose 360 grados alrededor de tu cabeza, la presentación de Huey Mecatl promete provocar un nivel de alerta y atención igual o mayor en el espectador.

Huey Mecatl en cifras:

10 contenedores
10 ejecutantes y 3 compositores
Más de 20 personas para su producción
120 metros de madera
Más de 180 metros de espacio

A principios de los noventa, cuando Karlheinz Stockhausen concibió su famoso Helikopter Streichquartett (una obra en la que cada uno de los miembros del Cuarteto Arditti debían tocar en un helicóptero en pleno vuelo, con el público escuchando todo por bocinas y pantallas), el festival alemán que comisionó la obra tuvo que detener el proyecto y fue un festival holandés quien le pidió a Stockhausen que fuera a desarrollarlo allá. Esto viene a colación con Huey Mecatl porque si uno busca en Google lo único que aparece es información sobre su presentación en el Festival de Teatro Container, en Valparaíso, Chile, en 2008, y es que, por increíble y prometedora que esta pieza suene, y a pesar de ser hecha por artistas mexicanos, ¡nunca ha sido presentada en nuestro país! Se trata de un proyecto sumamente ambicioso, arriesgado y bien planeado que por razones obvias se antojaba muy difícil de ver salvo en un espacio como Radar y el Festival de México. Esta no sólo es la presentación perfecta para arrancar con la novena edición de Radar, sino que se trata de un gran ejemplo del compromiso que desde sus comienzos Radar ha demostrado con las manifestaciones musicales más radicales y experimentales.

Huey Mecatl

Zona de Islas Ciudad Universitaria

Viernes 12 de marzo, 20:30 hrs.
Martes 16 marzo, 15:00 hrs.
Jueves 18 marzo, 14:00 hrs.
Sábado 20 de marzo, 16:00 hrs.
Domingo 21 marzo, 16:00 hrs.

Entrada Libre, Cupo Limitado

¡Bienvenidos a Radar 9!

2010-02-04T01:03:00.000-08:00

Después de un año de espera, Radar, el espacio de exploración sonora del Festival de México vuelve con una programación ecléctica y radical como nos tiene acostumbrados, con algunos de los artistas que han redefinido las concepciones tradicionales del rock, el jazz, la música clásica, la música electrónica y el arte sonoro. Propuestas que, desde los inicios del festival, apuestan por rebasar fronteras con formas de expresión sin límites ni concesiones.

En este blog podrán encontrar toda la información necesaria de la programación y actividades del festival en este 2010, y desde ya y hasta que comiencen los conciertos podrán encontrar en este blog una reseña detallada de cada uno de los artistas que se presentarán en esta edición de Radar, acompañadas de enlaces, fotografías, videos y mp3’s para que nadie tenga pretexto para perderse de algún evento.

¡Bienvenidos a Radar 9 Espacio de Exploración Sonora!

Y se acabó Radar, sniff

2009-03-22T17:22:00.000-07:00

Anoche, en un Lunario en el que no cabía un alma, Radar 8 concluyó sus actividades en este 25 Festival de México en el Centro Histórico con las presentaciones de Keiji Haino y Mike Patton con el trío italiano Zu. El evento era un completo sold out desde mediados de esta semana, mucha gente comenzó a sudar días antes por la falta de boletos, y, había gente formada desde más de dos horas antes del evento y, sin más, quien entró entró, y quien no, pues no.

¿Querías japoneses? Pues tómala.

En un escenario apenas iluminado con unas luces violeta y azules muy débiles (se pidió al público abstenerse de usar flash en sus fotos), un Keiji Haino imponente y monumental se subió al escenario y pateó a todo el mundo hasta que no pudo más, y cuando todos pensaron que ya era suficiente, apenas era la mitad. Me reservaré mi comentario por ahora para extenderme cuando hagamos las crónicas detalladas de los eventos (a partir de esta semana), pero, para resumir, Keiji Haino fue el too much de todo Radar 8: fue el qué más tocó (hora y media), fue el que más se movió (del suelo pasaba a saltos frenéticos con su guitarra o a movimientos de brazos violentos ante su theremin), fue el que más fuerte gritó (más aún que Patton o Csihar). Keiji Haino está loco, nos dijimos todos cuando acabó en el suelo manipulando sus gritos electrónicamente. Algunos simplemente no lo aguantaron (un "gracias a dios" se alzó detrás mío cuando parecía que ya terminaba, cosa que pasó unas tres o cuatro veces), y otros nada más esperaban a Patton.

Cuando Mike Patton, Luca Mai, Massimo Pupilo y Jacopo Battaglia se subieron al escenario con máscaras de luchador (Patton era el Santo), fue por momentos complicado escuchar la impecable y emotiva apertura de la voz de Patton por tanta gente que gritaba completamente emocionada. El hasta ahora sumamente correcto público de Radar se volvió loco. Patton y Zu -ya sin máscaras-, sin más preámbulo, se decidieron a destruir el lugar, el saxofón de Mai marcaba los compases con muchísima fuerza, el bajo de Battaglia no descansaba un segundo y Pupilo tocó con una fuerza muy difícil de ver en un baterista que tiene un bajo y un saxofón por compañeros. Patton simplemente no se calló en toda la noche. Pasó de gritos a gárgaras, se paseó por todo el escenario. El público hizo lo propio, que de repente se desenvolvió en el más puro slam de un concierto de rock (cosa que no se veía desde Melt Banana el año pasado). Aunque no tocaron mucho tiempo (alrededor de una hora), la gente se fue del todo satisfecha, y es que la energía que desplegaron en el tiempo que estuvieron sobre el escenario fue tanta (además de lo que hizo Haino antes) que nadie pensó en nada más. Patton y Zu salieron del escenario y todo el mundo terminó contento (menos los que no consiguieron boleto). No sé qué más decir, ya Sirako escribirá al respecto.

Y con esto se acabó Radar 8. Aún queda una semana de Festival, así que vayan al blog a enterarse.

En esta semana postearemos las reseñas de los conciertos con pelos y señales, con grandes momentos (la mayoría) y descalabros (que hubo un par cuando mucho), fotos y youtubes, estén pendientes.

Nos vemos en Radar 9, en el 2010.

Radar cerró con un bellísimo concierto. Haino nos hizo perder la cabeza y Zu-Patton nos dieron uno de los shows más espectaculares que he visto.

2009-03-22T14:37:00.001-07:00

Estuve nervioso todo el sábado, todo el festival estuvo divino, día tras día tenía un nuevo favorito, Jazkamer, Sunn O))), Menche, Ambarchi, todo estuvo genial, el ciclo de Grisey fue la experiencia de sonido más bonita que hemos vivido muchos, y el espectáculo del espacio escultórico se convertirá en legenda. No me perdí ni un segundo de RADAR, y ayer, después de todo, estaba esperando algo gigante.

Pasó, y fue más grande aún de lo que estaba esperando.

La emoción no me deja decir mucho pero Keiji Haino es el japonés más rudo y cabrón que se ha parado en un escenario mexicano, gentilmente nos hizo enloquecer con su guitarra y luego nos hizo tragarnos su locura, nuestra locura y llegar hasta donde pocos aguantan, un ambiente cargado de loop tras loop, la repetición y la insistencia que una vez lograda, no se movía. el ruido circulándonos, y Haino tirado en el suelo gritando, el clímax absoluto de RADAR, explosivo.

Y luego, como para volver a la realidad. Patton y Zu trio, con poder, elegancia y un chingo de carisma nos dejaron perplejos con su depliegue de poder y energía, llena de bajos, golpeteos y detalles, casi chasquidos que se perdían y regresaban, amor puro.

Nueva dinámica.

2009-03-21T15:04:00.000-07:00

Estimados lectores. Sus posteadores favoritos, por cuestiones ajenas a todo, se quedaron sin boletos para Haino, Patton y Zu y necesitamos de la suerte y de su caridad para entrar.

Si alguno de ustedes tiene boletos de sobra o conoce de alguien que los tenga le rogamos que se ponga en contacto con nosotros en sirako@gmail.com

Radar anoche fue un concierto como deberían ser todos los conciertos

2009-03-21T13:10:00.000-07:00

Anoche, en un Palacio de Medicina repleto (y con una hora de retraso), Guillermo Galindo, Daniel Menche y Nurse With Wound dieron una clase de cómo debería ser una presentación en vivo en todas sus variantes. Hubo momentos de catársis, de plena extrañeza y casi de llanto. No cuento mucho para dejarlo para cuando empecemos a postear las crónicas de los eventos, pero por mientras, valga esto:

Primero, un Guillermo Galindo vestido de cirujano se puso los guantes y empezó la auscultación. Mientras su pieza, Microkoan, se desarrollaba, él tomó el microscopio y empezó a proyectar imágenes de sus dientes, encías, piel, cabello, además de imágenes de lo que parecía ser lo que quedó de un pastel en un tupper (haía polvo y algo rojo que podía ser una cereza). Con toda la humildad del mundo (a diferencia de Christian Galarreta unos minutos antes), Gal* in_dog terminó su pieza y agradeció los aplausos con una sonrisota y se marchó.

Luego, Daniel Menche dio una de las presentaciones más emotivas de todo radar. Empezó con un sonido claro y amable hasta llegar a un nivel de saturación enorme. Subido de rodillas en la mesa, comenzó a hacer toda clase de sonidos con su cuerpo y su voz, amplificándolos y manipulándolos. Menche se fue en ceros del escenario, ¡lo dejó todo! gritó, se azotó con cables y cadenas, entró en un verdadero trance, de hecho, para cuando terminó le costó unos cuantos segundos darse cuenta de que se tenía que levantar y salir del escenario. Estaba increíblemente feliz, hizo toda clase de caras de sorpresa al público que le aplaudía y se fue trastabillando.

Y cuando Nurse With Wound se subió al escenario, todo ocurrió, una cosa a la vez. A lado de Andrew Owen Liles, Collin Potter, Matthew Scott Waldron y Freida Abtan, Steven Stapleton organizó una serie de momentos que pasaron por todo. Primero, una serie de videos absolutamente friquis y extraños (paredes que excretan carne, colchones cayendo de la nada, familias submarinas) de los que hablaremos luego a detalle. Con tornamesas, guitarras tocadas con arcos de cello, voces y lectura de textos extraños, juguetes tocados frente al micrófono y toda clase de objetos, Nurse With Wound tocó por una hora con un orden y precisión increíbles, tenían todos los tiepos y entradas coordenadas. Al final, de la nada, Stapleton se paró al frente y se disculpó por la tardanza en su soundcheck ¡y empezó a rapear! Horas antes, en una miniconferencia de prensa improvisada, decía: "si se nos da la gana cambiar y hacer el próximo disco de rap, lo haremos, porque eso nos funciona ahora". No mentía. Toda la atmósfera de NWW fue semi oscura, muy contenida, y terminó con un "adios" muy cálido, como si de verdad fueran a volver muy pronto.

Y sobre hoy nos limitamos a los comentarios que ya todo el mundo ha hecho. Patton es un sold out hoy en la noche, y aquellos que no tengan su boleto (ahmm, sniff), mejor búsquenle cómo. Haino va a sacar de onda a todos y Patton y Zu... Ah, Patton y Zu...

Keiji Haino, Mike Patton+Zu; Sábado 21 de Marzo, 22:00 hrs, Lunario del Auditorio Nacional, $400, boletos en las taquillas del Lunario (si es que quedan)

Ambarchi y Menche, masters del sonido. Zu trio, Patton oh gran patton y Keiji Haino San nos partirán la madre hoy en la noche en el Lunario.

2009-03-21T11:31:00.000-07:00

Hoy se acaba Radar y es una pena porque me la he pasado increíblemente bien, lo bueno es que hoy en la noche tocan Haino, Zu y Mr M. Patton, mejor conocido como "el wey ese que es versátil como la chingada y hace música para cicos y grandes".

Haino abrirá este cierre, de un festival que ha estado lleno de atmósferas ruidosas y envolventes como Sunn O))) y Jazkamer, como Ambarchi y Menche, con un montón de atmósferas ruidosas y envolventes... ¿La diferencia? La textura del sonido, el material con el que se trabaja, la potencia y el despliegue de energía, la experiencia. Para ejemplicficar voy a reseñar un poco. Ambarchi el jueves se subió a un escenario pequeñito con un montón de efectos y pedales, una guitarra y su hoodie y convirtió el lugar en algo inmenso. Dos notas que Ambarchi dejaba escapar periódicamente, con la exactitud de un reloj, fueron construyendo una atmósfera conforme Ambarchi iba construyendo y deconstruyendo el sonido que salía de su guitarra. Algunas veces las notas crecían hasta abarcar todo el lugar, otras se volvían loops, chirridos que iban y venían, el sonido iba creciendo, alargándose poco a poco por el escenario, Ambarchi escuchaba cada nota, y jugaba con ella, luego regresaba al fondo para prolongarlo, enriquecerlo. Estuvimos allí para verlo jugar con el sonido y la armonía, para sentir como se contruye un ruido impresionante, para prescenciar el quiebre de una atmósfera perfectamente redonda que crece desde allí en el escenario hasta tocarnos y atravesarnos y hacerno sentir que fuimos un poquito ese ruido, porque a todos nos pegaba diferente. En resumen: dos notas+dos notas+dos notas...sumándose y restándose hasta un clímax prolongado donde el ruido se conformaba de tantas capas como el oído más educado puede alcanzar a separar, armonía que taladra los oídos... restar agentes para volver a sumar otros... el silencio.

Daniel Menche construyó otra atmósfera, igual de rica, pero donde lo importante fue la experiencia viva del sonido, no tanto como el sonido como medio para llegar a algún lugar, sino el sonido y sus capas como la experiencia misma desde una experiencia más rica que el sonido mismo. Explico: Menche se subió a una mesa con dos micrófonos adaptados para funcionar con la voz, el aire y la interacción del micrófono-objeto con el cuerpo. Adoptando una postura similar a la usada para meditar, Menche comenzó con el sonido que serviría de respaldo para toda la ola de emoción que vendría después. Soplando y manipulando el sonido del soplido Menche dió inicio a un espectáculo cargaddo de energía, lo que siguió: el ritmo procedente de golpes en el pecho. gritos extraídos del cuello alterados por golpes en el micrófono que estaba extendido como una regla, el sonido de sus objetos cortando el aire y los objetos cortándole la respiración, collares que raspaban al objeto y capas y capas de sonido y Menche gritando y haciéndose gigante en el escenario mientras el sonido exponenciaba lo que los ojos recibían al infinito. Fue breve pero catártico. Un tren que se atropelló a sí mismo para atropellarnos se llama Daniel Menche. Emoción pura...

Haino viene de otro mundo y promete poner en el escenario una emoción y energía similar a la de Menche y un trabajo conciezudo del sonido como el de Ambarchi para envolvernos en una nue de sonido como ambos y para llevarnos a vivir el ruido como nadie.

Hoy Keiji Haino, Mike Patton+Zu // Sábado 21 de Marzo 22:00 hrs. // Lunario del Auditorio Nacional // $400 aunque creo que ya no hay boletos...

Y eso sería directamente culpa de Patton y Zu trío, que llev an poco tiempo trabajando y de los que no quiero hablar mucho hasta escucharlos en vivo pero para no dejar:

Patton inició su carrera como vocal con Mr. Bungle mezclando death metal con ska y atmósferas riquísimas con chistes sonoros y una tonelada de energía. Por su portentosa voz y su poder (y la buena onda que despliega su actitúd) lo contrataron para vocalista de Faith No More, luego vuelve a Mr. Bungle para grabar bajo la producción de Zorn y allí se inicia una carrera muy apresurada por explorar todas las posibilidades de la voz en todos los ámbitos musicales y antimusicales. A Patton le gustan las armonías raras y los ambientes siniestros y tenebrosos. Ha trabajado con toda clase de músicos y proyectos para siempre concluír con piezas que suenan agresivas o intimidantes. La voz de Patton ha sido la cereza en el pastel de bandas como Fantomas y Tomahawk, Patton ha colaborado en proyectos de hip hop friki como General Patton VS: The X-Ecutioners, proyectos rarísimos de pop como el Peeping Tom, de música para gente cool como Bjork, con ruidistas como Merzbow con un algo divino: Maldoror. Ha estado con John Zorn en Naked City y recientemente con Moonchild, un proyecto en donde Zorn se dedicó a explotar las armonías y atmósferas de Patton con una exploración exhaustiva de sus capacidades vocales. Patton sabe trabajar muy bien a solas y en esta línea tiene el Adult Themes for Voice en donde explora su voz desde el grito y el gemido hasta el punto de reventamiento de cuerdas vocales.

Zu Trio es poder y sonidos rockerosos con mucho ponch. Lo que hace Zu tiene el carisma del Jazz sumado a una potencia metalosa y a la experimentación de sonido gordo y grave que Zu tiene y que trabaja improvisando sobre temas muy ponchadores y llenos de emoción. Patton y Zu serán un madrazo al público, emociones fuertes y poder controlados por chorros y chorros de experiencia. Mañana o pasado mañana mi reseña estará cargada de amor. ¡Por fin Zu Patton Quartet!

¡Oren Ambarchi fue bellísimo anoche!

2009-03-20T11:28:00.000-07:00

Anoche Oren Ambarchi fue de lo más bonito que le ha pasado a Radar. No tocó esas atmósferas sutiles y apenas audibles de las que les hablé en el post, de hecho, muchos de nosotros no supimos en qué momento el volúmen se subió tanto, incluso al grado de recordarnos lo que hizo con Sunn O))) el sábado. Ambarchi pasaba de un tipo de sonido o efecto a otro con muchísima sutileza, sí, pero ruidosísimo, pero no ruidoso que pensarías que todo se está encimando sin control, no, Ambarchi tenía todo el control en su mesa de pedales y efectos y nunca se le vio dudar ni trastabillar. Lo que hizo ayer a las 11:30 de la noche fue simplemente precioso. Era él, sentado detrás de su mesa, con miles de plugs asomándose sobre ella, apenas tocando una o dos cuerdas cada cierto tiempo, con un compás espaciadísimo cada cierto tiempo. Fue un momento increíble cuando del ruidero que tenía regresó a lo silencioso y ese beat se repitió después de horas de ruido, y luego volvió a subir y regresó para terminar de más a menos. Oren Ambarchi estuvo increíble anoche y no diré más.

Hoy, por fin para muchos es Nurse With Wound, una banda a la que sus fans de aquí jamás pensaron que verían en vivo en un escenario mexicano, y mañana se presentan en una alineación sorprendente, lidereada, claro, por Steven Stapleton. De Daniel Menche no hay que decir mucho, basta decir que hay gente que viene principalmente a ver las capas y capas de sonido. Y de Gal* in_dog mucho menos. Es un sujeto que hace muchas cosas, demasiadas para un espacio tan reducido como un escenario de un concierto. Su presentación va, sin pierde, a sorprender a todos. Preguntándole ayer en mini conferencia de prensa, nos decía que ya sea que se presente en un escenario de concierto o en un espacio más amplio como una galería o museo, él prepara su trabajo por igual, así que quienes crean que le va a quedar chico el escenario, mejor piénsenlo otra vez. Ya sea por sus proyecciones de video microscópico, por verlo a él vestido de doctor manipular sus aparatos, por el sonido gigantesco que trae, por esta onda ritual que sale de sus presentaciones. ¡Aviéntense al Palacio de Medicina hoy!

Nurse With Wound, Guillermo Galindo, Daniel Menche, Viernes 20 de Marzo, 21:00 hrs., Palacio de Medicina, $200

¡Boletos GRATIS de última hora!

2009-03-19T17:01:00.000-07:00

Tenemos dos pases DOBLES para el concierto de hoy: Oren Ambarchi, La Orquesta Silenciosa y Galarreta. Contesten rapidísimo porque no hay tiempo:

¿A qué integrante de La Orquesta Silenciosa vimos ya hace dos Radares?

Manden sus respuestas a festivaldemexico@gmail.com, con algún teléfono de contacto para que nos pongamos de acuerdo.

Ya se fueron, como pan caliente. Pero todavía hay boletos a la venta, va a estar regüenísimo.

por fin, hoy es Oren Ambarchi en la noche en el Palacio de Medicina

2009-03-19T15:10:00.000-07:00

Anoche Marc Ribot, Greg Cohen, Ray Anderson, pero sobre todo, Han Bennink, sacudieron a un Teatro de la Ciudad casi lleno (ay) con grandes momentos de free jazz. Lo que tocaron anoche se amoldaba de repente a cosas plenamente jazzosas, otras más de transición en lo que uno u otro salía de un solo o tiempos en los que parecían una banda que tuviera años de estar tocando. Es cierto, mucha gente iba a ver, sobre todo, a Marc Ribot, quien estuvo impecable y sutil anoche, pero, la verdad, quien haya estado anoche en el edificio de Donceles, estará de acuerdo en que, comparados con la presencia de Han Bennink, todos parecían los hijos de algún vecino. Bennink fue la sensación anoche, se ganó al público desde el primer segundo en que empezó a tocar, hizo de todo: tocó con su boca, en el piso, con los pies, acostado, regañó a una de sus baquetas por caérsele en medio del concierto, se enojó cuando le robaron sus baquetas, se salió del escenario con todo y su bolsa, le grito "Silencio" al público. Han Bennink está loco, y se empeñó en demostrárselo a quien pudiera. Por su lado, Cohen fue, todo el tiempo, un verdadero caballero, Anderson tenía puntadas clásicas de un trombonista, y Ribot, ah, Ribot. Ribot pasó de momentos de una técnica impecable a golpes de una guitarra más rocker y otras, simplemente, se quedaba, cómodamente, en estándares de jazz.

Y luego, Hoy jueves, las jornadas de electrónica experimental empiezan dentro de unas horas y si estás leyendo esto, muy probablemente aún no tienes boleto, y estás en un error, primero porque aún quedan, y en segunda porque hoy toca Oren Ambarchi+La Orquesta Silenciosa+Christian Galarreta. Ambarchi promete unas atmósferas nítidas y suaves, todo por medio de su guitarra y la tonelada de efectos que usa para procesarla, luego, la Orquesta Silenciosa presentará improvisación y video en tiempo real, y por último, Galarreta traerá su pandemonium de juguetes y cachivaches alterados que hacen toda clase de ruidos. Nos vemos todos en un rato en el Palacio de Medicina.

Y mañana, Guillermo Galindo, Daniel Menche y, por fin, para todos los fans from hell, Nurse With Wound, con Steven Stapleton, John Fothergill y Heman Pathak. De eso hablamos al rato, saliendo de Ambarchi.

Christian Galarreta+La Orquesta Silenciosa+Oren Ambarchi, Jueves 19 de Marzo, 21:00 hrs. Palacio de Medicina, $200

Radar está dando mucho más de lo que parecía que iba a dar, y nos había prometido mucho.

2009-03-19T03:01:00.000-07:00

No había tenido tiempo de reseñar nada más, pero nadie se puede quejar, Bob está haciendo un trabajo impecable e insuperable. Además hemos estado juntos en todos los conciertos junto con Pau y entonces lo que dice Bob nos empapa de su sabiduría y amor y lo que digamos nosotros tendrá que parecerse un poco a lo que él nos diga (quienes no saben quién es Bob, es el sujeto que escribe la mayor parte de lo que hay en este bonito blog), en fin, voy a hacer unos apuntes acá y espero que se animen a ir a lo que falta de Radar, que se está poniendo buenísimo.

Les Percussions de Strasbourg

Me prometieron que era el evento cultural del año, creo que lo fue, a pesar de lo arriesgado que es hacer una aseveración así. En Radar uno va a ver y a escuchar artistas interpretando piezas que, al menos en México, son irrepetibles. Aunque el director Jean-Paul Bernard, dijo que volverían a tocar la pieza, Le noir de l’etoile de Grisey, si los invitan otra vez. Deberíamos.

Para empezar, no creí que fuera tanta gente, no sólo porque Radiohead tocó al mismo tiempo, sino porque los conciertos de música contemporánea no suelen congregar a tanta gente, y según las cifras que dió la organización, fuimos más de 3 500 personas. No importa saber por qué, pero la gente estaba allí. Estábamos advertidos, la construcción musical planeaba hacerse alrededor del público, pero sólo unos cuántos cupimos adentro del círculo que formaban los 6 percusionistas.

Le noir de l’etoile (lo negro de la noche), se trata de escuchar a las estrellas muriendo, se trata de espacios, se trata de nosotros espectadores, del silencio. Pero el silencio es muy difícil de alcanzar, justo al comenzar la obra un montón de grillos se escuchaban en los alrededores, todos estábamos concentrados en no hacer ruido, y un montón de grillos comienzan con sus rituales de apareamiento...

La obra empieza despacio y a un volumen casi imperceptible, la construcción del sonido alrededor del espectador es aprovechar las distancias para que el sonido y el silencio se deconstruya conforme va viajando, alejándose, acercándose.

El sonido de los pulsares, sin modificación alguna están allí para definir el tiempo en que la obra será tocada, para intervenir como directores invitados que hacen que la obra sea única en el momento en que es interpretada. Pero la analogía del espacio, el espacio escultórico y la construción espacial del sonido no fue gratuita. Parece que hoy, cuando tener un home theater es indispensable para todos los amantes del cine y la buena música, todos deberían entender esa espacialidad del sonido. Estamos acostumbrados al cuadrafónico y a los 5.1 canales en el cine (el sonido envolvente que viene por todos lados para ser más realista), pero una obra que trata precisamente de la espacialidad del sonido, lo desmenuza y sumerge a quienes están escuchando, en una experiencia única, donde tuvimos la oportunidad de viviir un círculo, de vivr la perspectiva, el espacio, el espacio, el sonido, y rehacer nuestra concepción de todo ello. Ojalá los vuelvan a invitar, nadie debe perderse una vivencia de tal magnitud

Court-Circuit Ensemble

De las dos presentaciones del Ensamble Court-Circuit se puede hablar muchísimo, el sonido, en cada pieza, jugó distintos papeles, y el espectador tuvo que dar muchísimo en ambos recitales para no perder detalle.

El primer programa, conformado por 5 piezas para solistas, dio muchísimo, era un programa que parecía difícil por la diferencia en la intención de cada obra, pero que continuó con lo que habíamos visto un día antes de Grisey, y que se amplió con las piezas de Murail y de Hurel.

Abrió con Prologue, que nos abrió a todos los oídos, la viola daba todo de sí, en círculos, para regresar casi al mismo punto en períodos cortísimos de tiempo, un tema que se repetía pero que no volvía jamás al mismo lugar, hacía que cada que el sonido se modificaba una pizca, el espacio se abriera un poco más. Un tema que nunca se repite, como un deja-vú que va desgastándose (o fortaleciéndose) conforme la obra va avanzando. Una pieza que mezcla la emoción con la textura, el espectro que va abriéndose, y que logra, al final que hasta la luz sea distinta.

Charme, para clarinete, no trató tanto de sonidos o silencios, de ciclos o de armonías... fue una obra de contrastes, crecer y destruirse, gritar y callarse, brillar y apagarse, la búsqueda del silencio que no se da, porque el de adelante se rasca, al de atrás le suena la alarma del reloj... los ruidos de la calle, pero el sonido que sí llega a completarse porque el caos en un brinco de una a otra nota, descomponen ese silencio imperfecto y se vuelve una pieza encantadora.

La pieza de Murail para viola (C'est un jardin secret, ma souer, ma fiancée, une source scellée, una fontaine close...) es una pieza que sube y baja, donde el violista casi nunca deja de tocar, donde el sonido y cómo puede extenderse sobre sí mismo como una liga y casi romperse para volver a encogerse son los principales protagonistas. Mucha tensión y energía que nos prepararon para un despliegue de poder en la pieza para chelo de Hurel: D'un trait, que fue sin duda el momento más conmovedor de todo el recital. El violonchelo explorado en un sin fin de posibilidades sonoras, en cuanto a timbre volumen, armonía, espacio, tiempo. Una obra completa, donde toda clase de ruidos-sonidos, se encontraron para encontrar una fuerza, violencia que al final fue liberadora.

Las últimas piezas, Anubis y Nout, fueron aún más poderosas que la anterior, pero un poco más solemnes y quizá más sobrias, aunque el contraste en este caso se dió de una pieza a la otra, mientras en la primera los tonos más graves sonaban poco tiempo y alternaban con largos períodos de notas altas y largas, en la segunda parte los gravísimos sonidos llenaban la sala y los brillos de las notas altas apenas aparecían para contrastar, para dejar una reminiscencia de lo que había sido. Quizá como metáfora de la muerte, de la noche, de un final. Fue un concierto de los que dejan la satisfacción de haber estado en el lugar correcto en el momento correcto. Nunca había escuchado ninguna de esta piezas en vivo y la manera en cómo se trabaja con el instrumento y se le explota al máxximo para salirse del instrumento mismo, la capacidad del sonido para estirarse, el tiempo, todo se vive de una forma maravillosa cuando el intérprete está a unos cuantos metros.

Las tres piezas que tocaron en la sala nezahualcóyotl fueron un viaje a otro mundo.

La primera, Talea, de Grisey, que quizá debieron haber programado al final, no es una pieza tan emotiva como la última que tocaron: Vortex Temporum, que fue la pieza que a todo el mundo dejó un buen sabor de boca y una satisfacción al salir de la sala.

Talea es una obra de tiempo, de espacio (otra vez), en donde el contraste del piano con los otros instrumentos y la opacidad que se logra al juntar la flauta y el violín, hacen que el espectador se centre en lo temporal y en cómo se va desartrolando la obra por pasajes insospechados. es una obra impredecible que dura más de lo que dura en realidad, aquí se vuelve a construír en el espacio con el sonido, pero no por la isposición del público o de los instrumentos, sino por las tonalidades y microtonalidades contrastadas, comparadas.

La Barque Mistique, de Murail juega con el espacio un poco a la manera de Le noir de l’etoile, el sonido circula, cada intrumento le pasa la batuta al otro, el sonido no cesa de girar, de crecer, de moverse. En esta pieza el sonido alcanza profundidades giigantes, quizá el espectro más amplio en armonía. El piano juega una parte fundamental cuando con las notas más graves se aleja del violín, de la flauta, del clarinete, para irse detrás de nosotros y volver con destellos pequeñitos pero constantes, notas altas que bailan alrededro de las demás.

Vortex Temporum es emoción pura, la exploración del sonido pierde un poco perspectivas, y apesar de que en cuanto a juego de volúmenes e intensidades la obra es riquísima, las armonías (ricas sí que lo son) se vuelven más amenas, nos llevan ya no tan lejos, no a lo inexplorado, sino a donde queremos ir. Una pieza para escucharse en vivo, es una pena que tan pocas personas hayan asistido, porque todos salieron contentos y celebrando el maravilloso final de la pieza, donde la flauta y el piano jugan a corretearse, a brillar, a alzarse se quedan por allí en algún lado, encendidos, hasta que uno deja de contener la respiración y empieza el aplauso.

Anderson Bennink Cohen Ribot

De ellos no hay mucho qué decir. Nunca habían tocado juntos y pareciera que se conocían de toda la vida. Greg Cohen siguiendo a Bennink frenéticamente para todos lados, Ribot ayudándose de Cohen para interpretar el pasaje a donde debían ir.

Hubo momentos de verdadera libertad y hubo momentos de puro jazz, pero ellos 4 de verdad se ve que lo disfrutan, tanto que después de irse por segunda vez, volvieron para cerrar con Ayler, para regocijo de quienes fueron a verlos esperando jazz y nada más.

El momento favorito de todos fue cuando Bennink se tiró al suelo y ayudándose de sus zapatos y los atriles de los micrófonos, se puso a tocar directo sobre el escenario, con unos dulcísimos golpeteos de baqueta contra madera y metal que perdieron toda la timidez y llenaron el teatro de la ciudad de ritmo.

Anderson y Cohen contrastaron en el trombón y el contrabajo, maestros los dos de momentos inolvidables, Anderson con secuencias que se salían a veces de lo jazzístico por kilómtros y a veces, quizá por el color de su trombón, era quien nos recordaba que era jazz una parte de lo que estaba sucediendo en el escenario. Pero el contraste que brilló, como siempre, fue Ribot. Hay quienes creen que no puede integrarse o seguir a los otros músicos, pero hoy demostró que con un par de guías rítmicos como Hann y Greg, puede ir a donde se le de la gana sin perderse, pero que también puede gritonear, correr y lucirse sin que tengan que ir por él.

El protagonismo de la guitarra se perdió, a ratos, sin que eso signifique que Ribor lo estaba haciendo mal, los cuatro se respetaban lo suficiente, pero no se tuvieron miedo, Bennink demostró que todas sus excentricidades están justificadas, que la batería es mucho más rica de lo que parece y hubo momentos en que las melodías que salían de la batería eran tan ricas que parecía que Alan Dawson había resucitado en un viejecillo blanco, de cabellos plateados con gran carisma y sentido del humor.

Amé ver a Cohen en vivo, su técnica impecable, su paciencia, y su poder para marcarlo todo a su ritmo y para seguir cuando es necesario lo hacen grandísimo.

No puedo esperar a todo lo que falta.

Mañana Abarchi, Galarreta y la Orquesta Silenciosa arrancan la electrónica experimental. Ya vimos a Ambarchi cumplir con Sunn O))) y formar parte de un noise pesadísimo, ahora le toca hacer lo suyo solo. Galarreta representado a Perú y a toda la gran escena de ruidistas que hay por allá y la Orquesta Silenciosa que promete llevarnos a otro mundo (uno más, como hizo Sun O))) ) improvisando, ambientando, ruideando.

No se lo pierdan, no sean burros.

Oren Ambarchi, La Orquesta Silenciosa y Christian Galarreta

Palacio de Medicina

Jueves 19 de Marzo 21:00 hrs. // $200.

El Ensamble Court Circuit dio una presentación soberbia como pocas para un público selecto ayer y antier

2009-03-18T11:32:00.000-07:00

El Ensamble Court Circuit se presentó anoche y el lunes en la Sala Neza del CCU y en el Salón de Recepciones del MUNAL respectivamente. Su interpretación de las piezas de Grisey, Murail y Hurel fue sorprendente. Todos nos emocionamos sin estar lo suficientemente preparados. Nadie se imaginaba esto. El lunes, en un cuartito del Munal en donde no habría más de 150 personas, lograron, con sus instrumentos y sin nada más, hacer cosas verdaderamente sorprendentes. Era como si tomaran el sonido como un hilo y lo deshebraran hasta ampliarlo muchísimas veces. Era increíble, por ejemplo, en Prólogue, para viola, cómo se le podía sacar toda esa sonoridad al instrumento. Este efecto se repitió a lo largo de todo el concierto, que duró alrededor de 75 minutos. La pregunta principal (que no pude hacerle al Ensamble en su entrevista en la Sala Neza por el horroroso servicio de transporte de Ciudad Universitaria) era, ¿cómo lograr esa sonoridad o espacialidad ampliada en el concierto de ayer tomando en cuenta que en el MUNAL se trataba de instrumentos solos y ahora tocaría todo el ensamble? La primera mitad del concierto de anoche no parecía responder a esta pregunta (no iba por ahí la cosa con Tálea y la pieza de Murail), pero, en Vortex temporum de Gérard Grisey, las cosas se aclararon increíblemente. Era ese efecto, sí, en todos los instrumentos, repeticiones y zonas de silencios ampliados increíbles. La gente se enamoró automáticamente de Fuminori Tanada, pianista del ensamble, que ejecutó su parte con una sutileza y una fuerza al mismo tiempo fascinantes.

Con la espectacular presentación de Les Percussions de Strasbourg y el Ensamble Court Circuit acaba el Ciclo Gérard Grisey de Radar, y seguimos con la esperadísima presentación de Anderson+Cohen+Bennink+Ribot en el Teatro de La Ciudad hoy a las 8:30 pm. Aún quedan boletos. No se vayan a peder de una oportunidad única de ver, por primera vez juntos, a estos monstruos de la improvisación y el experimental. Sólo por ver a Bennink haciendo pedazos la palabra "baterista" o por ver a Ribot tratar a su guitarra como un arma, vale la pena comprar su boleto. Nos vemos en la noche!

Anderson+Bennink+Cohen+Ribot
Miércoles 18 de Marzo
20:30 hrs.
Teatro de la Ciudad
$250, $200, $150, $80

Les Percussions de Strasbourg y el Espacio Escultórico fueron la experiencia del año hace unas horas y Radar apenas está empezando

2009-03-15T22:02:00.000-07:00

La presentación de Les Percussions de Strasbourg hace un par de horas en el Espacio Escultórico de Ciudad Universitaria fue mucho pero muchísimo más de lo que cualquiera hubiera esperado. Fue Increíble. En un terreno de roca volcánica a reventar (pese a la clara competencia en audiencia que suponía el concierto de Radiohead en el Foro Sol), las seis plataformas de percusiones, dispuestas en el perímetro del Espacio Escultórico, generaron un efecto de sonido envolvente maravilloso. Un golpeteo sonaba a la derecha y se iba moviendo hasta darte la vuelta, los pulsares desconcertaron a más de uno, la manera en que las percusiones se entretejían con los sonidos de los pulsares fue increíble. Toda la experiencia resultó extraordinaria, aun cuando el mismo público resultó el peor enemigo del público: la pieza exigía de un silencio que simplemente no embonaba una con la pléyade de bebés traídos por sus padres en domingo, la cantidad de celulares en uso y la idea de que por ser una pieza en espacio abierto no exigía estar callado (la palabra 'percusiones' suele ser un tema de interés demasiado amplio en el sector cultural). Pero todo eso no importó, la presentación de Le Noir de L'Etoile de Gérard Grisey fue una experiencia verdaderamente aparte.

Y el ciclo Grisey continúa el Lunes 16 y el martes 17 en el MUNAL y la Sala Nezahualcóyotl respectivamente. El Ensamble Court-Circuit presenta algunas de las obras más representativas del compositor espectralista. Empieza el lunes con la interpretación de Charme, Anubis Nout, o Prologue y termina el martes con la esperada presentación de Vortex Temporum, una de las obras más interesantes de Grisey, además de obras de Tristan Murail, quién también trabajó a lado de Grisey. Los conciertos están programados de menos a más, precisamente para el lunes comenzar con una especie de introducción de la obra de Grisey y culminar en la Sala Neza con algunos de sus trabajos más sólidos y desafiantes, tanto para el escucha como para los intérpretes. Del Ensamble Court-Circuit no podemos decir mucho ya a estas alturas, sus presentaciones, caracterizadas por el talento individual de sus integrantes y los sorprendentes efectos sonoros que genera, son una garantía de que sus presentaciones serán llenas de energía y a la vez extremadamente cuidadas. Quien haya quedado sorprendido por la espacialidad del compositor francés en el espacio escultórico, deben ir al Munal y la Sala Neza.

Ciclo Gérard Grisey 2 y 3, Ensamble Court-Circuit

-Lunes 16 de Marzo, 18:00 hrs, Sala de Recepciones del MUNAL. $150
-Martes 17 de Marzo, 20:30 hrs, Sala Nezahualcóyotl. $150

Sunn O))) dejó sordo al 50% del público del Lunario anoche, el otro 50% que todavía escucha, nos vemos hoy a las 7 en el Espacio Escultórico en Grisey

2009-03-15T08:06:00.000-07:00

El concierto de Sunn O))) acabó hace casi nueve horas y todavía no se va el zumbido de los oídos. Jazkamer estuvo increíblemente atascado desde que comenzaron, tocaron con una alineación que llamaba la atención por sencilla (guitarra-guitarra-batería) pero eso no impidió que todos se pararan de puntitas para ver de dónde diablos salía todo el ruidero de Lasse Marhaug y John Hegre. Nils Are Drønen fue la gran sorpresa en la batería, que desde que comenzó tocó con toda la fuerza de quien hace un solo de 2 o 3 minutos pero prolongado por más de cuarenta minutos (se tuvo que salir del escenario, muerto de cansancio). Pero si se puede decir que Marhaug y Hegre estuvieron atascados, se tendría que redefinir el término con Sunn O))). Sin dudarlo un segundo, fue el concierto más física y mentalmente demandante de todo Radar 8. Si uno escucha los discos o ve los youtubes de Sunn O))) uno igual y dice que son "soundscapes" o "sonidos prolongados y distorsionados". Esto, en vivo, es una burda y absoluta mentira. Algunos términos que se me venían a la cabeza anoche mientras O'Malley y Anderson hacian zimbrar los cimientos del Lunario (cosa que nunca cedió ni un poco) fueron: trombosis sonora, bulldozer auditivo. Cuando escribí que sería una atmósfera abrasante no sabía de lo que hablaba. La idea de 'Muralla de Sonido' definitivamente aplicaba, pero siempre y cuando uno fuera emparedado vivo entre ampllificadores que antes de sonar, temblaban, entre toneladas de humo (era verdaderamente difícil verlos). Esto del sonido, de la atmósfera hablamos en otro post, fue exactamente lo que se esperaba y un poco más (fue sumamente emotivo ver a O'Malley abrazar a Marhaug, Ambarchi y Anderson repetidas veces). Csihar hizo lo que haría Csihar. Basta con decir que, para algunos, Radar empezó y terminó anoche.

Pero hoy es domingo y es otra cosa, hoy es Le Noir de L'Etoile de Gérard Grisey en el Espacio Escultórico con el legendario ensamble Les Percussions de Strasbourg en primera y única presentación (mañana darán una master class en la Escuela Nacional de Música), hoy es el sonido de los pulsares integrado al sonido de los seis percusionistas en vivo y sin modificación, justo al anochecer, con el público rodeado por los músicos, sentado en la roca volcánica del espacio que este año celebra treinta años. Hoy es entrada libre y definitivamente uno de los conciertos que más expectativa han causado de todo el programa de Radar.
Nos vemos hoy a las 7 en el Espacio Escultórico de Ciudad Universitaria.

Ya dijimos que es Entrada Libre.

Ciclo Gérard Grisey 1: Le Noir de L'Etoile, Les Percussions de Strasbourg, Espacio Escultórico del Centro Cultural Universitario, Domingo 15 de Marzo, 19:00 horas. Entrada Libre.

Sun O))) y Jazkamer rifaron y estuvieron de pocamadre.

2009-03-15T01:53:00.000-07:00

Noche de exceso de humo, platillos rotos, los oídos pidiendo clemencia, el cotorreo, las hamburguesas... hicieron de este concierto uno inolvidavle...

Jazkamer domina su oficio y no pierden el tiempo con formalidades. Después de arreglar sus cerebros de naranja, y casi sin previo aviso (se fueron las luces y la batalla comenzó) una nube de ruido y tamborazos libraron una batalla contra sí mismos, en el escenario, tres grandes desafiaban sus propios límites y los del instrumento. un platillo roto, cables por acá, mucho sudor... Jazkamer fue intenso. Lasse Marhaug en el ruido, con guitarra en mano, un montón de aparatos y cables en las manos, en la batería, el héroe de la noche, invitado, que tocó con tanta fuerza que tuvo que salirse antes, agotado, del escenario: Nils Are Drønen. Lasse Marghaug que hoy fue quién mantenía la cordura, aparentemente, dentro del escenario, desde su guitarra y aparentemente tranquilo, salieron de su guitarra tantos sonidos como eran posibles, sinque se reconociera jamás una guitarra sonando. Como trío fueron exquisitos, perdieron un poco la calidad de cien por cierto noise que solemos escuchar, gracias (o por culpa de) la batería, que fue una gran sorpresa (aunque anunciada), pidiéndose demasiado entre ellos, nos dieron una sacudida y nos dejaron casi sordos por un rato... Hermoso.

Sun O))) no son sólo música, visualmente no son una banda, son casi predicadores de rollos casi incomprensibles, actores de un mundo que se crea con la música y que se tatúa en la mente del espectador con la ayuda de las capuchas, las luces, el humo y los puños levantados.

No quiero decir mucho, es casi indescriptible, antes de escucharlos en vivo me encantaban, eran "los weyes que tocan bien pesado y bien lento" pero verlos y escucharlos en vivo es completamente distinto, es un clavado a una alberca tan rara, un mar de sonido que te hace viajar a los lugares más pesados a los que uno puede llegar.

Oren Ambarchi, Lasse Marhaug y Attila Csihar, colaboradores. y Stephen O'Malley y Greg Anderson como siempre al mando del sonido, se treparon también más allá de donde uno cree que lo que uno escucha puede llegar, a paso lento pero bien marcado.

Y lo mejor, todos y cada uno de los conciertos de este, su festival Radar, prometen marcarnos de por vida y no soltarnos. No se pierdan nada.

Domingo: ¡Todos al espacio escultórico!

¡Radar ya empezó, se viene encima la mejor semana del año; Hoy: todos al Lunario a ver a Sunn O)))!

2009-03-14T10:06:00.000-07:00

Buenas y malas noticias:

La Buena:
Radar por fin comenzó sus actividades oficialmente ayer por la noche en el Laboratorio Arte Alameda (según mi memoria con el doble de gente y tres veces menos alcohol) con la inauguración de Insideout, exposición que, a juicio del que escribe, supera en varios aspectos a su símil del año pasado, la exposición Sonic Loud. Las piezas de David Tudor (con su iluminación increíblemente leve) y Michael J. Schumacher superan las expectativas de cualquiera y la disposición y montaje de todas las obras está por demás cuidada, logrando un todo exposición bastante logrado.

La Mala: por segunda vez en un museo mexicano, la pieza Guitar Drag de Christian Marclay simplemente no llegó a la exposición, y decimos segunda vez porque recuerdo que estuvo anunciada como presente en algún festival de arte sonoro del Ex Teresa y la pieza también brilló por su ausencia, causando que más de uno agachara la cabeza sin remedio. Pero eso no importa porque aquí la tenemos:

Christian Marclay, Guitar Drag, Video, 2000

¡Y hoy en la noche: Sunn O))) y Jazkamer en el Lunario! Todavía quedan boletos, los cuales pueden comprar directamente en el Lunario hoy antes del concierto. Ya no le piensen, si se les fue Melt Banana (de la que se perdieron) o Wolfeyes el año pasado nada más de indecisos, no cometan el mismo error en estas segundas jornadas de Rock Experimental. Además, con Stephen O’Malley y Greg Anderson se subirán al escenario el legendario ex vocalista de Mayhem, Attila Csihar, el guitarrista Oren Ambarchi (que se presenta en solitario el jueves en el Palacio de Medicina) y Lasse Marhaug de Jazkamer. Hoy no hay tráfico porque todo el mundo se fue de puente y el concierto empieza a las diez de la noche. ¡No hay pretextos, nos vemos a las 10 en el Lunario!

Y mañana, el evento del año (que no, no es Radiohead): Le Noir de L’Etoile, con Les Percussions de Strasbourg en el Espacio Escultórico del CCU. De eso platicamos mañana.

Sunn O))) & Jazkamer / Hoy Sábado 13 de marzo, 22:00 hrs. // Lunario del Auditorio Nacional, $250 (boletos a la venta antes del concierto)